Mi reencuentro con Chavela Vargas

Arte-Shock

Conferencia en C.U.

Un mexicano censura a La Congelada de Uva en China

Rocío Boliver, La Congelada de Uva, participó del 2 al 25 de septiembre de 2009 en el 10th Open Festival of Performance, en la República Popular China. Lamentablemente fue víctima de descriminación por parte del curador Martín Rentería. Sin duda un hecho lamentable. A continuación transcribo literalmente la carta que La Congelada de Uva envió al embajador de México en China y que a su vez me envío.

México, D. F. a 4 de octubre de 2009

Para:

SR. EMBAJADOR JORGE EUGENIO GUAJARDO GONZÁLEZ
Embajador de México en China

De:

ROCÍO BOLIVER
Artista Visual mexicana



Señor Embajador, con su permiso le hago llegar este comentario que juzgo de suma importancia para la buena voluntad entre mexicanos en particular, y seres humanos en general.

Del 2 al 25 de septiembre del presente año, tuve la oportunidad de estar en La República Popular China, invitada a participar en el 10th Open Festival de performance, que se llevo a cabo en el 798 Art District de Beijing.

Me resulta necesario hacer conciencia de los daños que provocan actitudes de segregación que como mexicana viví durante mi estancia en China.

Con el fin de darle difusión al quehacer artístico mexicano, se designó a una enviada especial en relaciones públicas para cubrir la participación de los artistas mexicanos en dicho Evento.

Esta persona se manifestó muy interesada en difundir mi participación, por mi trayectoria en el medio artístico nacional e internacional. Me solicitó material fotográfico, videográfico y entrevistas; todo ello cancelado debido a la indicación ex profesa del Curador de México en Beijing, de no darle cobertura alguna a mi trabajo.

Comprendo la lógica preocupación de los organizadores, debido a la censura que en estas temáticas hay en China, por lo que presenté una pieza respetando las explícitas indicaciones del Director del Festival.

Resulta comprensible que mi propuesta no se difundiera en los medios de comunicación chinos, pero no así la censura que se me impuso con la prensa mexicana quien por años ha seguido mi carrera.

Tratando de dar respuesta al porqué se me negó el espacio en los medios de información mexicanos pensé en un principio que podría deberse a que fui invitada por curadores extranjeros, pero recapacité en que esta circunstancia no invalidaba mi condición de mexicana y participante del Evento en representación de mi país.

He de mencionar que la noche del 15 de septiembre, el Curador de México, residente en Beijing desde hace varios años, convocó a un grupo de mexicanos para celebrar el Grito de Independencia en la Embajada y argumentando que usted los recibiría y debían mantener un estricto protocolo me manifestó que no sería conveniente mi presencia en el festejo.

Durante la celebración, una colaboradora de usted en la Embajada preguntó por qué no había asistido a la celebración y se le dijo que una servidora no había querido ir.

Independientemente de yo podría haber asistido por el simple hecho de compartir un festejo tan importante para todos nosotros, la actitud de segregación me dejo pasmada y bloqueó mi deseo de participar de un evento que lejos de dividirnos debiera unirnos como coterráneos.

¿Cómo exigir respeto e igualdad fuera de nuestro territorio Nacional, si somos nosotros mismos los que aplicamos una política excluyente entre quienes pertenecemos a una misma Nación?

¿Cómo podemos exigir un trato digno en otros países si fuera del nuestro se realizan prácticas explícitas de discriminación hacia los propios conciudadanos?

¿Dónde podremos encontrar fraternidad, si más allá de nuestras fronteras se aprueba el aislacionismo por conveniencias meramente personales anteponiendo las de grupos de compatriotas?

Regreso a México dolida y con rabia por no haber sabido contrarrestar los efectos paralizantes de la exclusión que al más plantado lo ponen en desventaja.

Sin embargo, mi derecho a levantar la voz ante la injusticia y ser escuchada por quienes nos representan, me hace escribir estas palabras con la intención de no dejar pasar por alto tales aberraciones y con la esperanza de que sirvan para que en el futuro no se repitan y si se repiten que sean señaladas sin temor para resarcirlas.

Nacimos por fortuna en un país democrático y no deseamos que la exclusión imposibilite el goce de los derechos sociales, ni nos entregue una imagen desvalorizada de nosotros mismos como relegados y estigmatizados. El concepto de exclusión social sólo trata de impedir el derecho de participar en los aspectos valiosos de la vida colectiva y es por ello que apelo a su sabiduría para valorar el caso.

Lejos de este sentir, agradezco infinitamente el aprecio manifiesto y sincero que los ciudadanos chinos me expresaron durante mi estancia por esas tierras.

Agradezco también y de manera muy especial la deferencia que de la Embajada que usted preside hicieron al recordarme y al mostrar interés de saludarme personalmente.

Gracias por el tiempo dedicado a esta reflexión y reciba un saludo y un reconocimiento por su labor de hermanamiento, al promover los intercambios culturales que constituyen un efectivo medio del diálogo de almas, de la comunicación de sentimientos y amistad.


Atentamente
Rocío Bolíver, La Congelada de Uva


C.c.p. Guillermo Manuel Rafael Pulido González, Agregado Cultural

Ariel Guzik / Algarabía en el jardín

Les presento el videoregistro que realicé del montaje de la instalación Algarabía en el jardín, del artista mexicano Ariel Guzik, para el proyecto artístico Lugar_Cero, curado por Helena Braunštajn y gestionado por Casa Vecina-Espacio Cultural.

Circunvoluciones alrededor de una antología

El Museo de Arte Moderno ha rescatado la Sala Gamboa como un espacio de arte contemporáneo y actualmente presenta la segunda intervención con la obra de Iñaki Bonillas: Circunvoluciones alrededor de una antología. La instalación consta de una selección poética montada en una base circular suspendida en el aire, la cual mantiene un diálogo intensísimo con la sala de documentación que consta de diversos documentos como películas y libros.

Es una especie de Piedra de Sol, de Octavio Paz, que curiosamente el artista no incluye en la selección poética. Es un enfrentamiento tautológico de gran fuerza con el espectador, la obra cuestiona y seduce a la vez. La circularidad in situ de la obra de Bonillas coloca su impulso personal por registrar y catalogar, reconociendo una estética del archivo como posibilidad de autoreflexión efímera.

Antony Gormley en México

Charla con Álvaro Enrigue

Las 7 cabronas e invisibles de Tepito

"En Dios creía y a mi marido lo adoraba"

Los contextos históricos-culturales explican nuestro carácter, en la medida que nuestro carácter también explican nuestros contextos. De ahí la relevancia del proyecto de Las 7 cabronas e invisibles de Tepito, de la artista catalana Mireia Sallarès. Las historias de vida expuestas son testimonios que delinean un tipo de matriz histórico-cultural que esboza la transformación del barrio bravo de Tepito, constituido por machos pero bajo la custodia del matriarcado. La mujer es el principal capital cultural del barrio, ellas guían los valores simbólicos, no sólo de Tepito, sino de nuestro país.

"Yo tengo unos hijos que son hijos de la Chingada"

Lo que Octavio paz llamaba la Chingada como la figura mítica que representa a la “sufrida madre mexicana” y por ende un país de sufridos; quizá se haya transformado, tal vez, hemos dejado de ser hijos de la chingada para ser hijos de cabronas.

"Mi vestido fue el de la emperatriz Carlota, pero yo no lo disfruté, porque yo creía que me moría "

Y no sólo hijos de las cabronas de Tepito, Elena Poniatowska reunió siete espléndidos retratos en Las siete cabritas, siete mujeres cabronas mexicanas: Frida Kahlo, Nahui Olin, Pita Amor, Rocío Castellanos, María Izquierdo, Elena Garro y Nellie Campobello.

"Las mujeres cargamos al macho"

Cabrona, Chingada, son “malas palabras” que dan vida al lenguaje, poesía ante palabras vacías. Y son nuestras mujeres.

OhDios

Ohdios es la exposición más reciente del artista mexicano Carlos Aguirre en el Ex Teresa Arte Actual, cuyo lúdico título dialoga, a su vez, con las piezas de algunos de los artistas que participaron en la vigésima novena muestra de arte joven 2009.

Particularmente me llamaron la atención los trabajos de José Francisco Rojas Miramontes y de Jesús Jiménez López. Y así, Aguirre, Rojas y Jiménez conforman una metáfora del monstruo, que se encarga de la domesticación de la sociedad, un poco refiriéndome a Michael Foucault, en la que propongo para este caso tres tópicos: El pederasta, El narcotraficante / secuestrador y La migración. Tres monstruos que han aquejado a nuestra sociedad en la última década.

Esta propuesta es de quien la escribe, no sé si Ex Teresa lo planteara a través de la curaduría, aunque no lo creo porque existen más piezas de las cuales no hago mención.

El pederasta: A través de un registro documental y bitácoras, Carlos Aguirre denuncia-evidencia los casos de pederastas en México.

El narcotraficante / secuestrador: José Francisco Rojas Miramontes presenta su instalación con video Messico, piú di quanto immagini, México, la gran aventura. Sin duda alguna un excelente trabajo.

La migración: Fotografía de 100 mil dólares enviados por trabajadores ilegales a México, pieza de Jesús Jiménez López.

100 mil dólares, de Jesús Jiménez

Odhios, de Carlos Aguirre

Messico, piú di quanto immagini, José Francisco Rojas

Tianguis de Arte Contemporáneo 09 [Faro de Tláhuac]

Este pasado sábado 27 participé en la mesa de discusión fue la Generación de contenidos para públicos de arte, organizada por el Tianguis de Arte Conemporáneo en el Faro de Tláhuac.

Los participantes fuimos: Edgardo Granado Kim, galerista de La Refaccionaria, Irving Domínguez, curador del Centro de la Imagen y yo.

Fue un ejercicio interesante en el cual quedaron varias preguntas sin responder: ¿Quiénes son los encargados de generar contenidos para la formación de públicos de arte? ¿Existe realmente en nuestro país el periodista de arte? ¿Los medios de comunicación como se enfrentan al arte contemporáneo? ¿Qué público hay que formar? Les comparto un resumen sonoro de mi participación.

Jerónimo Hagerman

Este domingo 17 de mayo se inaugurará, a las 12:00 horas, Aquí y ahora. Jardín radial, la primera intervención del proyecto LUGAR CERO, curado por Helena Braunštajn que hace su primera parada en el Atrio de San Francisco, Centro Histórico. Les dejo un video con la entrevista que le realicé a Jerónimo.

Bear y Rat en agonía

En el Reina Sofía se ha inaugurado la exposición más reciente de Fischlli & Weiss, a quienes conocí en el verano del 2008 cuando visité la exposición de Jeff Koons en el Museum of Art Contemporary of Chicago.

Su trabajo, que se ha caracterizado por contagiar una visión amorosa por las cosas y la cotidianidad de la vida, pareciera ser que dará un giro radical.

No me atrevo a confirmarlo pero sé que Bear y Rat, los alter egos de Fischlli & Weiss desaparecerán muy pronto.

Si bien es más diverso el trabajo de estos artistas suizos, entre ellos la fotografía, la posible desaparición de Bear y Rat dará una connotación más “seria” y madura” a su trabajo. Lo que se opone a ese factor llamadado “aburrimiento/juego”, materia prima de Fischli & Weiss, que les permitía mutar en una especie de taumaturgos que convierten cualquier objeto en arte, gracias a esos instantes liberadores y redentores –como dijera Danto-.

Sin duda un guiño al dadaísmo. Recordemos que Marcel Duchamp un domingo en el que estaba invadido por el aburrimiento creo su más famosos ready-made: La rueda de bicicleta.

Quienes seguimos el trabajo de Fischlli & Weiss tendremos que estar muy atentos a sus nuevas propuestas, o ¿Será que este tándem artístico está llegando a su fin? Les dejo con un video de ellos.

