Octavio Avendaño Trujillo

Topografías del tiempo

2012-01-26T10:00:00.000-08:00

Crítica sin concesiones

2011-12-07T12:06:00.000-08:00

Qué mejor para iniciar mi participación en esta mesa, en el Museo del Estanquillo, que citando a nuestro querido Carlos Monsiváis; quien escribiera en 1973 en la Revista de Artes Visuales una clasificación del crítico de arte en tres tipos: el crítico técnico, el crítico filósofo y el crítico poeta. Evidentemente esta clasificación parte del inconfundible sentido del humor e ironía de Monsiváis. Yo agregaría a esta taxonomía, la del crítico miope, como el crítico francés Gautier que desde la arrogancia como trinchera y el acomplejamiento personal surge su “crítica de arte”.
Y agrego esta categoría porque no hay nada más peligroso para la crítica de arte que partir desde un arrebato rabioso, la crítica debe tender puentes para la discusión, mas no para la diatriba. Como dijera Justino Fernández: “la crítica debe de ser hecha desde un punto de vista exclusivo, pero que abra los mayores horizontes”.
Contradictoriamente tenemos una variedad de críticos de arte que, sin embargo, por falta de espacios en periódicos y revistas se han restringido a la investigación, a escribir hojas de salas para galerías y museos, catálogos o incluso abandonar la práctica de la crítica. Esto se debe a que los pocos medios de comunicación que conservan un lugar para la crítica de arte, en su mayoría tienen a las personas equivocadas o no tienen el suficiente espacio para tener una pluralidad de posturas.
Pluralidad que se nutría con la tradición de los suplementos culturales de los periódicos, que en su momento, jugaron un papel preponderante para configurar un panorama crítico en la cultura, como lo fueron México en la cultura, del periódico Novedades, La cultura y México del rotativo El Nacional, El Búho de Excélsior y Confabulario de El Universal. Los pocos que aún sobreviven no han logrado tener la contundencia necesaria para activar el campo crítico, ni la pluralidad de plumas que viertan el debate; al contrario, penosamente caen en errores de contenido y hasta dificultad para poder colocar correctamente el pie de foto de alguna obra que acompaña el artículo.
Hace poco me sorprendí al releer el discurso de ingreso de Justino Fernández a la Academia Mexicana, correspondiente de la española, leído el 23 de julio de 1965, donde el poeta y crítico de arte oriundo de Guatemala ya mostraba su preocupación por la difusa práctica de la crítica de arte. Mi sorpresa parte de que en ese momento histórico existía una diversidad de plumas como la de Raquel Tibol, Juan Acha y muchos más. Incluso, se fortalece la tradición del literato que hace crítica de arte; como son los casos de Juan García Ponce y Octavio Paz, que de este último, Cuauhtémoc Medina propuso una interesante operación histórica de la “crítica poética” en el cuarto Simposio Internacional sobre Teoría de Arte Contemporáneo (SITAC), del año 2005.
Todavía recuerdo el festín que muchos de nosotros disfrutábamos en el periódico Reforma en el que escribían Oliver Debroise, Osvaldo Sánchez y Cuauhtémoc Medina. Y hasta ahora, junto con el periódico La Jornada, son los dos únicos rotativos que mantienen sus columnas de crítica de arte en sus páginas de cultura.
Esto respecta a los medios de comunicación, pero también quiero hablar de la contribución del Estado para hacer más difusa la crítica de arte. Me refiero al Premio Bellas Artes Luis Cardoza y Aragón para crítica de artes plásticas, que de pasada, hay que decirles a nuestros empolvados burócratas de la cultura que el término de artes plásticas ya no opera para la producción artística contemporánea.
Actualmente estoy realizando una investigación entorno a este premio que organiza la Coordinación de Literatura, dependiente del Instituto Nacional de Bellas Artes. Este premio que data de 1987, ha sido tan atropellado, que seis veces se ha declarado desierto y en 1996 no se convocó. Por otra parte la mayoría de los participantes, más allá de plagios y de dudosa calidad de sus obras galardonadas, se han difuminado en la escena artística, incluso, algunos de ellos fue su primera y última crítica de arte, si es que podemos llamarla así.
En esta tarea me encontré con la sorprendente biblioteca de la Coordinación Nacional de Literatura, tan sorprendente que no hay nada. Sus estanterías solo tienen una obra galardonada con este premio, y es que más allá de que exista un mínimo de estándar de calidad para la catalogación de la obra, que posee esta insigne dependencia cultural, el premio no asume la edición de las obras galardonadas. Es decir, los autores que concursan y resultan ser ganadores tienen cinco años para buscar una editorial que les quiera publicar o en su caso contar con la suerte de que el coordinador en turno de la dependencia tenga ánimos para gestionar la publicación de la obra.
Un premio de esta envergadura debe de garantizar la publicación y la difusión de la obra premiada, pero también considero que el Premio Luis Cardoza y Aragón no debe de ser una convocatoria de concurso, sino galardonar a los críticos que cuentan con una trayectoria sólida en este terreno. Es impresionante ir a la biblioteca de la Coordinación Nacional de Literatura y no poder consultar Diálogo simulado, de Teresa del Conde, obra distinguida por este premio en 2001, y siendo, de los 19 autores que desde 1987 hasta la fecha han sido premiados, una de las pocas personas que realmente ejercen crítica de arte.
Pero no es de asombrarse de esta situación, viniendo de instituciones culturales del país, ya que devela la tradición de los funcionarios burócratas que arriban y no les conviene promover la crítica de arte, al parecer cuando escuchan la simple adjetivo de crítica, hacen todo lo posible para que no tenga mayor trascendencia.
Entonces, ¿qué hacer? Ante un panorama tan difuso de la crítica de arte. “El estudio del arte –dice Berenson- si pretende ser algo distinto de una fantasía de aficionados, deberá ceñirse ante todo, al estudio de las ideas específicas que entraña la obra de arte”.
Desde mi experiencia personal he intentado generar espacios en que se discutan y reflexionen esas ideas, que menciona Berenson. En el año 2007 cree Colores del arte, más allá del título cursi impuesto, fue un programa de radio que se transmitía por las frecuencias del Instituto Mexicano de la Radio, cuyo propósito fue incentivar la crítica de arte. Durante más de un año y medio, el programa contribuyó a la reflexión y al análisis de las prácticas del arte. De esa experiencia resalto la sección de la “Radiogalería” que era un espacio de tres minutos dentro del programa para ejercer la crítica de arte entorno a la práctica del arte sonoro.
Actualmente llevo a cabo este ejercicio, pero ahora con un nombre un poco más decente: Circuitos efímeros, a través de Código DF, la radiodifusora de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, pero ahora abocándome a mi generación. Una generación que se encuentra desprovista de un entramado crítico para sus producciones artísticas.
También escribo mi columna Cubo negro, que publica Eje Central, proyecto periodístico de Raymundo Riva Palacio, cuya plataforma es Internet.
En la medida en que los que ejercemos la crítica de arte asumamos nuestro compromiso de incentivar la discusión a través del análisis y no de la verborrea; en medida de que estemos conscientes de que la crítica es posibilitadora de abandonar la mediocridad que nos caracteriza como sociedad podremos mejorar como seres humanos.
Recuerdo que desde muy joven tenía la inquietud de eso que llamamos crítico, pues fue así, que cuando tenía 17 años cuando Raquel Tibol me dijo: "La crítica debe de ser sin concesiones", consejo que aún guardo.
Un crítico de arte no debe de tener concesiones a la ignorancia, a la intolerancia ni a la mediocridad.
Ese encuentro fue premonitorio, pues mi primera publicación fue cuando tenía 18 años, fue una entrevista precisamente, que le realicé a Raquel y que fue publicada en las páginas del ahora extinto Diario Monitor.
Permítanme que en esta mesa de Arte. En busca de una mirada crítica, haga un llamado a los medios de comunicación, sobre todo a los periódicos, para que comprendan que un espacio de dedicado a la crítica de arte, no es un espacio perdido, no es un espacio personal, sino, como lo había dicho antes, es la posibilidad de comprendernos y entendernos mejor a través del arte.
Muchas gracias.