Chavela Vargas: la mexicana

Algún día escribiré más a fondo mis vivencias con Chavela, por lo mientras les dejo un ensayo que se publicó el 3 de mayo en La Jornada Semanal yun video que tomé el día de su homenaje, el 21 de abril de 2009, en el Teatro de la Ciudad de México. 

De lo naïf al zetgeist
Octavio Avendaño Trujillo

Para los niños palestinos

A Chavela Vargas la escuché por primera vez, en vivo, en el desfile del orgullo gay en Madrid de ese año. Cantaba “Vámonos”, aquélla canción mítica de José Alfredo Jiménez –muy acorde a la temática de aquél día: “Vámonos, donde nadie nos juzgue, donde nadie nos diga qué hacer.” Fue cuando comprendí que nuestras obsesiones, sueños y esfuerzos culminan en una experiencia naïf : espontánea, donde no hay normas y, en este caso, colores vivos; formas ingenuas y deformación de la perspectiva.
Sólo tuve la oportunidad de saludarla con un beso. Pude concertar una audiencia con Chavela. La cita fue en una importante residencia donde, tiempo atrás, estuvo el foco de la modernidad española: Federico García Lorca, Salvador Dalí, Luis Buñuel y el científico Severo Ochoa, todos residentes.
Llegué a las once de la mañana.
– Señorita, vengo a ver a la señora Vargas– la recepcionista era de una belleza andaluza impresionante.
Me pasó un teléfono para comunicarme a la habitación:
– Sí, Chavela. Ola. Mira. Claro. Muy bien. Gracias. Perfecto.
Después de una ahora salí a fumar un cigarrillo al patio. Vi pasar a un hombre con apariencia de turco con aires de español. Era él, Joe Durán, corresponsal de cnn Internacional. Pudo hablar personalmente con Chavela gracias a que asistió a una fiesta que brindó la residencia cuatro días antes y concertó la entrevista con ella. Sin embargo, al final ella le dijo había se había acordado para el miércoles.
Alrededor de las siete de la tarde llegué al departamento de Joe. Estaba mirando la invasión a Líbano por parte del gobierno israelita. No tendría yo más de cinco minutos cuando su celular sonó.
En ese momento me miró y con cara de pena me hizo notar la noticia:
– Lo sabía, Octavio, me mandan a Líbano. Voy a hacer mis maletas, pero antes llamo a unos amigos para estar todos juntos antes de que me vaya.
Empecé a deambular por su departamento lleno de fetiches asiáticos y orientales, hasta que me topé con su biblioteca. Ahí encontré El baile de los ardientes o Poderoso Cabriconde (1974), del dramaturgo español Francisco Nieva.
Sin darnos cuenta, ya eran las diez de la noche y en la casa de Joe se habían reunido sus amigos: Bogano, un contemporáneo mío que es escenógrafo; Pilar, que quince días antes había inaugurado su galería de arte contemporáneo, y otros dos amigos dedicados a la televisión.
Primero fuimos a dar a Lola, un bar de paredes color chocolate de techo azul cielo. Los sillones rojos con mesitas de madera. Donde se percibe al mundo que nos rodea compuesto de vibraciones a través de todos los rincones físicos y psíquicos de nuestro cuerpo. Para después terminar en El Chicote, un local lleno del mundo del cine y la moda, ganador del mtv Recommends Campari al mejor bar de Europa.
Ahí me presentaron con Roger Salas, crítico de danza que trabaja en el periódico El País.
Sin embargo, el telón de la mañana comenzó a ascender. Y nos encontramos con las primeras víctimas de la guerra: 175 muertos, de los cuales cincuenta eran civiles líbaneses. El aeropuerto internacional de Beirut destruido. Joe dentro de tres horas se marcharía a Irak para cubrir la guerra para cnn . Fue cuando entendí que la historia individual siempre está conectada con la historia colectiva y da paso a la muerte del autor. Al final de cuentas la singularidad de lo vivido se modifica perpetuamente con la relación de sujeto-realidad. Una relación en que la identidad de ambos se constituye a partir de la diferencia.
Después de esa noche di un salto mortal a una sociedad sin red que celebra la amnesia en un estado zetgeist. A una sociedad de un no-lugar, xenofóbica e hipócrita. Mi estancia en España es como estar dentro del Homeless Vehicle, de Krzysztof Wodiczko. Dentro de lo indigente, lo emigrante: elementos que se han convertido en el icono de la cultura y el arte contemporáneo. Por eso, cuando puedo, me detengo y observo a pesar de estar en un viaje hiperbólico, pero a la vez bulímico, de la realidad ¿Por qué no apostar a lo onírico que es una realidad más exacta que cualquiera de nuestras experiencias racionales?
Al terminar esta carta me quedaré a vigilar al mundo con mis pulsiones y mi estado de ánimo para observar todo minuciosamente y después –en esta búsqueda de los detalles–, atraparlos en mi diario/ordenador, como los hikikomori. Al fin y al cabo, después del 11 de septiembre de 2001 ya no creo en la mo, post y trans modernidad ¿De qué me sirve?

Andrés Henestrosa

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Leonora Carrington

Hoy mi realidad se convirtió en un halo de luz que descubrió otra realidad. El ave de la literatura mexicana, ella, Elena. El omnipresente cronista surgido de lo kitsch y revelado como narrador urbano, Carlos. Y su homónimo, aquél de la región más transparente: Fuentes. Sentimientos de cariño y de respeto, todos ellos reunidos para introducirse al mundo de Leonora Carrington.
He tenido la fortuna de aprender de cada uno de ellos. Cuando tenía 21 años tomaba té negro y fumaba con Leonora Carrington en su frío comedor, de ahí surgió una plática muy informal, que después conjunté con una entrevista que le hice a Jodorowsky. Y emprendimos un viaje.
Les comparto la foto de hoy y un par de pinturas de Leonora, debajo de las imágenes está la entrevista: Dos surrealistas en México, que publiqué en La Jornada.

Dos surrealistas en México

Octavio Avendaño Trujillo

platica con Leonora Carrington y Alejandro Jodorowsky

(Entrevista publicada en La Jornada Semanal)

OAT: Alejandro, en la colonia Cuauhtémoc te llamaban "El ruso" por tu apellido. ¿Qué anhelas de aquel México de los años cincuenta?

AJ: Anhelo, sobre todo, el entusiasmo que yo tenía para batallar contra tanto censor, sindicato ladrón, licenciado abusivo, periodistas ignorantes, artistas celosos. No me fue fácil. Me tuve que imponer. Escaparme por una ventana del teatro porque me querían linchar. Coleccionar cada día los insultos que me otorgaban los pasquines, soportar que me clausuraran algunas obras, ser tratado de degenerado porque monté comedias del premio Nobel Samuel Beckett y de Ionesco, Arrabal, Strindberg, etcétera. Echo de menos la embriaguez de la pelea no hipócrita: insultos abiertos, guaruras que me encierran, burlas acerca de mis películas: Fando y Lis es bautizada "Fango y Chis" (Bueno, también se burlaban de Salvador Novo, llamándolo por su homosexualidad Nalgador Sobo). Fue una época deliciosa. El público era entusiasta, noble, agradecido, y no se fijaba en las críticas. Por eso triunfó El diario de un loco, Las sillas, Zaratustra, H3O y tantas otras.

Alejandro Jodorowsky pasa a "formar parte de la cultura artística mexicana"; cuando llega a México ya había conocido a André Bretón en París y se desempeña como ayudante de Marceau: "Creo el Teatro de Vanguardia. Escándalos. Peleas. Gran actividad artística con pintores y escritores y actores... Pongo en escena Penélope de Leonora Carrington. Asisto al cumpleaños de Buñuel."

OAT: En tu reciente libro El Maestro y las Magas refleja una Leonora Carrington maga. ¿Qué aprendiste de ella y qué te enseñó?

AJ: De ella aprendí la libertad poética, el sentido del Tarot y la magia. Aprendí a admirar al espíritu de una mujer genial. No tengo la menor idea de lo que le pude enseñar. Con toda probabilidad, nada. Yo era un joven artista y ella una mujer consagrada y madura. Quizás le comuniqué un entusiasmo por el teatro.

OAT: ¿Sigue teniendo contacto con Carrington?

AJ: En el mundo exterior, no. En mi espíritu nunca he dejado de estar en contacto con ella. Fue un ser que llevo en mí mismo como un benéfico tatuaje.

OAT: ¿Practicas aún aquel Tarot que te enseñó Leonora Carrington?

AJ: No. Leonora Carrington jugaba con el Tarot pero no conocía su esencia. Usaba un Tarot hippie, el de White, especie de compendio angloamericano de un mal gusto prerrafaelita. Supongo que le gustaba por sus barrocos símbolos... Eso sí, Leonora me enseñó que lo que veía en esas cartas era el secreto: es decir, ellas actuaban como espejos. Más tarde, cuando trabajé con el Tarot de Marsella, el único auténtico Tarot, me di cuenta de la profundidad infinita de tal sagrado instrumento. Profundidad que nunca ha tenido el surrealismo.

OAT: ¿Sigues enamorado, por decirlo de alguna forma de Carrington?

AJ: Nunca estuve enamorado de ella. Nuestras relaciones no fueron ni románticas ni sexuales. Leonora, aparte de ser una bella mujer, era un maestro espiritual. La admiré como nunca había admirado a un artista. Regresé a México sólo porque ella estaba ahí.

OAT: ¿Por qué le devolviste el cuadro que te había regalado?

AJ: No sabía que se supiera que yo le había devuelto el cuadro a Leonora. Era una magnífica obra de gran tamaño. Debe de haber tenido un muy alto precio. Como es natural entre artistas. A causa de una diferencia de parecer respecto a Penélope —no nos vimos durante el montaje de la obra—, fue un detalle absurdo del que no tengo ya el recuerdo, nos peleamos. Para demostrarle que yo no era un individuo vulgar, interesado en explotarla guardando un cuadro valioso, se lo fui a dejar a su casa; abrió la puerta, deslicé el cuadro sin mostrarme y me fui. Nunca más la volví a ver. Orgullo estúpido.

OAT: ¿Cómo defines a Leonora Carrington?

AJ: La más genial de las artistas surrealistas.

Leonora Carrington se integra al movimiento surrealista en 1936 con Max Ernst y André Breton. Llega a México en 1942 por el hostigamiento nazi, y es el periodista mexicano Renato Leduc quien la trae desde España al país. Ya en México se reúne con los surrealistas europeos exiliados: Benjamín Péret, Luis Buñuel, Wolfgana Paalen, Alice Zahon y su gran amiga, Remedios Varo.

En su casa, comenzamos a platicar: "Me gustaría deshacerme de las ilusiones. A mí lo que me fascina es tratar de acercarme a lo real, pero no sabemos nada. Y hoy vivo entre el aburrimiento y la vergüenza de pertenecer a un género animal como el ser humano. Por eso me gustaría ser un elefante, pero salvaje, no dejarme de nadie; aunque la tortura continúa, dentro de la poca libertad que logré", reclama Leonora.

"El animal humano es un animal desgraciado y feroz, como los horrores cometidos el siete de junio en Londres y por los cometidos por alemanes. Además de que cualquier discriminación es estúpida y peligrosa. Uno puede tenerle antipatía a un individuo, pero no poner una masa y discriminarla.

"Todo acabó con Max Ernst porque Hitler persiguió a los artistas surrealis-tas y por eso era necesario huir. Fue cuando Picasso me presenta a Renato Leduc y es en Madrid, por casualidad, que lo encuentro y es cuando me voy con él, primero a Nueva York y después aquí, México, donde me encuentro con mi mejor amiga de la vida, Remedios Varo, que era muy alegre, siempre tenía sentido del humor. Por cierto, su obra tiene que quedarse aquí, en México, porque aquí pintó y vivió mucho tiempo.

"Cuando llegué a México me recibieron muy bien, y llegué agradecida por-que era enemiga del grupo surrealista ale-mán. Mi primera casa la tuve en Mixcoac, era muy chiquita, pero la gente era amable. Recuerdo que paseaba mucho por el centro y La Merced. Ahora voy al supermercado ¡Imagínese!… ¡Qué excitante!

"No me gusta hablar de mi pintura o de la pintura en general porque es algo muy abstracto, muy subjetivo. No hay nada qué explicar. A mí me gusta leer novelas policíacas y me interesa mucho la física cuántica, del mundo subatómico y soy sumamente ignorante. Yo veía la televisión hasta que quitaron Discovery Channel, era el único que yo veía, por los animales. Mi corazón está con mis hijos y en México, he vivido aquí por más de sesenta años, de México me gusta mucho su comida y La Llorona. Ahora hago la lucha de vivir conmigo misma, que no es muy fácil."

OAT: ¿Y Alejandro Jodorowsky?

LC: Yo tenía una gran amistad con él cuando llegó aquí. Me acaba de llegar un libro de él (El Maestro y las Magas), pero aún no lo he leído.

María Ruido: Transgresiones visuales

En el norte de Europa occidental los artistas han encontrado en el videoregistro documental un soporte estético muy interesante. Consiste, primero, en cuestionar hasta qué punto la obra se transporta al territorio de la cinematografía y, segundo, hacer del testimo y lo documental una pieza de arte. Cada vez esta tendencia se va difundiendo a lo largo del mundo, es el caso de la artista española María Ruido. Su obra para mi es muy interesante a pesar de que sus contextualizaciones específicas. La estética política que enfrenta al espectador con su entorno y el poder de los ensayos visuales permiten una amplia gama de lecturas. Sin duda, su exposición en el Museo Carrillo Gil es más que pertinente para el circuito de arte en México.

David LaChapelle en México III de III

Muy prontó saldrá publicada la entrevista que tuve con David LaChapelle...

David LaChapelle en México II de III

Hago una amplia recomendación para que visiten Delirios de la razón, título de la primera exposición de David Lachapelle en México, a quien se le considera el Fellini de la fotografía contemporánea; y quien gozara de la compañía de Andy Warhol. En la exposición encontraremos fotografías y videos que ha realizado este afamado fotógrafo, a partir del 4 de febrero en el Antiguo Colegio de San Ildefonso. En la siguiente entrega la entrevista exclusiva con David LaChapelle, por lo tanto les dejo unas fotos que tomé hoy.

I am a recommendation to visit Delusions of reason, as the first exhibition of David LaChapelle in Mexico, who was regarded as the Fellini of contemporary photography, and who enjoys the company of Andy Warhol. In the exhibition will find photographs and videos he has made this famous photographer, from February 4 at the Old College of San Ildefonso. In the next exclusive interview with David LaChapelle, so they let some pictures I took today.

David LaChapelle en México

No creo que sea un artista trasgresor, sino un pequeño niño tímido que recuerda a mamá y se entrega a la nostalgia del tiempo vivido, permitiéndole proyectar en fotografías la coraza que cualquiera que se diga humano, la necesite. Su estilo tridimensional, sin duda, desafió los paradigmas clásicos de la fotografía y, si analizamos el por qué de este recurso, se debe a que la tercera dimensión es el espacio entre la realidad y la ficción, es un escape “no total”, necesario para el mundo en el que vivimos. Esta técnica es muy cercana a lo popular y, paradójicamente, a la elite: ambos sueñan con el status quo, cada sector a su manera. La tercera dimensión, metafóricamente, es la esperanza del ser humano y LaChapelle la utiliza simplemente para entablar ese diálogo platónico. ¿Es a caso, su transición entre el fotógrafo de las estrellas a “fotógrafo artista” un hito en el que moldeó su estilo colorido y desnudo una fórmula para unirnos con Dios? O ¿Simplemente son delirios de la razón?

En la próxima entrega una entrevista exclusiva con David LaChapelle y un seguimiento de su exposición en México.

I do not think is a transgressive artist, but a shy little boy who reminds himself to mother and the longing of the time spent, allowing you to project pictures in the armor that anyone who says humans need it. Its three-dimensional style undoubtedly challenge the paradigms of classical and photography, looking at why this appeal is because the third dimension is the space between reality and fiction, is an escape "not complete" necessary for the world in which we live. This technique is very close to the popular and, paradoxically, the elite, both dream of the status quo, each in its own way. The third dimension, metaphorically, is the hope of man and LaChapelle used simply to engage in dialogue platonic. Is it a case, the transition from photographer to the stars "artist photographer" a milestone in the colorful style that shaped her naked and a formula for uniting with God? Or are simply delusions of reason?
The next installment in an exclusive interview with David LaChapelle and monitor their exposure in Mexico.

Ximena Cuevas

Ximena Cuevas explora la poética irónica de las imágenes mediáticas a través de de narrativas de apropiación. Provocando al espectador a través del juego de lo racional y apariencia; esta propuesta lúdica casi siempre es en el contexto de las representaciones de la identidad nacional, el género y los mass media. Consolidándose como la viodeartista más interesante de México. Su trabajo se ha presentado en diferentes ciudades como Berlín, Bilbao y New York entre otras.

Ximena Cuevas explores the poetic irony of images through the media narrative of ownership. Causing the viewer through the game of the rational and appearance, this game is almost always in the context of representations of national identity, gender and mass media. Video artist consolidating the most interesting part of Mexico. His work has appeared in various cities such as Berlin, Bilbao and New York among

Videoartistas

Pipilotti Rist (Suiza, 1962) es una de las video artistas más reconocidas en el circuito del arte contemporáneo. Su popularidad entre los jóvenes se debe a que participó, en la década de los años noventa con la banda Les Reines Prochaines. Como artista ha explorado la poética del género y el cuerpo. Su trabajo más popular es Pickelporno, la cámara con un objetivo ojo de pez transgrede la intimidad para colorearla. Su trabajo más reciente fue cambiar de sexo al MOMA de Nueva York (Diciembre 2008) con una instalación y un video de 16 minutos en el que la fragmentación de la forma y su calidad cuasi narrativa es el placer, la política y la biología; cuestionando a un Occidente misógino. En la próxima entrega mostraré el trabajo de Ximena Cuevas, la video artista más reconocida en México.
P.D. Si quieres saber cuál será la nueva frecuencia radiofónica de Los Colores del Arte, no dejes de seguir este blog.

Pipilotti Rist (Switzerland, 1962) is one of the most renowned video artist in the contemporary art circuit. His popularity among young people is that participated in the decade of the nineties with the band Les Reines Prochaines. As an artist has explored the poetics of gender and body. His work is more popular Pickelporno the camera with a fish eye violates privacy coloring. His most recent work was to change the sex of MOMA New York (December 2008) with a video installation and a 16 minutes in which the fragmentation of the quasi-narrative and its quality is the pleasure, politics and biology; questioning a misogynist West. In the next issue will show the work of Ximena Cuevas, the video artist best known in Mexico. P.D. If you want to know what the new radio frequency Colors of Art, be sure to follow this blog.

Los Colores del Arte

Los Colores del Arte termina una etapa en la radio mexicana; es por eso que este martes 30 de diciembre de 2008 he preparado un programa muy especial, con lo mejor de Los Colores del Arte: escucharémos las entrevistas con José Luis Cuevas, Felipe Ehrenberg, Antonio O´Connell, Edith Medina, Stelarc y Miguel Calderón; así como Erik Castillo y Víctor Muñoz. El martes 30 de diciembre a las 4:00 pm por la 660 A.M. o www.imer.com.mx, dando clic en Radio Ciudadana. Sin embargo, recuerda que aquí no termina Los Colores del Arte, por este blog te diré a dónde nos mudaremos ¡Hasta luego!

¡Viva el mole de Guajolote!

La única vanguardia estética mexicana del siglo XX fue el estridentismo, cuyo antecedente es el futurismo italiano. A fines de diciembre de 1921 Manuel Maples Arce publicó su manifiesto bajo en nombre de Actual N°1 Hoja de Vanguardia: "La verdad estética es tan sólo un estado de emoción incoercible [...] donde las cosas no tienen valor intrínseco posible, y su equivalencia poética florece en sus relaciones y coordinaciones". Proponiendo "una síntesis quintaesencial y depuradora de todas las tendencias florecidas [...]". Manuel Maples Arce fue el líder de este movimiento y encabezó la propuesta literaria estridentista; en cambio fue Germán Cueto quien distinguiera el arte estridentista.

Escuha este martes 23 de diciembre Los Colores del Arte por la 660 AM a las 16:00 horas. O por Internet: www.imer.com.mx dando clic del lado superior izquierdo donde dice Radio Ciudadana. Una conversación con Roberto Andrade y Margarita Sordo acerca del estridentismo.

Generación T

Después de que el arte acción se consolidó en México y las instituciones culturales lo acogieron como una de las manifestaciones del arte contemporáneo, los artistas de formación comenzaron a brindar talleres, como una continuidad necesaria para que el arte acción no se debilitara, así fue como surgió la llamada generación T, que Josefina Alcázar utiliza para definir a un contexto temporal y artístico que desde finales de los años noventa, pero sobre todo en los primeros años del dos mil, se fortaleció una intensa actividad de talleres de performance impartidos por artistas consolidados como Lorena Wolffer, Maris Bustamante, Víctor Muñoz, Mónica Mayer, Pancho López, entre otros. A los artistas egresados de estos talleres se les conoce como la Generación T y está conformada por Thereza López, Edith Medina, Eduardo Flores, Ricardo Velazko, entre otros. La mayoría de estos talleres se impartieron en el Ex Teresa, el Museo Universitario del Chopo, el Museo Carrillo Gil, el Centro Nacional de la Artes, el Faro Oriente, el Claustro de Sor Juana, por mencionar algunos.

Transgresiones a la cotidianidad

Una de las tradiciones que han explorado los artistas mexicanos, es la del artista recolector, desde luego con referentes duchmpianos, como el trabajo de Gabriel Orozco, Francis Alÿs, Melquíades Herrera y Alejandro Rincón. Si bien estos artistas hacen de la calle su taller, la connotación de la pieza es distinta. En el caso de Rincón es definitivamente una trasgresión a la cotidianidad y la apropiación del contexto urbano, cuando se apropia de los puestos tubulares del tianguis, existiendo un diálogo filosófico entre Foucault y Deleuze en el que las hetereotopías foucaultnianas se aposentan en las cartografías deluzianas para resignificar al objeto como escultura, instalación o arte-objeto. No te pierdas el martes 8 de diciembre Los Colores del Arte por la 660 AM.

Entrevista exclusiva con Stelarc

Una de las premisas teóricas que se comienzan a cuestionar es la deshumanización del arte contemporáneo y la necesidad de delinear las fronteras entre tecnología, ciencia y arte. Es por esto que he entrevistado al artista australiano Stelarc, primer artista cyborg del mundo, quien ha trabajado en esta última década con tecnología. La acción más popular de este artista es la implantación de una tercera oreja (hecha de tejidos y material genético) en su brazo izquierdo la cual es manipulada por Internet y dentro de algunos meses podremos escuchar lo que la tercera oreja escucha.
¿Es arte el trabajo de Stelarc? ¿Es una realidad el apoderamiento de la tecnología al arte? ¿Se está deshumanizando el arte? Las respuestas y la entrevista con Stelarc el martes 2 de diciembre a las 16:00 horas, tiempo de México, a través de www.imer.com.mx (dar clic en el lado superior izquierdo donde dice Radio Ciudadana)

Piensa en mi

The work of Octavio Avendaño Trujillo emerges a reflection of contemporary art through the author's death and ownership of objects as well as aesthetic possibilities, in Piensa en mi, produced a list in which they are involved in a brochure that promotes the exposures Julio Galan entitled Thinking of you. In a playful tone, Avendaño Trujillo cancels his portrait of Julio Galan and change the title of the booklet as a critique of power that have acomulado artists and the opportunity they have to call any object as a work of art and reflects a reality in contemporary art.