Arte y política

2011-11-29T16:11:00.001-08:00

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Paisajes entrópicos

2011-11-17T18:40:00.000-08:00

Las nociones de memoria, hogar y paisaje están íntimamente ligadas en la obra de Amanda Gutiérrez. A partir de estas nociones y de estrategias formales, provenientes del género documental, "Paisajes entrópicos" plantea un punto de inflexión entorno a los espacios vividos de migrantes que se relacionan con distintas ciudades de Estados Unidos y México. Así, este ensayo posibilita distintas apropiaciones de la obra por parte del espectador, sin tener que restringirse a una sola lectura.

Curaduría: Octavio Avendaño Trujillo

Ritual ominoso

2011-08-22T07:49:00.000-07:00

La geometría de su construcción es impactante, un rectángulo de cuatro metros de altura y sus más de tres metros de ancho de andesita rosada –piedra extraída de Tenayuca- configuran a la paridora y devoradora de humanos; la Tlaltecuhtli. Esta deidad dual de dios y diosa de la tierra, cuyo culto fue reservado únicamente para los sacerdotes mexicas fue descubierta el 2 de octubre de 2006 en la Casa de las Ajaracas, sorprendiendo al espectador por el relieve de las garras abiertas que anuncian el desesperado parto que viene y, a su vez, su rostro ávido de devorar y saciarse de la sangre de los hombres.

Comienza el ritual ominoso.

Nunca antes la imagen se había diluido tanto y había dejado de significar como ahora ha dejado de significar. A cinco años del descubrimiento de la Tlaltecuhtli, van más de 50 mil personas muertas en territorio mexicano. Celosamente comienza un ritual ominoso en los medios de comunicación: decapitados, torturados, acribillados; sangre que solo sacia al poder y que nos hace victimarios de esas personas ante un escenario primitivo.

Esta experiencia histórica en la cual estamos viviendo no ha escapado para los artistas, es el caso de Andrés Orjuela (Colombia, 1985) que durante un par de años ha investigado diversos enunciados de poder y el manejo visual que los medios de comunicación mexicanos hacen de la violencia para plantear una serie de posibilidades estéticas a través de sus obras conceptuales y gráficas.

Para Freud lo ominoso es la fantasmagoría de lo obsceno; lo sabido, pero también lo desconocido. De ahí que Orjuela plantee una intervención en red, YouTube, (Psicofonía 1, 2010) en la cual reinserta una ejecución realizada por algún cartel mexicano que alguna vez estuvo en línea y que ahora son presentados con un fondo negro y únicamente describe con subtítulos lo que sucede, a modo de libreto teatral. Este planteamiento conceptual genera en el espectador una experiencia de suma trascendencia, evidenciando que la imagen ha perdido valor y resaltando la crueldad a la que el ser humano puede llegar.

Continuando con la imagen, Andrés Orjuela, durante dos años fue acumulando periódicos como La Prensa, El Gráfico y Alarma! La tinta roja que utilizan estos diarios para los encabezados que anuncian la muerte: decapitados, torturados, acribillados; se apropió de ese elemento gráfico para representar poéticamente la sangre de cada una de esas personas asesinadas y realizar muestrarios a manera de bitácora (Muestrarios, 2010).

En la historia del arte, la arquitectura corporal ha estado presente de distintas formas, de las representaciones prehispánicas como la Coyolxauhqui, esa diosa desmembrada por su hermano Huitzilopochtli, pasando por Van Gogh que en algunas de sus pinturas decapita algunos dedos, hasta la representación más popular de la arquitectura corporal: La catrina, de José Guadalupe Posada. Así las obras adquieren sentido al enfrentarse violentamente con la imagen del cuerpo.

De esta tradición, Andrés Orjuela realizó entre el 2010 y 2011 Serie Alarma.jgp / Radiografía Histérica. Intervención al periódico Alarma!, en las que recrea las imágenes de personas asesinadas y que son publicadas por ese rotativo, retomando la estética gráfica del célebre artista mexicano José Guadalupe Posada, una vez más, para cuestionar la necesidad de publicar sin censura alguna, -por parte de los medios de comunicación- las imágenes de las víctimas de la guerra.