Rita Shulenburg

El mago de la arquitectura visual

Pedro Friedeberg es el mago de la arquitectura visual-fantástica, en su introspección estética plantea utopías que nos permiten regresar a lo primitivo en una suerte de cábala artística. Los signos más recurrentes en su obra son monogramas; ángeles y demonios, palacios y una maravilla de bestiario fantástico. Su legado es la posibilidad de moldear lo absurdo como posibilidad de felicidad. (Octavio Avendaño Trujillo® 2008©).

Pedro Friedeberg

En los Colores del Arte

martes 11 a las 16:00 horas

660 AM

La poética del espacio

Tercerunquinto es un colectivo regiomontano que ha causado ruido al rededor del mundo, en México es poco conocido su trabajo que reflexiona a partir de dos arquitecturas: la espacial y la funcional. A través de instalaciones y esculturas públicas, Tercerunquinto está perfilando un discurso estético afianzado en la funcionalidad. Este martes 11 de noviembre, no te pierdas la charla que entablaré con este colectivo, en punto de las 16:00 horas por la 660 A.M. O www.imer.com.mx, donde dice Radio Ciudadana.

 I Am What I Am, Ikon Gallery, 2008

Instalación, New Langton Arts, 2008

Iluminación pública, Bienal de La Habana, 2006

Gracias a la comunidad universitaria

Los Colores del Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, UNAM

El arte y la guerra

¿El arte surgió con la guerra? ¿El fotoperiodismo debe ingresar a los museos? El martes 4 de noviembre a las 16:00 hrs platicaré con el fotógrafo catalán Enric Martí, premio World Press Photo, Ortega y Gasset; así como el Prix Bayeaux de foto. Así también con Joe Duran cámara corresponsal de CNN International, quien ha cubierto guerras en medio oriente.

Los Colores del Arte todos los martes a las 16:00 hrs por la 660 AM o www.imer.com.mx, clic del lado izquierdo superior donde dice Radio Ciudadana.

Los Colores del Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas

Hacia el nuevo camino

El arte contemporáneo explora cada vez más problemas científicos, tecnológicos y espaciales, sin dejar de un lado la esfera social. Sin embargo, las reflexiones estéticas en estos ámbitos son escazas, mas no inexistentes, en Latinoamérica. Por eso en Colores del Arte, el martes 28 de noviembre en punto de las 16:00 hrs, tiempo de México por la 660 AM o www.imer.com.mx, Radio Ciudadana, iniciamos una mesa de reflexión con motivo del XIII Muestra Internacional de Performance en el Ex Teresa Arte Actual que inicia el 13 de noviembre.

Nuestros invitados son: Edith Medina, curadora de Accidentes Controlados; Mónica Ruiz, performancera; al igual que Brama Santos.

Para discutir de la relación de espacio urbano nos acompañará Marcela Armas y Omar Barquet.

Sin dejar atrás el humor y cinísmo de Yoshua Okón.

Dejo aquí imágenes y vídeo del trabajo de estos artístas con los que platicaré mañana.

Raquel Tibol

Octavio Avendaño Trujillo platica con

Raquel Tibol

Este martes 14 de octubre Raquel Tibol será entrevistada en el programa Los Colores del Arte que se transmite todos los martes a las 16:00 horas por la 660 A.M, Grupo IMER (Si estás en otra parte del mundo a través de www.imer.com.mx dando clic en la parte superior izquierda donde dice Radio Ciudadana). En tanto comparto con ustedes la entrevista que le realicé hace cuatro años.

Especial para Diario Monitor, publicada el 15 de enero de 2004

"Yo le canté a Frida Kahlo Se equivocó la paloma”, es uno de los recuerdos que tiene la crítica de arte Raquel Tibol de origen argentino, pero marcada por México. Declarada como una mujer de izquierda independiente, que se ha ganado su trabajo al "chas chas", es de las últimas mujeres que convivió con Diego Rivera, David Alfaros Siqueiros, Frida Kahlo y, hoy por hoy, sigue codeándose con el mundo intelectual mexicano, o más bien, ellos siguen condeándose con Raquel Tibol.

OAT: ¿Qué recuerdos tiene de Basavilbaso?
RT: Basavilbaso era un pueblo muy especial porque tenía muy pocos habitantes, cuando yo nací sólo tenía 5 mil habitantes, hoy más de 100 mil. Era un pueblo típicamente ferrocarrilero. Un recuerdo muy gracioso de mi pueblo es que nos llevaban a la estación a meternos dentro de esta nube de vapor que las locomotoras echaban para curarnos los catarros y gripe.
Otro recuerdo es El Cine Astral, desde los siete años empecé a vender boletos en el cine de mi papá y también recuerdo la tienda, también de mi padre, de las que venden todo tipo de cosas y con mesas de juego; venían los ferrocarrileros a jugar al truco, un juego popular de cartas en argentina. En el pueblo se llegaba hasta cuarto de primaria y si uno quería seguir estudiando tendría que irse a otra ciudad. Todos mis hermanos mayores ya estaban en Buenos Aires con mi mamá, yo era la menor de seis hijos, cuando llegué a la capital tenía 12 años y mi madre había muerto cuando yo apenas tenía diez años.
Muchos años después volví a Basavilbaso a dar una plática en la biblioteca Lucieville, fundada por mi madre, sin embargo tengo más recuerdos de Buenos Aires.

OAT: Después su niñez, de estos recuerdos ¿Cómo se inicia en el periodismo?
RT: Yo no estudié periodismo, yo me hice sobre la marcha. La jefa de redacción del periódico El Mundo convocó a un concurso para las alumnas que salíamos del bachillerato, del Liceo 2, consistía en escribir un ensayo sobre la importancia de la mujer, y me saqué el premio. Empecé a ejercer el periodismo a partir de 1952 en Santiago de Chile, periodismo radial y en la revista Zig-Zag, la misma en la que anuncié a través de una foto mía y de Alejandro Jodorowsky nuestra salida de Chile en 1953.

OAT: Salida precedida por su encuentro con Diego Rivera ¿no es así?
RT: Yo lo había ido a entrevistar para la prensa de Buenos Aires, cuando él llegó (Diego Rivera) a Santiago de Chile para el Congreso Continental de la Cultura, presidido por Pablo Neruda, para prepararse ante la oleada del macartismo en la región. El embajador de Bolivia en Chile le hizo llegar una invitación de Paz Estensoro, en esa entonces presidente de Bolivia, a Diego para que fuera a conocer unos murales de carácter obrerista de Alandia Pantoja; Diego se entusiasmó y me dijo acompáñeme. Ya en Bolivia, sin ser recibido por Paz Estensoro, me pide que me vaya con él a México para organizar el Congreso Nacional. Yo no fui delegada, pero Margarita Aguirre, la secretaria de Pablo Neruda, trabajaba en la misma estación de radio que yo y también era escritora, y me contaba todos los intríngulis de cómo se había preparado el congreso en Santiago; de modo que Rivera vio que tenía eso y me dijo véngase conmigo y preparamos el congreso.
Vine a México, visitamos el Taller de Gráfica, a los escritores, músicos, las revistas. Muchas veces iba sola con el chofer, que más bien, le prestaba servicios a Frida y aunque tambien a Diego y un pariente de Frida en un Ford azul. Andaba de la seca a la meca. Redactamos elementos para dejar papeles en las casas o instituciones que iba a visitar, la última visita fue acompañando a Diego para ir con un funcionario fundamental en el gobierno de Abelardo Rodríguez que era una persona muy cercana a Cárdenas, Narciso Bassols. Bassols, que era una gente de izquierda pero muy realista en el plano político, además de que México estaba muy atacado por el marcatismo más que otros países latinoamericanos, le dijo: “Dieguito no se haga ilusiones, no se va a poder hacer el Congreso”, y en efecto, no se hizo y yo me quedé.

OAT: ¿Ya en Argentina sabía algo de México?
RT: Sí sabía algo de México, porque teníamos un grupo de adolescentes intelectualitos, cada quien tenía su vocación. En ese grupo había un muchacho adolescente que trabajaba en el correo vendiendo estampillas y, a la vez, estudiaba pintura con un colaborador que trabajó con Siqueiros en el único mural que pintó en Argentina, por lo que (el maestro) le hablaba al muchacho acerca de Siqueiros. Él nos traía locos con Siqueiros, de modo que desde la adolescencia yo tenía algo así como que Siqueiros era una especie de Picasso mexicano. Me metí a la biblioteca del Museo de Bellas Artes, era la única biblioteca donde se encontraban libros de arte, eran muy poca bibliografía sobre arte moderno y contemporáneo de México. Cuando me enfrenté con Diego, algo sabía, poquito, del arte mexicano.

OAT: ¿Cómo la recibieron en México?
RT: Llegamos a México y fueron a recibirlo, lo que era su casa chica desde 1946, Emma Hurtado con quien se casaría meses más tarde después de la muerte de Frida, Ruth Rivera, su hija; una pareja de mujeres lesbianas, Elena Vázquez Gómez, colaboradora de Bassols cuando estaba en la Liga de las Naciones y Teresa Proenza que venía del Partido Comunista Mexicano. Entonces ese grupo hizo una pequeña reunión y del aeropuerto fui a vivir a la casa azul, con Frida Kahlo.

OAT: ¿Qué recuerda de Frida, cómo fue su relación con ella?
RT: Yo conocí a un Frida a una etapa previa que le amputaran la pierna, es decir a una Frida con una tremenda angustia, estaba acostada, casi no se levantaba. Ella tenía que calentarse el pie derecho, porque era donde tenía la gangrena para que no avanzara más. Yo nunca había puesto una inyección, pero me acordé cuando mis hermanos estudiaban medicina, lo de la naranja y que practicaban para poner inyecciones. Y me dice Frida: “¿Sabes poner inyecciones?” Y le dije que tal vez podría. Le inyectaba una droga muy fuerte y Frida tenía unas costras porque se lastimaba mucho cuando no tenía quien le inyectara. Lo que me llamó la atención de este clima tan particular es que era una mujer que transmitía energía humana positiva. Y le dije: “Frida, aprovechemos el tiempo y me dictas tu biografía”. Antes de que se operara en el 54, publiqué en el suplemento México en la cultura, fue la entrevista más larga que dio en toda su vida. Tenía una singularidad idiomática, sin tener prejuicios de palabras feas, bonitas, palabritas o palabrotas.
Se dice, Frida lesbiana, todas las películas tienen que poner la referencia. En los escritos hay una mención, una carta que le escribe en 1932 o 1933 a un noble inglés que era ayudante de Diego Rivera en los murales de San Francisco: Clifford Wight, le escribe una carta y le dice: “Georgia O´Keefe es una célebre pintora norteamericana bisexual y fue esposa del fotógrafo Stillings”. Después Georgia O´Keefe se fue a vivir a Nuevo México. Frida le escribe a Clifford Wight: “Georgia O´Keefe estuvo en el hospital se va de vacaciones a las Bermudas, no me va a poder hacer el amor”. Hay otro texto de carácter sexual directo que es un encontronazo de tipo amatorio entre Frida, bisexual, y Carlos Pellicer, homosexual. Ella le escribe una carta donde le agradece que la haya dejado llegar al sol –según los chinos, el miembro masculino lo llaman sol–, es decir, lo masturbó. Son las únicas dos cuestiones directas que hablan de sexo. A Judith Ferreto, enfermera costarricense de Frida le regaló un dibujo, el único dibujo casi pornográfico que le conozco a Frida. Otro dato de las cuestiones lésbicas de Frida lo viví. El máximo coleccionista de Frida, el ingeniero Morillo Safa, que llegó a coleccionar 40 obras de Frida que le encargaba, tenía una hermana que había tenido un tremendo accidente y le habían trepanado el cráneo; había quedado fronteriza: neurótica y lésbica. Frida le dio entrada en un tiempo y luego le cerró la puerta, esta mujer la acosaba y un día le dijo si no me haces caso me enveneno, me mato; Frida se rió, entonces bajó a la cocina a buscar un vaso de agua, tomo el veneno, alcanzo a subir y murió a los pies de la cama de Frida.
El ingeniero era una persona muy prestigiada, estábamos en el estudio, yo estaba redactando en el tapanco, en el escritorio que está todavía y Diego estaba pintando abajo y de pronto le llaman por teléfono, le digo: “Maestro lo llaman de la casa de Coyoacán” y Diego de pronto se echa unas carcajadas que por poco rompen el espejo del estudio. Le acababan de avisar que había muerto la señorita Morillo Sada. Se arreglaron, se sacó el cadáver, no salió en los periódicos.
Yo me salí de la casa de Coyoacán porque hubo un intento de Frida de entablar relación de ese orden, y yo no sabía como reaccionar y le dije ¡bye, bye! Fue en noviembre del 53 cuando me salí de la casa de la familia Rivera Kahlo.