El estado de violencia en nuestro país y la generación de imágenes cotidianas de personas mutiladas y torturadas han contribuido a llevar a nuestra sociedad a un estado macabro. Los que no estamos muertos, lo que no hemos sido asesinados por esta afanosa guerra del poder, nos hemos convertido en zombis. El letargo y el conformismo nos representa. El arte ha encontrado en esta tradición de lo macabro, que no es la negación de la belleza, sino otro ángulo de ésta, un incentivo para la reflexión, para ser mejores humanos y, en este caso, actuar ante la despiadada exigencia de sangre por parte de la Tlaltecuhtli.

“Tenemos miedo, pero más miedo de que todo siga igual”

Conversaciones con Leonora Carrington

2011-07-19T11:38:00.000-07:00

JULIO DE 2011

LETRAS LIBRES - entrevista

"YA NO EXISTEN SURREALISTAS"

POR OCTAVIO AVENDAÑO TRUJILLO

Para: Itza

Conocí personalmente a Leonora Carrington cuando tenía dieciocho años, en el 2004, gracias a Elena Poniatowska, a quien visitaba de vez en vez por las tardes saliendo de la escuela. Fue entonces desde entonces cuando comencé a entrevistar a Leonora, la primera vez con la ayuda de su hijo Gabriel Weisz quien me citara en el Sanborns de Plaza Cuicuilco, acompañado de su hijo Daniel. Después, visitas esporádicas que hacía a la casa de la calle Chihuahua, en la colonia Roma, donde la última surrealista me recibía en su cocina fría y rodeada de esculturas. Entre té negro marca Twinings y bocanadas de cigarros Marlboro Lights y Delicados, surgieron varias pláticas donde siempre encontraba a una mujer que buscó la libertad, la paz y la solidaridad. Aquí una selección de esas charlas, la última realizada en septiembre de 2010... Leer la entrevista

Entrevista con Rosa Olivares

2011-05-19T11:02:00.000-07:00

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XXX Encuentro nacional de arte joven

2011-05-15T19:09:00.000-07:00

Continuus (2010). Luis Antonio Ramírez Pedraza

El pasado 14 de mayo se inauguró en la Galería José María Velasco, -como una de las cedes-, el 30 encuentro nacional de arte joven, donde resaltan las obras de Diana Soria Hernández, Elena Monzerrat Morales Flores, Alejandro Palomino Ortiz, Humberto Ríos Rodríguez, Luis Antonio Ramírez Pedraza y Ramsés Omar Rodríguez Olaya.

Este suceso me permite entablar una referencia cruzada con la inauguración del nuevo museo Soumaya: la posición del gobierno federal ante el arte en nuestro país y la situación de los jóvenes.

Encuentro en el caso del Soumaya un buen punto de partida para llevar este texto a donde quiero. Además, como crítico no me interesa abordar la colección porque mi campo es el arte contemporáneo y ya los especialistas lo han hecho: Christopher Knight y Benjamín Genocchio o Raquel Tibol, para mi sorpresa.

Tampoco quiero caer en el juego que los “críticos o periodistas de cultura” que han trazado sobre la polémica sus textos y se enfrascan en “discutir” si la colección es ecléctica o no, si el tener un Sánborns dentro del museo es de mal gusto o no, si el arquitecto Fernando Romero plagió algún proyecto; o si está bien o mal tener reminiscencias arquitectónicas del Guggenheim de Nueva York y Bilbao. Tampoco me interesa tutear a Fernando Romero y hacer diatribas que caen en la vulgaridad.

Creo que no entienden que el “verdadero” curador y museógrafo en jefe es Carlos Slim, lo cual es lamentable y ridículo, pero al final de cuentas es su colección.

Lo que sí mi interesa, en el contexto del 30 encuentro nacional de arte joven y el nuevo museo Soumaya, es la posición oficial del gobierno mexicano ante la cultura y el arte; así como su incapacidad de ver la realidad de los jóvenes.

El señor Calderón que en lo que va de su sexenio solo habla del arte y cultura en recintos privados, desdeñando de manera más que evidente a las instituciones culturales de orden público, en especial a los museos pertenecientes al Instituto Nacional de Bellas Artes. Tampoco es que lo queramos inaugurando todas las exposiciones, pero lo que sí es verdad es que no muestra su interés -como gobernante- por el esfuerzo y las propuestas de los museos públicos que trabajan con escasos recursos económicos y, por ende, humanos también.

En el discurso de Calderón pronunciado el 1 de marzo de este año en el Museo Soumaya declaró: “La verdad es que hay pocas colecciones en México que aglutinen tantas escuelas del arte universal”, mientras que las pocas colecciones públicas, de arte mexicano y universal, que existen en nuestros museos no son protegidas y revisadas de manera correcta por los escasos recursos que el gobierno asigna al arte.

Tan solo este año se le asignó al Instituto Nacional de Bellas Artes 3001 millones de pesos, menos de la mitad que despilfarró la Secretaría de Educación Pública y el señor Villalpando para la celebración de los bicentenarios, el año pasado.

Cínicamente el presidente de México cerró su discurso: “Yo quiero invitarlos a todos, especialmente a los niños, a los jóvenes, a que vengan a deleitarse con las obras de los grandes artistas que aquí se exponen. A todos los mexicanos, a que vengan a visitar el museo, a que traigan a sus hijos, a que vivan la cultura”.

Cuando México sigue ocupando el último lugar de desempeño entre los países de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE), como lo demuestran los resultados del Programa para la Evaluación Internacional de los Estudiantes (PISA, por sus siglas en inglés) En 2009, México ocupó el lugar 48 de entre 65 naciones.

Y en un país donde la mayoría de las mamás jóvenes en el país no tienen escolaridad, un país con una población mayoritaria de 25 años que llegan cuando mucho a segundo de secundaria en escolaridad; es decir que casi el 60% de los jóvenes mexicanos entre 15 y 24 años de edad, no están en la escuela, según las cifras del Censo 2010 del INEGI.

Además de un panorama en que los jóvenes y niños mexicanos están en vulnerabilidad por la guerra desatada por Felipe Calderón. El reporte Infancia y conflicto armado en México señala que de diciembre de 2006 hasta octubre de 2010, un total de 994 niños y niñas han perdido la vida en la lucha contra la delincuencia organizada y de los 40 mil muertos por el esta guerra se estiman que 10 mil son jóvenes menores de 25 años.

¿No creen que sea más urgente exigir al gobierno una atención a nuestros jóvenes y niños, a través de una educación de calidad y reforzando nuestras instituciones públicas de arte?

Pero no todo está perdido, este 30 encuentro nacional de arte joven refrenda que todavía existen personas, entre artistas participantes, organizadores e instituciones, que aún con todo tipo de limitantes se pueden hacer bien las cosas.

Intervención en el MUAC

2011-04-10T21:32:00.000-07:00

Zona MACO 2011

2011-04-10T13:48:00.001-07:00

La semana pasada fue el carnaval del arte contemporáneo en la Ciudad de México con motivo de la feria Zona Maco, que abrió sus puertas a partir del miércoles 6 hasta este domingo 10 de abril en el Centro de Convenciones Banamex. Más allá de ser un suceso dirigido a las galerías y a los coleccionistas, incentiva una semana efervescente para la escena artística en la Ciudad de México. El primero en proponer una oferta expositiva fue el Museo de Arte Moderno con la muestra de Gonzalo Lebrija, un paisajista posmoderno que reflexiona en torno al tiempo a través de su lente y que, gracias a la inteligente curaduría de Víctor Palacios, nos permite reponer en ello. El martes por la noche la colonia Roma presumía de la algarabía de inauguraciones: Labor, Border, Nina Menocal, Arróniz y la soberbia OMR el/52 que presentaron a la artista mexicana de mayor influencia en la escena artística internacional, cuyo trabajo marcado por su contenido y reflexión del tiempo y lo político la han llevado a exponer en el Guggenheim de Nueva York: hablo de Julieta Arranda.

El miércoles se inauguró Zona Maco con una extraordinaria oferta de artistas internacionales como Thomas Ruff, Anish Kapoor, entre otros, y constatar la consolidación de propuesta por parte de galerías mexicanas como el caso de las galerías Hilario Galguera, OMR, Arróniz y Labor. Por la noche, la Colección Fundación Jumex nos sorprendió con Destellos, exposición de la colección curada extraordinariamente por Osvaldo Sánchez; logrando una de las muestras de Jumex con mayor impacto y articulación, no sólo discursiva sino también objetualmente. Después nos agasajaron con la tradicional fiesta Jumex.

El jueves, la galería Hilario Galguera abrió sus puertas para mostrar el trabajo del pintor mexicano Bosco Sodi, consolidando la importancia de esta galería dentro de las propuestas de calidad en el circuito del arte contemporáneo, beneficiando a la calidad y no a la improvisación del mainstream.

El viernes se inauguró una nueva galería que promete ser un importante epicentro para la investigación, exposición y discusión del arte contemporáneo: Central Art Projects, de Joseph Zaga. Para el opening se invitaron distintos artistas entre los que destacan Erick Meyenberg y Marcos Castro.

Finalmente el sábado, la galería Kurimanzutto inauguró la más reciente muestra de Damián Ortega y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) inauguró Plegaria muda, obras escultóricas de la colombiana Doris Salcedo. No sólo esta semana fue de grandes ofertas expositivas sino para confirmar los rumores que ya se sabían y se confirmaron: la española María Inés Rodríguez será la nueva curadora en jefe del MUAC.

Sin duda una gran oferta que podrán aprovechar en estas semanas; así sea.

Entrevista: Leo Marz Parte 1

2011-04-05T14:46:00.000-07:00

Justin Case this is the end

2011-03-06T22:44:00.000-08:00

A manera de arqueólogo posmoderno Leo Marz (1979) plantea un cuestionamiento conceptual entorno al fin a partir de la causalidad como posibilitadora de diferentes realidades activadas por la historia, el archivo, el futuro/ficción, el imaginario apocalíptico y la legitimación misma.

Con una estrategia post-procesual creativa Leo Marz invitó a colaborar a distintos artistas que abordaron junto con él estos tópicos. Es el caso de la colaboración con Oswaldo Ruiz en la que entrevistan a Justin Case que es el personaje que le da título a esta exposición y cuyo nombre significa literalmente “por si acaso”, así, a través del recurso de la entrevista y, sobre todo, de la anécdota nos conducen a Archipiélago, instalación escultórica con ese archivo de 59 años, realizada junto con José Jiménez Ortiz, en la que evidencian los procesos burocráticos de la institución que le imposibilitaron a Leo Marz acceder al archivo de la Casa del Lago, para así establecer la importancia de la memoria y que sólo puede ser activada con las anécdotas/memoria de los visitantes y ser registradas en un twitt.

Un caso a resaltar es la instalación La historia como espacio negativo del furocon la cual Leo plantea junto con Pablo Rasgado el acceso a la historia, la proyección del futuro y la espectrografía fantasmagórica del tiempo.

Sin embargo es, quizás, En cada lunes se acaba el mundo vídeo de Leo Marz en que narrativamente articula esta preocupación conceptual entorno a todos estos temas que a través de una plasticidad y una poética fantasmagórica de la historia crea una experiencia sublime en el espectador. También es de reconocer en esta exposición el aniquilamiento del discurso curatorial que es emplazado por una colaboración procesual entre el curador, Willy Kautz y el artista y que se muestran ante el espectador con las cartas que intercambiaron dotándolas de una legitimación presente y una probabilidad futura, jugando con ese límite de ficción como una posibilidad de fin y de historia que la mayoría de veces nos puede consolar o aterrar.