OAT: Frida ha sido un fantasma en su vida, le dejo una tarea ¿no?
RT: Tarea sí me dejó, le ha dado al clavo. He hecho mucho trabajo en torno a Diego y a Frida. Se han dicho muchas cosas amarillentas, tremendismo entorno a la personalidad de Frida. El primer libro, porque hay un opusculito que hizo Teresa del Conde publicado en 1975 a petición del Congreso Internacional de la Mujer, Teresa no había conocido a Frida, en fin hizo su pequeño opúsculo. Pero el primer libro lo publiqué en 1977. Frida Kahlo, crónica, testimonios y aproximaciones. Fue el primer libro de Frida que aparece en Europa. En 83 hice el segundo libro Frida Kahlo una vida abierta, versión en inglés, hace dos o tres años se publicó en Italia. He escrito para Japón, Inglaterra, Estados Unidos, en sueco, ruso, francés, he colaborado en diferentes exposiciones de Kahlo.

OAT: ¿La izquierda?
RT: Yo conocí a Arnoldo Martínez Verdugo, porque fue ayudante de Miguel Covarrubias en el mural que hizo en el Hotel del Prado, cuando entra como secretario del Partido Comunista el trae nuevos aires. Lo conocí cuando fui durante cinco años secretaria de redacción de una de las revistas de oposición más de oposición que hubo en México que se llamó Política que la dirigía Manuel Marcue, de pronto ya había salido de Política o yo estaba en eso, Arnoldo le llamó la atención mi manera de redactar, porque el también colaboraba a veces en Política, y hubo una relación afectuosa intelectualmente e ideológicamente porque yo nunca he sido miembro de partido. Fue esta relación dentro de la izquierda, siempre me he considerado una gente de izquierda independiente; tal vez por temperamento, no atenerme a una disciplina, mantener la crítica, no aspirar a puestos dentro de organismos, etcétera. Al principio me pedían alguna colaboración para el periódico del partido comunista La voz de México. Cuando Arnoldo crea su propio periódico, que se llama Oposición, yo le escribí muchísimos artículos de política internacional. Crea la revista Memoria, entonces yo le hacía para cada número lo que era la editorial gráfica, le hacía una selección de fotografías y hacía una página de introducción, de modo que fueron números y números de Memoria. Seguimos teniendo buena amistad.

OAT: ¿Qué usted quiso ser cantante y actriz, cómo fue?
Yo estudié canto con una de las mejores de Buenos Aires cuando tenía unos 17 o 18 años, yo daba 3 octavas sin estudiar canto y eso es tener una voz natural muy impostada. Cuando hay un hogar donde falta la madre como que todo está medio desbalagado y cuando el padre vive en una población y los hijos en otra, el problema de los estudios, los seis hermanos hicimos nuestros estudios trabajando. Entonces era muy difícil trabajar, estudiar y a la vez estudiar extra pero me metí también un tiempo al conservatorio de música y estudiaba teatro en Argentina. Cuando uno anda entre la adolescencia y los primeros añitos de juventud que anda buscando caminos, bueno, así también preparé mi examen porque yo quería estudiar física matemática, pero no me presenté al examen, andaba en la búsqueda, tenía facilidad para muchas cosas y no sabía donde pararme, al fin de cuentas me paro donde quiero.

OAT: ¿Le gustan los tangos?
RT: Sí, ¡cómo no!, los cantaba muy bien, pero también cantaba La Bruja antes que la cantara Eugenia León y me gustaba mucho cantar corridos. Con Frida empecé, a ella le gustaba que le cantaran, entonces yo le cantaba lo que sabía, mucho antes de que Joan Manuel Serrat cantara Se equivocó la paloma, yo se la canté a Frida ella conoció esa canción porque yo se la canté.

OAT: ¿Cómo afrontó la pérdida de su amigo el muralista Arnol Belkin?
RT: Con Arnol fue así: como a mi siempre me gustó mucho la danza, la primera entrevista que publiqué fue con Luis Buñuel y la segunda con el coreógrafo Xavier Francis, era un norteamericano mulato que había creado un grupo que se llama el Teatro de la Danza, era la avanzada de la danza en México cuando yo empecé a moverme en el medio intelectual mexicano. Arnol era íntimo amigo Xavier Francis y le hacía escenografías a los bailes de Xavier, Arnol estaba casado con una bailarina con Esperanza Gómez, madre de sus dos hijas. Desde el 53 nos hicimos no amigos, nos hicimos hermanos. Cuando Arnol se fue a vivir un tiempo a Estados Unidos me mandó una cantidad de cartas cuando hizo una antología de sus textos, la mitad de su antología eran cartas que me mandó a mí. A él le molestó mucho la negativa de mi parte para hacerle el texto para la antología, porque yo le había escrito muchísima cosas: noticias, catálogos, etcétera, el hecho de que yo me negara hubo un distanciamiento. Pero cuando sintió que se le escapaba la vida, le dijo a su pareja de entonces, porque él cambiaba mucho de paraje; le dijo que me llamara para que lo fuera a visitar, llegué y ya casi no podía hablar Arnold y le tomé la mano y estuvimos una hora con las manos agarradas y sin hablarnos.

OAT: ¿Las críticas hacia usted? En una entrevista llama al dibujante Nahúm B. Zenil como un homosexual mañoso, que pinta y piensa de esa forma ¿Qué pasó ahí?
RT: No, bueno, fue así: Nahum Zenil se cree que es heredero estético de Frida, yo no lo creo así, él si es una de las columnas del arte gay en México, digamos, maneja obviedades, Frida no se la pasaba todo el día pintando vaginas, clítoris u ovarios. Nahúm es obvio, usaba el asunto homosexual con alegorías, muy bellas. Quien echó las campanas fui yo. Después cuando se casó demasiado mucho en el falismo, con repetición de técnica, dibujo coloreado, siempre igual. Si usted pone dos cuadros de Frida, no se parecen técnicamente, compositivamente, esa es una de sus virtudes: la variedad. Yo aveces le señalé de un obvio sentido gay y se puso fúrico y empezó a hacer algunas caricaturas, algunas se las publicó Braulio Peralta, cuando hacía la revista X, eran feroces, estoy acostumbrada a que me hagan feroces caricaturas. No me he enojado con Nahúm, él se ha enojado conmigo. Al principio éramos muy buenos amigos, yo tengo uno de los muy buenos dibujos pintados de la serie de los Monólogos. Yo no tengo problemas con Nahúm, él se los ha creado conmigo.

OAT: ¿Cómo percibe la comunidad intelectual en México?
RT: No creo que estén despalagados. Por ejemplo, Monsivaís y Pacheco eran como hermanos mellizos desde el punto vista intelectual, alguno fuera gay y el otro no. Monsivaís muy cercano de Florescano. Todos se mueven entorno a revistas y editoriales se agrupan intereses intelectuales.

OAT: ¿La nueva oleada cultural?
Los ponk´s, Dj´s, los dark, los que navegan en Internet, el Chopo, son los jóvenes con las nuevas maneras de comunicación. No me muevo tanto por las exposiciones por limitaciones familiares, inclusive físicas, he estado al tanto de lo que pasa en el entorno cultural. Lo que divide a la comunidad intelectual son las famosas becas del Fondo Nacional, por la pelea de que si me dan la beca a mi o a ti, la auto censura. Yo nunca he pedido una beca, he vivido de mi trabajo, siempre he vivido al chas chas de mi trabajo. He hecho trabajos para Bellas Artes, pero como free lance. La casa de Alfonso Reyes yo la convertí en museo. Cuando fue el centenario de Zapata yo la monté y completé, rescaté por ejemplo que Zapata le decretó pena de muerte al Doctor ATL, Zapata era espía de Carranza en las tropas del ejército del sur, se las pita el doctor ATL. Otra cosa que no me dejaron poner, es la carta que le dedica Zapata a Carranza. No hay un documento del sub Marcos y los zapatistas actuales que tenga la contundencia de esa carta. No me la dejaron poner. Es la crítica del sector campesino, consiente, de izquierda al sector burgués que se está trepando.

¿Qué anhela del pasado y qué disfruta del presente?
Del pasado gran parte de la memoria de ese pasado está en mis trabajos, he pasado paso a paso, de modo que con el pasado estoy en buenos términos. Le debo cosas, a partir de Diego me abrieron puertas. Tengo una gran deuda con esas personas que me abrieron las puertas. Y para el presente criticar lo que es criticable.

¿Tiene alguna obra en puerta?
Creo en las saladas

¿Cómo es un día cotidiano en la vida de Raquel Tibol?
Es un secreto de familia.

¿A qué hora se levanta?
Siete y media, me acuesto 12, 12 y media. Siempre duermo poco.

¿Manías?
Sumar números, a ver si da el 18, me gustan los múltiplos de 7. El 18 siempre he tenido cariño por esa fecha. Mi hijo nació en el 58. Me gustan los números capicúa.

Navíos

Una de las realidades estéticas del arte contemporáneo son los diferentes navíos que utilizan los artistas para apuntalar su correlación con el arte. Como el caso de Jorge Satorre, artista conceptual mexicano que utiliza las referencias históricas para trasladarlas a un terreno de experiencia personal. Sus fuentes pueden ser el Landa art, el post animal, la microhistoria y recursos de corte absurdo. Y como tendencia global no podría faltar la referencia del etnoscape con el trabajo del chileno Leonardo Hip-Herrera que se apropia de objetos para intervenirlos con pintura, retomando elementos indígenas y culturales propios de la región. Este martes Jorge Satorre, Leonardo Hip-Herrera, Agustín González, Luis Hurtado y Emilio Espinosa en Los Colores del Arte, el martes a las 16:00 hrs por la 660 AM, Radio Ciudadana o http://www.imer.com.mx/

Leonardo Hip-Herrera

Jorge Satorre

My life

Francisco Nieva

La vanguardia como fatalidad o destino Octavio Avendaño Trujillo entrevista con Francisco Nieva El sol español broncea Miraflores de la Sierra , a 49 kilómetros de Madrid. En el pueblo me espera José Pedreira, asistente de Francisco Nieva, para llevarme a la casa del dramaturgo español y miembro de la Real Academia de la Lengua Española. Ya una vez en la casa, que se encuentra en la parte más alta de la montaña, el autor de La carroza de plomo candente me recibe con entusiasmo y me recuerda: "Yo fui muy amigo de Octavio Paz." El dramaturgo de ochenta y cuatro años montó la escenografía para El rey se muere , de Ionesco (1964) y Marat-Sade , de Peter Weissen en 1968. En 1992 recibió el premio Príncipe de Asturias y el Premio Nacional de Literatura.