Superficies límite

2011-02-27T10:20:00.000-08:00

Sofía Taboas (1968) pertenece a la generación Temístocles que a principio de los años noventa exploraron las posibilidades del arte conceptual y del minimal art como respuesta a sus inquietudes artísticas que se veían limitadas por la academia. Ahora, después de 20 años, donde las estrategias del arte actual están cambiando, Superficies límite demuestra la fuerza y la importancia de la obra de Taboas, en la que aquella idealización del objeto se ve desplazada por una mayor preocupación por el espacio y la generación sensual de éste. Gracias al formalismo derramado y las estrategias plásticas de las piezas de Sofía Taboas, donde la luz, el reflejo y la mirada exterior crean una experiencia sensorial única; hacen de esta exposición una particular muestra procesual/perceptiva y, a su vez, refrenda a Sofía como la artista más importante de aquella generación que logró tener una evolución estética propia. La exposición fue curada por Itala Schmelz, quien también es directora del Museo de Arte Carrillo Gil, donde se exhibe Superficies límite hasta el 15 de mayo.

Como también es el caso de Lorena Mal (1986) que en años recientes está realizado investigaciones con nuevos medios y la interacción que éstos pueden denotar entre la creación artística y el espectador: Vwm. Voice Wave Mountain es una instalación -montada en el Centro Cultural Border- en la cual el “espectador/usuario” delinea pendientes con su voz y cuyo resultado gráfico es resuelto en una pantalla. No solamente es interesante ver como se conjugan técnicas tan disímiles como el dibujo y la programación; sino la metagráfica fantasmagórica con la que resuelve Lorena la pieza; ya que los registros de la interacción con la pieza –posibilitada por un micrófono- los utiliza para dibujar esos patrones gráficos con su respectiva información de día y hora, generando toda una poética de lo espectral, la obsesión de contener lo efímero y la huella -como es la voz-, porque al final, ¿quiénes no hemos querido en esta vida contener algo que no se puede?

Superficies límite

2011-02-22T23:50:00.000-08:00

Convocatoria a jóvenes artistas

2011-02-16T09:57:00.000-08:00

A todos aquellos artistas, poetas, músicos y locos... ha llegado la oportunidad de mostrar nuevamente lo que un latinoamericano puede hacer en el Concurso Las Bellas Artes 2011.

La Bellas Artes en colaboración con P.J.S Exhibitions, El Museo del Barrio, ZsONA MACO, Spenglish, Factoría de Santos, Tequila Alacrán, Pie Derecho y con el apoyo del Instituto Cultural Mexicano de Nueva York y otras instituciones internacionales te invita a participar en el Concurso Las Bellas Artes 2011 en cualquiera de las siguientes categorías... Leer convocatoria

Curso de arte contemporáneo

2011-02-11T11:12:00.000-08:00

Asi Esta La Cosa: Emerging Artists From Mexico City and Chicago

2011-01-17T00:05:00.000-08:00

Texto para el catálogo Asi Esta La Cosa: Emerging Artists From Mexico City and Chicago Leer texto

Última entrevista de Helen Escobedo

2011-01-13T11:52:00.000-08:00

ENERO DE 2011

ARTE CONTEMPORÁNEO

ENTREVISTA CON HELEN ESCOBEDO

POR OCTAVIO AVENDAÑO TRUJILLO

Elena Escobedo Fulda nació el 28 de julio de 1934 en los Edificios Condesa. De su madre heredó el gran sentido del humor y la pasión por el teatro y la música. Estudió violín desde muy pequeña con Sandor Roth, integrante del quinteto Lener. En 1949 actuó junto con su madre en La loca de Chaillot; la escenografía y vestuarios los realizaron Leonora Carrington y Remedios Varo, quienes se congregaban en casa de la familia Escobedo, junto con Gunther Gerzso y Germán Cueto.

Siempre se adelantó a su tiempo; no solo como artista sino también como gestora: fue la primera en montar una exposición de arte geométrico mexicano en 1957 en el muca y la primera también en realizar una exposición sobre problemas ecológicos en 1970.

A mediados de septiembre de este año falleció Helen Escobedo en la ciudad de México. Esta entrevista fue la última que concedió... Leer la entrevista

Jill Magid

2010-12-05T14:58:00.000-08:00

En el 2004 la artista estadounidense Jill Magid (1973) fue comisionada por el Servicio Secreto Holandés (AVID) para crear una pieza que resaltara la parte humana de la institución. Durante tres años Magid se entrevistó con espías tanto de manera personal como de manera anónima. El resultado fue Becoming Tarden, libro del cual la AVID censuró tres cuartas partes por sentir que exponían las identidades de los agentes. Tras negociar con la organización, Magid aceptó darles el cuerpo de la novela y quedarse con el epílogo y el prólogo... Leer la entrevista

The Redacted Manuscript

Becoming Tarden

Hitos de una ciudad en movimiento

2010-11-07T16:46:00.000-08:00

El psicoanálisis localiza escenográficamente al inconsciente en las fisuras de nuestro ser y lo denomina hiancia, lugar donde los misterios apenas pueden ser develados por esos quebramientos y al cual también se refiere a la connotación entre el cuerpo matérico -vacío- y la representación de éste.

De allí el acierto del título Hiancia 2010, del monumental políptico de Rodrigo Suárez que revela la epidermis de la ciudad como su propio registro. La condición formal de la pieza, que privilegia la longitud del espacio y no la verticalidad conectada con la trascendencia, viene a aportar una nueva forma de explorar el espacio; ya no son los letreros, los personajes, los monumentos los protagonistas –como lo fueron en la práctica fotográfica de la modernidad mexicana: Álvarez Bravo, Modotti, etc.-, sino las coladeras que presumen sus fechas, las fachadas enaltecidas con grafiti, el suelo intervenido con chicles como si fuese un gran ensamblaje al más estilo de Gironella.

El logro en la perfección técnica de la pieza y la preocupación intelectual de Suárez plasmada en ella son dignos de reconocerse, sobre todo en una escena donde los jóvenes artistas son acobijados por el mainstream o las conformistas trincheras del outsider.