Fotos: www.eldigitalcastillalamancha.es

–¿Cómo transcurrió su infancia manchega?

–Fue una infancia muy feliz, era hijo de unos burgueses liberales, incluso de izquierda; gente intelectual. Me vi muy informado de lo que era el arte español de aquel momento, porque mis padres siempre estaban al tanto de esas cosas y me las transmitían, no en plan didáctico, sino simplemente como trato de padres e hijos. Me acuerdo que mi padre, cuando yo tenía unos cinco o seis años, me sentaba en sus rodillas y me leía las Greguerías de Ramón Gómez de la Serna que fue, como sabes, un gran defensor de los ismos, del cubismo, del surrealismo; un gran adelantado de las vanguardias en España. Y eso parece que me lo infundieron en la sangre. Mi padre intervino en el gobierno de la República como gobernador de Toledo durante un tiempo y, cuando llegó la posguerra, me vi propiciado a marcharme de España para buscar mejores perspectivas para mis bienes artísticos.

–Milena Milani fue muy importante en su desarrollo artístico, ¿cómo fue?

–Era amiga de (Alberto) Moravia y la conocí en Madrid. Fue mi providencia porque estuvo visitándonos en mi casa a Carlos Edmundo Ory, un poeta muy apreciado, y a mí. Y dijo: “estos chicos qué hacen aquí, se están desarrollando en la España de Franco donde no se van a poder lucir para nada”, y se lo dijo a Elías Piterbarg, que era un psiquiatra argentino que, como muchos psiquiatras argentinos, era bastante rico, pues nos acordó una beca a mi amigo y a mí para ir a París. Para mí fue una suerte, porque me recomendó con mucha gente importante como José Corti, quien me tomó un poco como su hijo, porque a su hijo lo habían matado en un campo de concentración. Fue muy tierno conmigo. Él se dio cuenta, a través de mis dibujos, que yo necesitaba afecto, calor, y necesitaba alguien que me escuchara.

–Usted se encuentra en Italia cuando el neorrealismo está en su momento cúspide.

–El neorrealismo en mi tiempo era una gran novedad, pero también estaba atravesado en algún momento por el surrealismo. Había un gran momento de libertad expresiva. El neorrealismo era una protesta de tipo social pero entrañaba mucha modernidad en el modo de enfocar las cosas. Yo practiqué más el relato fantástico, que era muy crítico. Tomé ese camino porque también me inducían las tendencias de mi tiempo, como Inoesco o Beckett. Yo tenía treinta años cuando asistí al estreno de La cantante calva de Ionesco y más tarde Esperando a Godot. Todo eso debió influir en mi dramaturgia.

–Usted mantuvo una relación muy estrecha con Ionesco.

–Llegué a conocerlo personalmente y traducir su obra al castellano. Hubo una gran simpatía, y eso que no tanto entre Arrabal y Ionesco, que se conocieron mejor. Pero tuve la ocasión de tratarlo y encontrar que era casi un santo en algún aspecto; era una persona extraordinaria. No es que me dejara influir, es que coincidía con él en el modo determinado de leer el teatro. Y me acuerdo que cuando Ionesco estuvo en mi estudio le estuve enseñado mis famosos teatritos de cartón y él había jugado más o menos con los mismos y también le habían gustado los cómics como a mi, como nos gustan a todos. También coincidíamos en el gusto por las películas de misterio, de policías. Todo eso está en el fondo de un gran dramaturgo como Ionesco. Muchas cosas que pertenecen a la vida corriente y de todo mundo. De ahí viene también la ramificación de lo absurdo como crítica social.

–Sin embargo también tiene influencia del teatro de Goldoni.

–Tuve ocasión de vivir siete años seguidos en Venecia, Italia. El teatro de Goldoni lo viví de cerca. Aquello fue verdaderamente una aventura intelectual, donde me di cuenta que Italia podría ser mi segunda patria porque hay belleza por todas partes, la gente es muy sensible, siempre tienen en la boca el bello y verdaderamente Italia es muy cautivadora. El teatro del siglo XVIII me influyó bastante pero, claro, es una influencia que después reciclado todo eso se puede tildar de nuevo u original. Yo tengo una gran influencia del mundo italiano. Inclusive el renacimiento tardío español depende del italiano.

–¿Cómo fue su experiencia con Felsenstein, en Alemania?

–Seguíamos en guerra cuando llegué a Berlín. Había muchos edificios ruinosos, había cantidad de palacios vaciados por dentro y muchas veces escuchabas de lejos caer los edificios en ruinas y era una cosa muy medrosa. En general ese Berlín comunista era muy medroso. Yo estaba trabajando con la ópera cómica con Felsenstein, que era uno de los grandes directores de escena; era austríaco, judío. Me presenté a él y se estableció una simpatía entre nosotros dos; vio mis dibujos, todo lo que había hecho para la escena y me lo alabó, pero al cabo de cuatro o cinco días me llamó a Venecia diciéndome que quería que me encargara del ballet Cinderella de Prokófiev y entonces pasé casi un año, nueve meses, en Berlín y aprendiendo muchísimo. Pude conocer a directores, escenógrafos, como el checo Svoboda. Allí me relacioné con gente que ya había conocido en Francia como Jean Vilar, el director del Teatro Nacional Popular. El trabajo en el extranjero, tanto en Berlín como en Palermo y Sicilia me dieron mucha experiencia. Rechacé una carrera de director de registral de ópera porque hay que moverse demasiado, había que viajar demasiado y a mí me gustaba quedarme en casa a escribir o dibujar. Últimamente, fue una Carmen en el Teatro Massimo de Palermo. Esa condena de hacer otra vez Carmen ya se acabó. Me dedico a escribir y hacer teatro en mi país. Trunqué la carrera de un director cosmopolita, digamos, internacional, pero me fue mejor porque necesito esta tranquilidad para escribir mejor.

–Su teatro se caracteriza por la crítica social, una de sus obras más feroces es Pelo de tormenta.

–Unos de mis grandes éxitos ha sido Pelo de tormenta, tiene casi la forma de una ópera, pero en vez de cantada es hablada y, claro, es el drama de la España sojuzgada por los Borbones del siglo XVIII; naturalmente, hay una crítica y burla hacia la España negra.

–¿Orgía y revolución?

–El sexo es muy revolucionario y muy rebelde. Sin duda alguna he tocado esa parte de la sociedad, del ser humano. Además, en un ambiente restrictivo, dictatorial. Todo eso era un escándalo. Claro que tendía a la liberación de la mujer, de los homosexuales, transexuales y, naturalmente, me puse de parte de todo eso. Mi teatro desde el principio fue muy revolucionario. En el fondo no tanto, pero en España, después de acabada la dictadura, se pudieron estrenar mis cosas que antes estaban prohibidas.

–Ya que estamos en esto del franquismo, ¿cómo percibe a España actualmente?

–Queda una estela del franquismo y eso desaparecerá progresivamente, pero la derecha española sigue dando guerra porque en los últimos tiempos ha perdido. Por América siento un afecto especial, porque he recibido una idea muy romántica de América; también es cosa de mi tiempo y ahora no creo que no haya antiamericanismo por parte de España, sino antiestadunidismo. Y claro, América para mí ha tenido una resonancia legendaria, ya sea por los conquistadores, por lo que sea. Todo eso tiene un halo romántico que me seduce. Lo triste para mí es que no he visitado México. Mi amigo Octavio Paz me invitó muchas veces a ir, pero estaba tan apasionado con mi trabajo que lo demoré y ahora que Octavio ha muerto pues no sé, me encontraría muy solo ahí, pero me gustaría ir.

–¿En qué condiciones conoció a Octavio Paz?

–Era un chico que hacía conquista con las francesas como no te podrías imaginar, así. Era un don Juan. Nos conocimos porque una amiga mía se convirtió en su amante y entonces, claro, tuvimos un contacto muy íntimo porque era el amante de esta amiga mía, quien por cierto me alquiló su casa en Venecia, que pertenecía a un pintor muy famoso, su tío, y en esa casa gozamos muchísimo, tanto Octavio como yo. Lo que pasaba con Octavio es que era diplomático y viajaba mucho. No he conocido a una persona tan culta y tan graciosa, con un ángel muy especial, como Octavio. Fuimos muy amigos. Incluso me ocupé, tras su muerte, de una conferencia, rememorándolo con tanto cariño en el círculo de lectores; se notaba que le tenía yo un gran afecto. Me parece que Octavio me adivinaba de lejos. Yo decía: ¿me habrá leído realmente con atención? Pues muchísima. No sé si era eso o era un gran instinto. Vivimos aquel momento de Garra Street en Londres, estos chicos de las flores, toda esa gente que comenzaba a aparecer. Él guardaba las formas por ser diplomático, pero lo vivíamos.

–¿Cómo influyó la vanguardia española en su trabajo?

–La vanguardia española ha sido muy diversa y muy profusa, ahí tenemos García Lorca, a Buñuel. Esa vanguardia española me ha influido mucho, de eso también hablaba con Octavio Paz. A mí me iniciaron en la vanguardia en París relacionado con Octavio Paz, Roberto Matta y tantos más. No lo hice de manera deliberada, no dije “voy a ser vanguardista”, lo que yo escribía quería transmitir varias cosas a la vez, la parte social, la parte dañina de la sociedad, criticarla, burlarme, jugar con ello. Son nuevas leyes, por ejemplo un cuadro cubista está faltando a las leyes comunes de la perspectiva, pero encuentra otra perspectiva, otro sistema para expresarse. En fin, se es vanguardista por destino o por fatalidad.

–¿Qué opinión tiene de la Movida española?

–Estuvo muy bien, luego se desinfló. Fue algo muy gracioso. Ahí se reveló Pedro Almodóvar, quien me daba sus escritos para corregir, yo le decía que escribía muy bien. Le daba confianza. Estuvimos a punto de colaborar en Átame, luego no nos entendimos del todo, pero guardamos amistad entre nosotros.

–¿Qué opinión le merecen el performance y el teatro alternativo?

–En las decadencias, si recordamos la decadencia de Roma, por ejemplo, el teatro que se hacía era un teatro muy frívolo. Posiblemente estemos viviendo una decadencia también, porque el teatro ha tomado ese aire circense de número excepcional y ha perdido valor literario.

–¿Qué le ha conmovido y qué ha sufrido, maestro?

–La belleza es lo que más me ha conmovido. Ha habido también una influencia de la guerra. Yo tenía como diez años cuando se produjo la guerra y ese choque fue para mi determinante, sobre todo en mis ideas políticas. Cuando terminó la guerra quise afiliarme al Partido Comunista en Francia y finalmente desistí, porque una amiga que había trabajado con Stalisnavsky me dijo cuánto habían sufrido con los comisarios de la cultura y con las exigencias y represiones del comunismo, cosa que me echó para atrás. Pero no dejé de ser marxista. Siempre he votado a la izquierda en España y ahora esta resurrección de la derecha agresiva me tiene un poco confundido, sin duda alguna.

–Actualmente, ¿en qué está trabajando?

–Estoy haciendo algo que, en el fondo, se trata de un tormento porque me estoy releyendo de nuevo. Se van a publicar mis obras completas en Espasa Calpe. Y estoy haciendo una revisión de todo lo que he escrito, y como he escrito tanto, a veces me apesadumbra tanto leer. Tenía que haber escrito menos, no tengo más que releerme.

–¿Francisco Nieva?

–Los artistas nos hacemos a nosotros mismos y también podemos falsificarnos, hay que tener en cuenta eso. Soy lo que he querido, no sé cuáles son mis méritos auténticos, eso lo dirán los demás. A mí me queda por hacer poco, he hecho lo que he podido, y ahí está.