Otro caso alentador es el de Omar Gámez que en esta ocasión realizó Toma de prueba, junto con Cannon Bernáldez. Se trata de una cinta de 16 milímetros revelada caseramente en la que el azar crea una plasticidad muy cercana a lo fotográfico y a lo abstracto, sin dejar a un lado lo figurativo.

Es un video meta-memoria, ya que esa implicación del video que tiene para almacenar recuerdos es potencializado por el resultado formal de la pieza. En tres minutos el espectador es enfrentado con la cotidianidad por la cotidianidad misma, con una vasta bifurcación de referencias históricas y sociales del espacio.

Así, Gámez y Suárez tratan obsesivamente de encontrar en el hiancia de la ciudad, en su cuerpo vacío, pero también habitado, las más ricas posibilidades estéticas.

Estas dos piezas las pueden ver en la exposición Hitos de la ciudad. Acervo vivo, donde también participan Diego Pérez y Emilio Said entre otros. La asesoría curatorial estuvo a cargo de Irving Domínguez y Bárbara Perea.

Academia de San Carlos

Academia 22, Centro Histórico

¿Historia del arte contemporáneo?

2010-10-11T09:33:00.000-07:00

Del 24 de octubre del 2010 al 13 de febrero de 2011, mayores informes e inscripciones al 55.26.91.57 / 57.72.05.42

Artistas turcos

2010-10-03T14:11:00.000-07:00

Estambul es una ciudad en la que podemos encontrar un gran abanico de propuestas artísticas, sobre todo de jóvenes y también de espacios como la galería Daire Sanat. Hay mucho que escribir pero en esta ocasión quiero referirme a los dos artistas que a mi consideración mejor reflejan la escena artística en esta ciudad... Leer más

Ali Ibrahim Öcal

Hüseyin Çağlayan

Ani Çelik Arevyan

Helen Escobedo

2010-09-19T13:45:00.000-07:00

Son las seis de la mañana y el canto del almuédano coincide con mi vigilia, me encuentro en paz, lejos de la opereta del Bicentenario de la Independencia de México que me estaba enfermado. Ahora, en cambio, el viento húmedo del Bósforo acaricia mi mirada y me fortalece. Pienso en la influencia de los ilustradores turcos del siglo XVI y las estampas japonesas del siglo XVII en la estética del arte contemporáneo. Abro mi ordenador para escribir de ello para Ejecentral, pero me encuentro con el correo de un amigo en común que me anuncia que Helen Escobedo murió a los 76 años, murió en paz, con un gran sentido del humor, que siempre le caracterizó, burlándose de la faramalla y la fantasía que vivía nuestro país en estas fechas. Leer más

Puntos ciegos

2010-09-12T21:22:00.000-07:00

En la XIV bienal de fotografía podemos encontrar tres extraordinarias propuestas fotográficas de Mauricio Palos, Ricardo Alzati y Omar Gámez ¿Por qué extraordinarias? Porque configuran intelectualmente un acercamiento a través de la investigación con la práctica fotográfica. Para lograr la obra —mas no la imagen, porque cualquiera puede fotografiar—, no sólo partieron de una inquietud personal, de observar una realidad, sino de emplear la investigación. Además, curiosamente, estos tres artistas juegan con categorías como lo velado / real / cotidiano, que ofrecen al espectador una postura crítica de la mirada. Leer más...

Ayer sacrificio, hoy historia

De la serie Borradura

De la serie Crónicas de Centroamérica

Irene Dubrovsky

2010-09-06T00:06:00.000-07:00

La mirada es sin duda recurso esencial para el acercamiento con la obra de arte y con la vida misma; pareciera que es algo obvio pero es tan múltiple en sus posibilidades que son varios los pensadores que han desarrollado reflexiones sobre ésta. Quizás una de las más interesantes es la que plasma George Bataille en su novela La historia del ojo, —si bien es una novela erótica que desafió la estructura de los valores morales de la sociedad burguesa de principio del siglo XX—,plantea un interesante posicionamiento de la mirada: el voyerismo como el estado más puro de ésta. Por otra parte Sartre discute la presencia subjetiva del ser que se descubre en la mirada. El cineasta Alfred Hitchcock con su célebre película La ventana indiscreta evidencia la importancia de la mirada ajena para establecer una referencia más objetiva de lo que acontece. Estas referencias me permiten acercarme a Cartografías y astronomía, la serie más reciente de Irene Dubrovsky... Leer más.

El poder del coleccionismo

2010-08-29T19:49:00.001-07:00

José Luis Cuevas me contaba en una de nuestras charlas cómo a manera de augurio había conocido al Dr. Alvar Carrillo Gil antes que toda su generación. El doctor había atendido a Cuevas cuando éste era un niño de seis años y quien había desembarcado, junto con su madre, en la península de Yucatán. Años más tarde, en la primera exposición de José Luis Cuevas el Dr. Alvar Carrillo Gil le compró todos los dibujos expuestos, excepto uno, también cuenta el artista, y en ese momento ya no lo veía como el doctor, sino como el coleccionista de arte más importante del siglo XX mexicano.

En 1938 el Dr. Alvar Carrillo Gil comenzó a conformar su colección que le permitió forjar su identidad pública y trazar parte medular de la historia del arte moderno; ya que su colección tenía la fuerza para legitimar y posicionar tendencias en la escena artística mexicana como ninguna otra.

Además fue un personaje central para incentivar el diálogo entre colecciones privadas y públicas, ejercitó la crítica de arte y, sobre todo, influyó en delinear políticas culturales. Por todo esto es de celebrarse la investigación/publicación El poder del coleccionismo de arte: Alvar Carrillo Gil, que realizó la Doctora Ana Garduño y que está publicada por la Universidad Nacional Autónoma de México.

Ana Garduño a lo largo del libro desvela la figura de Carillo Gil a través de las relaciones de poder que estableció con la escena cultural y artística, la colección y su incursión en la pintura como instrumento de la formación de su identidad social.