Entrevista con Amparo Dávila

Entrevista con Amparo Dávila
Por: Octavio Avendaño Trujillo

(Entrevista publicada en Confabulario el 16 de febrero de 2008, El Universal)

Foto: Hugo Guzmán Hernádez

La importancia de la narradora y poeta zacatecana Amparo Dávila (1928) se resume en dos aspectos: fue una de las primeras escritoras en dejar atrás el nacionalismo mexicano impuesto por los muralistas, proponiendo una prosa cosmopolita y austera en libros como Árboles petrificados (Premio Xavier Villaurrutia, 1977), y por otra parte, es de las pocas figuras de las letras mexicanas que incursionaron, desde una perspectiva particular, en el género fantástico. El terror que Amparo Dávila incorpora a su narrativa procede de la realidad; nos enfrenta a nuestros terrores internos, nosotros mismos nos delatamos ante nuestra ignorancia de lo que llamamos realidad. Su obra para nada es gótica ni fantástica; la propia autora declara que es realista, pero su realidad proviene de una infancia llena de terrores, de fantasmas, de muertos y de soledad.

Pertenece a la generación de medio siglo y no tiene empacho en aceptarlo; sin embargo, es una autora de culto con tan sólo cuatro libros de cuento y tres de poesía. Nunca perteneció a mafias, pero a lo largo de su vida tuvo amistades que la dejaron marcada: Julio Cortázar, Alejandra Pizarnik, Guadalupe Dueñas, Inés Arredondo, Alfonso Reyes, Luis Mario Schneider y Pedro Coronel, su marido. Ahora, como ella dice: “Se me han ido todos, no me queda más que recordar muertos”.

A las seis de la tarde llegamos a su casa, un remolino de viento nos recibe. Avanzamos precedidos por Guadalupe una trabajadora de la casa. El vestíbulo comienza a llenarse de gatos que nos merodean e intentan indagar nuestras intenciones; a lo lejos, proveniente de la cocina, Amparo Dávila se aproxima, y enseguida nos comenta que no había podido recibirnos porque estaba revisando Con lo ojos abiertos, su nuevo libro que será editado por el Fondo de Cultura Económica, además de que un año antes tuvo un accidente que no le permite caminar bien; sin embargo a sus 79 años se encuentra lúcida y alegre; aunque muy pensativa. Esta primera visita la tuvimos cinco días antes de Navidad. En una segunda ocasión, ya sin que los gatos cuidaran a su dueña, se muestra más alegre, le acaban de decir, minutos antes de nuestra llegada, que será homenajeada en Bellas Artes.

OAT: Antes de llegar a su casa pasamos por el panteón San Francisco, es curioso porque desde niña estuvo muy cerca a los muertos ¿no es así?

AD: No había cementerios en algunas rancherías cercanas a Pinos (Zacatecas) y a Pinos iban a enterrar a los muertos. Yo los veía pasar, tendría cuatro años, desde la ventana de la biblioteca de mi padre veía pasar la muerte en caravana. Pasaban a veces en una carreta o sobre el lomo de una mula.

OAT: Como la muerte de sus hermanos, Leoncio y Luis Ángel.

AD: Fue una experiencia muy dolorosa. A mi primer hermano no lo conocí, porque todavía yo no nacía, se llamaba Leoncio. Nací yo y luego nació otro hermanito, Luis Ángel. Murió cunado éramos pequeños. Él tendría cuatro años y yo cinco. Fue una de las experiencias más dolorosas de mi vida, porque conocí la soledad, y para una niña de esa edad es tremenda. Como éramos dos: él se fue y me quede completamente sola. Mi padre vivía entregado a sus negocios y mi madre desolada por la perdida de su hijo, vivía entregada a su dolor. Conocí el terror porque vivía en Pinos y las noches eran muy frías; me sentía muy sola, con mucho miedo; entonces mi refugio eran los perros y los gatos -y desde ahí lo han sido-, sí, exactamente, siempre lo han sido, siempre han sido compañeros inseparables de mi vida.

OAT: De hecho, los primeros seres que le dieron calor eran los gato — se acomodaban en su cuna.

AD: Exactamente ¿En dónde leyó eso?... Por eso es que hay tanta cercanía con los gatos. He convivido con ellos siempre; han estado muy cerca de mí. Y los perros también.

OAT: Alfonso Reyes, que conocía sus miedos, le recomendó que visitara al psiquiatra Pascual del Ronca. ¿Aún tiene esos miedos?

AD: Pascual del Roncal era un ser extraordinario, español refugiado, pero desdichadamente era un hombre entregado a su profesión, a sus pacientes; se olvidaba de sí mismo. Él se descuidó una úlcera y murió, desdichadamente para mí y otros pacientes. Él me decía: "Te voy a sacar adelante de todos tus terrores, de todas tus angustias, de tus miedos a menos de que me muera" y así fue: se murió. Logré superar la mayoría de mis miedos a través del doctor Del Roncal. Vivo con algún miedo de vez en cuando, pero ya no es el terror a la oscuridad.

OAT: Usted tenía 26 años cuando en 1954 llegó al Distrito Federal ¿Cómo llegó, quién la recibió?

AD: Viajé con mi madre, porque se habían divorciado mis padres. Llegamos en carro. Yo decidí venirme a México cuando tuve la conciencia de dedicarme a la literatura. Ya tenía muchos amigos en México que me alentaban a seguir adelante; entre esos amigos estaba Alfonso Reyes a quien había conocido en San Luis Potosí. Él había ido a unos cursos de invierno y nos lo habían presentado a los jóvenes que empezábamos a escribir; entonces él me dijo que cuando viniera a México lo buscara a él y a Manuelita, su esposa. También conocí a Agustín Yáñez a María del Carmen Millán. Llegué con muchos amigos, con gente que me recibió muy bien, así que no me fue difícil llegar y moverme aquí en México.

OAT: Sin embargo, en provincia publicó poesía y en la ciudad cuentos ¿Tuvo la ciudad algo que ver con que usted dejara de publicar poesía?

AD: No, nada tiene que ver. El cuento me apasionó. Encontré tanto camino en el cuento… Vacié la caja de Pandora que se abre llena de misterios y cosas. El cuento es inagotable; puede uno morirse y no se agota, y la poesía me apasiona mucho, inclusive tengo un libro de poesía que no he publicado.

OAT: ¿Que elementos los unían a usted y a Julio Cortázar?

AD: Nos unía la literatura, la pasión por los cuentos, la pasión por los gatos, la pasión por el jazz. Varias pasiones nos unían. Estaba sorprendido por la cercanía que me encontraba con Edgar Allan Poe, y le dije: "Te equivocas, no he podido leer a Edgar Allan Poe porque me enfermo de colitis cuando lo intento”. Y él me dijo: "¿Pero como es posible si tienes tanto de Edgar Allan Poe?" y me regaló la traducción que hizo durante su luna de miel con Aurora Bernárdez de los cuentos de Edgar Allan Poe.

OAT: Hablando de semejanzas, ¿qué opina de que Aura de Carlos Fuentes es un pastiche de “La Cena” de Alfonso Reyes?

AD: Hay algunas otras personas que dicen lo es de Los papeles de Aspern de Henry James. Yo pienso que tal vez sean influencias que no asimiló muy bien Carlos, porque la literatura es tan enorme y vasta que puede haber afinidades, influencias. Se queda uno impresionado con una obra y de pronto uno escribe algo que cree que es suyo y se da cuenta que es un remedo de lo que leyó.

OAT: Usted publicó en 1959 Tiempo destrozado, y siete años después obtuvo la beca del ya desparecido Centro Mexicano de Escritores.

AD: En esa época, cuando tuve la beca, murió mi padre. Para mi fue un golpe espantoso. No me imaginaba que moriría y de pronto llegó el cáncer y se lo llevó. Entré en una depresión tremenda y me fui a San Luis a enterrarlo. Se me olvidó que tenía la beca y me tuvieron que hablar diciéndome que tenía que regresar para asistir a las juntas y demás cosas. Llegué toda enlutada, como se usaba en provincia, con un velo negro sobre la cara y, ¡bueno!, pegaron de gritos. Me dijeron: “Te levantas el velo porque nos espantas”. Yo no daba una, porque estaba profundamente deprimida y, entonces, José Agustín y Salvador Elizondo me decían: “Mira, te fumas un cigarrito de mota y verás como se te acaba la depresión, haznos caso, ándale fúmate uno”. No lograron convencerme. Fui saliendo de la depresión poco a poco.

OAT: ¿Por qué hace 30 años que no publica ningún libro?

AD: Porque yo no escribo constantemente. Yo vivo mucho, intensamente; no dejo pasar la vida, sino que la gozo; pienso, medito y hasta que realmente tengo necesidad de escribir, escribo, pero no escribo compulsivamente como muchos escritores, sino que voy rumiando, meditando mis preocupaciones.

OAT: ¿Cuál es su opinión del género del cuento?

AD: El cuento es difícil. A todos los escritores les ha seducido. Cortázar decía que: “Si de todos los cuentos que he escrito uno o dos son cuentos redondos, me doy por satisfecho”. Lograr un cuento es bastante complicado. La literatura ha sido una larga y terca pasión amorosa en la cual he sido una amante inconstante, pero no infiel. Inconstante porque dejo de escribir mucho tiempo por circunstancias muy especiales, pero infiel no porque sigo en eso, así como una larga y terca pasión amorosa. Es apasionante.

OAT: ¿Cree que los tres ejes de su narrativa son el amor, la locura y la muerte?

AD: Son temas fundamentales que siempre me han perturbado. El amor que es tan misterioso, que nunca sabemos cuándo llega ni cuando se va, además se nos va de las manos cuando menos lo pensamos. La locura porque siento yo que es un hilito tan fino que en cualquier momento se pueda romper. La muerte es una inquietud, una desesperación. Por eso son mis temas fundamentales.

OAT: Algunos críticos encasillan su obra en el género gótico y otros en la fantástica…

AD: Lo que yo escribo es acerca de la realidad que para mí no es una realidad común y corriente. Yo creo que cada quien vive su propia realidad, por ejemplo. Yo la realidad la vivo con dos caras: la cara cotidiana que es la que constantemente está sucediendo, lo que tiene un sentido, una lógica en la realidad; y la otra cara, la cara oscura de la realidad, donde no hay lógica, no hay un porqué.

OAT: Cristina Rivera Garza declaró que La cresta de Lión (2002) es un diálogo intertextual con su obra ¿Le gustó el libro?

AD: No me gustó. Me invitaron de la editorial para que lo presentara, dije que me sentía muy alagada por haber sido tomada como personaje, por un lado; pero por otro no porque no me gusta ni el desarrollo ni el personaje que yo era en ese libro. No podía presentarlo, porque para presentar un libro uno tiene que creer en éste y encontrar virtudes, aciertos, cualidades que yo no encontré, y por eso me negué a presentarlo.

OAT: Alrededor de su figura se han hecho mitos, entre ellos su edad… Aquí entre nos, maestra, Emmanuel Carballo dice que nació en el 23, usted en el 28.

AD: Bueno, apague la grabadora (risas). Yo creo que nací en el 28. Emmanuel se basa en que una vez en una antología que publicaron en San Luis pusieron, por equivocación, el 23 y entonces Emmanuel lo dio por hecho, pero es igual..

OAT: ¿Cuál ha sido su tiempo destrozado?

AD: El tiempo me perturba muchísimo en el sentido de que un minuto que pasa no vuelve. Uno de mis sueños sería como destrozar el tiempo, que ya dejara de atormentarnos, que ya no siga corriendo. Esto es mí tiempo destrozado.

Entrevista con Enriqueta Ochoa

Enriqueta Ochoa con Octavio Avendaño

(Publicada en La Jornada Semanal Domingo 28 de enero de 2007 Num: 621)

Enriqueta Ochoa (Torreón 1928) es una poetisa mística que ha enriquecido la poesía mexicana por la particularidad temática de sus poemas, alejada de la bohemia y enclaustrada en la prudencia. A los diecinueve años escribió su primer libro, Las urgencias de un Dios, publicado en 1950. Uno de sus poemas más reconocidos es Retorno de Electra (1976)fue el fruto de un trabajo interno y un luto perpetuo. Ataviada por su enfermedad y sus setenta y ocho años de edad, decide salir por un momento de su prudencia y hurgar en la memoria.

¿Cuáles son las urgencias de su Dios?
–Cada religión inventa a su Dios y cada religión explota a su Dios. Eso me da mucha tristeza porque yo siempre me estoy recomendándome a mi Dios; mi dios no coincide con los miedos ni las promesas. Debe de haber un respeto a Dios, pero lo inventan a su manera. A mí me da miedo, porque no sé si estoy equivocada. La naturaleza, la entrega absoluta del hombre hacia la creación de todo lo que hay sobre la tierra y fuera de la tierra; ésas son las urgencias. Por ejemplo, ahorita que murió mi mejor amigo que he tenido durante sesenta y cuatro años, ya no puedo dormir en las noches. Pero ahora que él murió me pregunto, bueno, necesitamos saber de dimensiones físicas, espirituales, y psicológicamente, todo lo relativo a Dios. No sabemos a dónde vamos. Yo sí tengo miedo. ¿Después de esto? ¿Dónde despertaré? Esas son mis urgencias.

–Usted se enfrentó a la censura por escribir ese libro, ¿cuénteme como fue?
–Eran de tipo religioso; había un grupo de mujeres como las de la vela perpetua que escucharon cuando los sacerdotes pedían que no compraran mi libro. Claro que toda la gente corrió a comprarlo para saber por qué no. Se me acabaron en uno dos por tres todos mis libros, no quedó ninguno para mí, y la consigna venía de lo alto de Iglesia. Ellos se preguntaban cómo era posible que una niña de diecinueve años viniera a decir esto.

–¿Cuál es su forma especial de escribir, de inspirarse?
–A mí me dictan. Me dice mi hija: "Ay mamá, no vuelvas a decir eso, porque la gente va a decir estás loca." Le digo: "Hija, necesito un ambiente especial, un paisaje bello, una música hermosa, concentración muy profunda para que yo pueda escribir algo. Yo siento un dictado." Por eso defiendo mis cosas, porque no vienen de mí, vienen de muy lejos. Durante toda mi vida necesitaba estar sentada en flor de loto para poder escribir, lo que dio por resultado que ahora no pueda caminar. Se me lastimaron mucho mis rodillas, de repente un día me caí.

–Rosario Castellanos alguna vez dijo que usted era una niña boba. ¿Cómo fue su relación con la escritora chiapaneca?
–Era egoísta a morir. Ella no soportaba que existiera otra voz. Mire, Lolita, [Dolores Castro] es un ser muy elevado, ella la cuidaba, la quería y soportaba a Rosario Castellanos. Sin embargo, se quedaba uno a solas con Rosario y no hacía más que hablar mal de Lolita Castro y disminuirla lo más que se podía sólo porque era otra mujer que escribía. Rosario era mala. Toda la gente la conoció como la mujer más inteligente, intelectual, muy buena, y es la gran mentira. Es la gran mentira. Ni a su hijo lo amó, no fue capaz de dejar, ni siquiera, su vanidad por vivir más cerca de su hijo. Fue una mujer detestable. Ella quería la inmortalidad, quería para ella todo lo mejor de la tierra, pero sobre todo, ser el único lugar, el más alto posible. Pero le llegó un accidente y se ahogó.

–¿Accidente que puede ser interpretado como divino?
–¿Verdad? Porque fíjese que cuando mandan a la Tierra a un poeta se vuelve un ser escogido. Un ser que viene a sufrir horriblemente para responder a lo más alto. Rosario se creció, se sintió que tenía que ser Octavio Paz. Disminuyo a mucha gente, lo más que pudo. Yo no puedo hablar bien de alguien que fue malo.

–¿Enriqueta Ochoa es la virgen terrestre?
–Son muchachas que se quedaron a esperar al novio toda la vida. Hay una plaza que le llaman Plaza de las Armas donde todos los domingos había una banda que tocaba una música muy romántica y empezaban a circular las mujeres y hombres para conocerse. Pero no había hombres. Y yo observaba eso y me daba muchísima tristeza, y decía: "Voy a viajar y, en algún viaje, conoceré a quien será mi esposo." No lo conocí. Pero quien fue mi esposo era francés y lo conocí en la casa de mi maestra de inglés. Se llamaba François Toussaint y me dio una hija muy hermosa.

–El Fondo de Cultura Económica está recopilando su obra.
–Yo me encontré a mí misma mucho, ahorita me están haciendo mis obras completas en el Fondo de Cultura Económica. ¿Usted cree que Rosario Castellanos hubiera permitido que una niña boba del norte, como yo, se le publicara en el Fondo de Cultura? Nunca. Entonces me mantuve a la sombra y me dejó descansar un poco, pero el Fondo ya sabía dónde estaba el peligro y ahorita ya me están haciendo mis obras completas. Si yo no he permanecido en la sombra, me hubiese hecho pedazos Rosario, de por sí desde que me conoció se puso como lince, lista. Ella sabía quién podía y quién no podía. Yo no digo que soy mejor o no que ella, pero me hubiese hecho pedazos.

–¿Cómo fue su amistad con Gabriela Mistral y Jaime Sabines?
–Gabriela Mistral era una mujer muy sencilla, sensible y muy conocedora del esoterismo. Tenía un puesto diplomático en Rapallo, Italia y le llevé un libro, así la conocí. Jaime Sabines era un señorón, era mucho más poeta que Octavio Paz. A Jaime Sabines sí le correspondía el Premio Nobel.

–Usted practica el esoterismo, ¿cuál es la visión que le da?
–Soy esotérica. No puedo dormir en las noches por la angustia que siento por las preguntas esotéricas, como es la de las dimensiones, a dónde vamos, cómo tenemos que prepararnos para ese otro viaje que hay que hacer. Mi padre era un buen hombre y él era esotérico. Gabriela Mistral también era esotérica, y pues de eso platicábamos todo el tiempo. Por ejemplo, Pita Amor era una gran poeta, sin embargo ella tomó todos los poemas de San Juan la Cruz para cantarle al demonio, como esa carta a San Juan, ¿qué tenía que meterse con San Juan? Intentaba entender a Pita Amor pero no podía. En esos grandes fiestones –me contaban porque yo vivía en Torreón– de pronto entraba Pita Amor con un abrigo de pieles y cuando ya estaba ante todos los demás, para llamar la atención se quitaba ante todos el abrigo de piel y estaba totalmente desnuda ¿Qué tenía que ver eso con la poesía? Entonces sí la atacamos muy feo, y digo la atacamos quienes entramos en la ruptura. Ella supo que andaban en Nueva York Lolita Castro y Rosario Castellanos; pues fue a buscarlas para matarlas porque se le pusieron en contra. Ha sido muy feo el camino de las mujeres, si yo no hubiera guardado la discreción que me recomendó mi maestro no estuviéramos aquí platicando.

–¿Por qué Retorno de Electra fue un milagro?
–Me siento muy contenta de haberlo escrito porque lo escribí cuando todo era terrible. Cuando yo escribía mis poemas los hacía bolita y los iba quemar. Pero como me conocía muy bien, un día decidí sólo hacerlos bolita y ponerlos en una bola de estambre en donde le tejía a mi hija sus suéteres. Ahí permanecieron. De ahí surgió el Retorno de Electra, hasta que un día en que me encontraba muy mal económicamente, los saqué y los pasé en limpio. Le gustaron mucho a Emmanuel Carballo y a Flores Tapia, quien le preguntó a Emmanuel Carballo por qué no había publicado esos poemas. En ese momento le extendió un cheque y le dijo que los quería para tal fecha. De ahí salió el Retorno de Electra. Fue un milagro.

–¿Qué ha callado?
–Mi poesía es casi mi vida, ahí sale todo. Pocas cosas me ofendían. Para mí, haber nacido, haber tenido un padre como el que tuve... Él fue mi fuerza; esta hija vino para ser poeta, le decía a todo mundo. Mi mamá se enojaba porque decía que eran cosas de Satanás. Todo lo que escribía se lo enseñaba a mi papá, él fue un gran apoyo. Cuando mi papá se murió le dijo a mi mamá tenemos dos hijas sin casar, cuídalas mucho de los militares y franceses. Se nos olvidó y yo me casé con un francés y mi hermana con un militar.
Cuando murió mi padre me volví un poco hermética, escondía mi dolor, mi desamparo. También, cuando mi hermana se suicidó con cianuro, por amor. Eso era lo que más me dolía. Yo odiaba a aquel militar. Creo que es una de las cosas que no he dicho en mi poesía, por enojo. Pero el destino se cumple. Llega uno a aprender. Ya me tengo que ir, ya estoy muy enferma. Le tengo miedo a la muerte porque no sé en qué dimensión voy a parar. Pero todos nos tenemos que ir. Pero tengo más miedo de ya no poder escribir por tanto dolor que he visto.

–¿Qué hace ahora?
–Voy a pintar y a escribir un libro en prosa poética sobre los grandes amores de mi vida. Fui muy enamoradiza. Me apasiona mucho la pintura, pero sólo he hecho dos cuadros. El campo, la naturaleza, el buen comer.

Virgen de media noche

Hoy estuvimos en casa de Gustavo López, el compositor juticheco que escribió la letra del El Caracol, interpretada por Susana Harp. Pero el verdadero motivo de la visita fue para ver a Soid Pastrana, grabador de las mismas latitudes de López.
Fui testigo, no por primera vez, de un proceso creativo. Por una parte López proponía a través de doce grabados la sensualidad de la sexualidad. Los personajes principales son el cuerpo femenino y la siempre omnipresente tortuga como símbolo fálico. Por otro lado, Soid Pastrana dibujaba a acuarela un enorme ave que aterrizaba en la cabeza de un hombre, al parecer de Gustavo López.
Inhalábamos arte através de nuestras fosas nasales que bailaban al ritmo de chilenas y zapateados oaxaqueños. Las cervezas Tecate eran mal vistas por un wisky J & B. Los cigarros se esfumaban con historias de María Luisa Puga, Andrés Henestrosa, Fadanelli...
La San Rafael me preparó una recepción para recordar a dónde voy, espero seguir el camino del caracol

Kevork Mourad

El trabajo de Mourad es el único que me ha permitido ver la música

Kevork Mourad es un artista visual dedicado a realizar animación espontánea. A pesar de que el arte contemporáneo se distingue por la integración de las nuevas tecnologías a la pieza o a la propia estética del acto artístico, Mourad sólo trabaja con pintura acrílica y papel. La tecnología más avanzada que utiliza para la creación de sus animaciones es un simple atomizador.
Las imágenes trazadas se proyectan en una pantalla, donde se propone una nueva forma narrativa polisémica. No es cine, animación o simples dibujos. Siempre a ritmo de la música Mourad propone historias, incluso más de una en una sola pieza.
Son tan subjetivos sus trazos que logra una gama de sentimientos, desde la alegría, la melancolía y el llanto, siempre en dirección de la reflexión con ayuda del discurso sonoro.
Sin duda, una animación ecléctica.
En esta ocasión Kevork estaba acompañado por Tambuco, sin embargo ha participado con diferentes músicos como su compatriota Djivan Gasparyan, el mismo que participó en la realización de la banda sonora de La última tentación de Cristo y El cuervo.