En la lectura uno descubre que la combinación de amor por el arte y deseo de prestigio en Carrillo Gil fueron dispositivos del coleccionista como ciudadano: “Esta idea de ciudadanía se encuentra en su reivindicación del derecho a cuestionar a los funcionarios públicos, la facultad de denunciar actos de corrupción e impunidad, asumiendo como una obligación social la vigilancia de los actos de los hombres del gobierno en todo aquello que, a su juicio, hiciera peligrar el patrimonio económico y cultural de los mexicanos…”[1]

Después de más de 70 años es una pena que no exista ninguna legislación que delinee con claridad las posibilidades para donar o vender obra de colecciones privadas a instituciones públicas y se siga trabajando con un esquema que utilizó el Dr. Alvar Carrillo Gil, quien afortunadamente previó un recinto que albergara su colección que asciende a mil 417 obras de arte, entre las que destacan las creaciones de José Clemente Orozco, además de que fue con quien iniciara su colección al adquirirle el dibujo La chole (1915).

Actualmente el Museo de Arte Carrillo Gil ofrece una amplia oferta de expresiones artísticas contemporáneas, apoya y exhibe a jóvenes artistas y programa de manera inteligente la colección.

Ojalá se incentive el debate y la promoción para desarrollar políticas públicas que permitan un diálogo más ágil entre las colecciones privadas y las públicas; y que sigan editando investigaciones tan serias e interesantes como la de Ana Garduño.

[1] Garduño Ana, (2009) El poder del coleccionismo de arte: Alvar Carillo Gil, UANM, p.493

Dibujo: La Chole, 1913-1915, de José Clemente Orozco (Lápiz sobre papel 42 x 26 cm), Colección Alvar Carrillo Gil.

Un semaine de bonté

2010-08-22T17:47:00.000-07:00

Para leer el artículo de opinión: http://columnas.ejecentral.com.mx/cubonegro/

Pipilotti Rist

2010-07-28T09:20:00.000-07:00

Muy pronto un artículo de la videoartista suiza...

Noches de Calíope en el MAM

2010-07-05T10:54:00.000-07:00

El Museo de Arte Moderno comienza el ciclo de Noches de Calíope en el MAM, lectura de poesía, con cuatro grandes poetas mexicanos: Dolores Castro, Hugo Gutiérrez Vega, Javier Sicilia y Coral Bracho. La cita es el jueves 22 de julio a las 8:00 P.M. En el Museo de Arte Moderno.

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MROK. Nadie sabe de lo que es capaz un cuerpo

2010-06-01T14:59:00.000-07:00

una presencia como un canto súbito / como el viento cantando en el incendio,

una mirada que sostiene en vilo / al mundo con sus mares y sus montes,
cuerpo de luz filtrado por un ágata / piernas de luz, vientre de luz, bahías,
roca solar, cuerpo color de nube / color de día rápido que salta,
la hora centellea y tiene cuerpo / el mundo ya es visible por tu cuerpo,
es transparente por tu transparencia…

Octavio Paz, Piedra de Sol

Esta instalación de Xawery Wolski (Polonia, 1960) condensa una reflexión acerca de los rasgos más innatos del Universo: el espacio, la materia, el tiempo y el ser; cúmulo —nubes propias del verano— que traza con alambre, tan delicado y enmarañado como la existencia misma. La pieza es un intento de resinificar la evanescencia de la materia, a la manera de un ejercicio de meditación. Aquí, la corporeidad de la nube permite plantear diferentes paralelismos entre las nociones de vacío, fragilidad y densidad, y logra activar el espacio desde la maleabilidad y la ligereza del soporte.

¿Qué es el tiempo? ¿Qué es la materia? ¿Qué somos nosotros? ¿Qué es el espacio? Son preguntas que refieren a la metafísica aristotélica, así como a otros cuerpos filosóficos, como el budista, y que plantean el vínculo mental entre estructura y trascendencia, a través del silencio y la contemplación.

Esta vulnerabilidad, a la que nos enfrenta Nadie sabe de lo que es capaz un cuerpo de Wolski, seguramente encarna la experiencia personal del artista en su búsqueda espiritual, y toma presencia estética desde un interés por los materiales mínimos, crudos, obsesivamente articulados; en relaciones que ya había explorado desde sus primeras esculturas e instalaciones con una fuerza poética y un dominio técnico muy depurados.

Octavio Avendaño Trujillo
Equipo curatorial MAM

Cálculo diferencial

2010-04-08T14:33:00.000-07:00

Cartografías del arte contemporáneo

2010-01-18T20:44:00.000-08:00

Para inscribirse al taller Introducción al arte contemporáneo deben de ir personalmente a la Galería José María Velasco y pagar $305 pesos, cualquier duda pueden llamar al 55.26.91.57 / 57.72.05.42

Mi reencuentro con Chavela Vargas

2009-11-19T22:30:00.001-08:00

Arte-Shock

2009-11-12T22:23:00.000-08:00

Conferencia en C.U.

2009-10-11T21:25:00.000-07:00

Ariel Guzik / Algarabía en el jardín

2009-09-14T18:24:00.001-07:00

Les presento el videoregistro que realicé del montaje de la instalación Algarabía en el jardín, del artista mexicano Ariel Guzik, para el proyecto artístico Lugar_Cero, curado por Helena Braunštajn y gestionado por Casa Vecina-Espacio Cultural.

Circunvoluciones alrededor de una antología

2009-08-23T22:33:00.000-07:00

El Museo de Arte Moderno ha rescatado la Sala Gamboa como un espacio de arte contemporáneo y actualmente presenta la segunda intervención con la obra de Iñaki Bonillas: Circunvoluciones alrededor de una antología. La instalación consta de una selección poética montada en una base circular suspendida en el aire, la cual mantiene un diálogo intensísimo con la sala de documentación que consta de diversos documentos como películas y libros.

Es una especie de Piedra de Sol, de Octavio Paz, que curiosamente el artista no incluye en la selección poética. Es un enfrentamiento tautológico de gran fuerza con el espectador, la obra cuestiona y seduce a la vez. La circularidad in situ de la obra de Bonillas coloca su impulso personal por registrar y catalogar, reconociendo una estética del archivo como posibilidad de autoreflexión efímera.

Antony Gormley en México

2009-08-14T13:40:00.001-07:00

Charla con Álvaro Enrigue

2009-08-09T22:32:00.000-07:00

Las 7 cabronas e invisibles de Tepito

2009-07-18T11:47:00.000-07:00

"En Dios creía y a mi marido lo adoraba"

Los contextos históricos-culturales explican nuestro carácter, en la medida que nuestro carácter también explican nuestros contextos. De ahí la relevancia del proyecto de Las 7 cabronas e invisibles de Tepito, de la artista catalana Mireia Sallarès. Las historias de vida expuestas son testimonios que delinean un tipo de matriz histórico-cultural que esboza la transformación del barrio bravo de Tepito, constituido por machos pero bajo la custodia del matriarcado. La mujer es el principal capital cultural del barrio, ellas guían los valores simbólicos, no sólo de Tepito, sino de nuestro país.

"Yo tengo unos hijos que son hijos de la Chingada"

Lo que Octavio paz llamaba la Chingada como la figura mítica que representa a la “sufrida madre mexicana” y por ende un país de sufridos; quizá se haya transformado, tal vez, hemos dejado de ser hijos de la chingada para ser hijos de cabronas.

"Mi vestido fue el de la emperatriz Carlota, pero yo no lo disfruté, porque yo creía que me moría "

Y no sólo hijos de las cabronas de Tepito, Elena Poniatowska reunió siete espléndidos retratos en Las siete cabritas, siete mujeres cabronas mexicanas: Frida Kahlo, Nahui Olin, Pita Amor, Rosario Castellanos, María Izquierdo, Elena Garro y Nellie Campobello.

"Las mujeres cargamos al macho"

Cabrona, Chingada, son “malas palabras” que dan vida al lenguaje, poesía ante palabras vacías. Y son nuestras mujeres.

OhDios

2009-07-12T20:32:00.001-07:00

Ohdios es la exposición más reciente del artista mexicano Carlos Aguirre en el Ex Teresa Arte Actual, cuyo lúdico título dialoga, a su vez, con las piezas de algunos de los artistas que participaron en la vigésima novena muestra de arte joven 2009.

Particularmente me llamaron la atención los trabajos de José Francisco Rojas Miramontes y de Jesús Jiménez López. Y así, Aguirre, Rojas y Jiménez conforman una metáfora del monstruo, que se encarga de la domesticación de la sociedad, un poco refiriéndome a Michael Foucault, en la que propongo para este caso tres tópicos: El pederasta, El narcotraficante / secuestrador y La migración. Tres monstruos que han aquejado a nuestra sociedad en la última década.

Esta propuesta es de quien la escribe, no sé si Ex Teresa lo planteara a través de la curaduría, aunque no lo creo porque existen más piezas de las cuales no hago mención.

El pederasta: A través de un registro documental y bitácoras, Carlos Aguirre denuncia-evidencia los casos de pederastas en México.

El narcotraficante / secuestrador: José Francisco Rojas Miramontes presenta su instalación con video Messico, piú di quanto immagini, México, la gran aventura. Sin duda alguna un excelente trabajo.

La migración: Fotografía de 100 mil dólares enviados por trabajadores ilegales a México, pieza de Jesús Jiménez López.

100 mil dólares, de Jesús Jiménez

Odhios, de Carlos Aguirre

Messico, piú di quanto immagini, José Francisco Rojas

Tianguis de Arte Contemporáneo 09 [Faro de Tláhuac]

2009-06-28T15:52:00.000-07:00

Este pasado sábado 27 participé en la mesa de discusión fue la Generación de contenidos para públicos de arte, organizada por el Tianguis de Arte Conemporáneo en el Faro de Tláhuac.

Los participantes fuimos: Edgardo Granado Kim, galerista de La Refaccionaria, Irving Domínguez, curador del Centro de la Imagen y yo.

Fue un ejercicio interesante en el cual quedaron varias preguntas sin responder: ¿Quiénes son los encargados de generar contenidos para la formación de públicos de arte? ¿Existe realmente en nuestro país el periodista de arte? ¿Los medios de comunicación como se enfrentan al arte contemporáneo? ¿Qué público hay que formar? Les comparto un resumen sonoro de mi participación.

Jerónimo Hagerman

2009-05-14T20:47:00.001-07:00

Este domingo 17 de mayo se inaugurará, a las 12:00 horas, Aquí y ahora. Jardín radial, la primera intervención del proyecto LUGAR CERO, curado por Helena Braunštajn que hace su primera parada en el Atrio de San Francisco, Centro Histórico. Les dejo un video con la entrevista que le realicé a Jerónimo.

Bear y Rat en agonía

2009-05-09T18:28:00.000-07:00

En el Reina Sofía se ha inaugurado la exposición más reciente de Fischlli & Weiss, a quienes conocí en el verano del 2008 cuando visité la exposición de Jeff Koons en el Museum of Art Contemporary of Chicago.

Su trabajo, que se ha caracterizado por contagiar una visión amorosa por las cosas y la cotidianidad de la vida, pareciera ser que dará un giro radical.

No me atrevo a confirmarlo pero sé que Bear y Rat, los alter egos de Fischlli & Weiss desaparecerán muy pronto.

Si bien es más diverso el trabajo de estos artistas suizos, entre ellos la fotografía, la posible desaparición de Bear y Rat dará una connotación más “seria” y madura” a su trabajo. Lo que se opone a ese factor llamadado “aburrimiento/juego”, materia prima de Fischli & Weiss, que les permitía mutar en una especie de taumaturgos que convierten cualquier objeto en arte, gracias a esos instantes liberadores y redentores –como dijera Danto-.

Sin duda un guiño al dadaísmo. Recordemos que Marcel Duchamp un domingo en el que estaba invadido por el aburrimiento creo su más famosos ready-made: La rueda de bicicleta.

Quienes seguimos el trabajo de Fischlli & Weiss tendremos que estar muy atentos a sus nuevas propuestas, o ¿Será que este tándem artístico está llegando a su fin? Les dejo con un video de ellos.

Chavela Vargas: la mexicana

2009-05-01T16:34:00.001-07:00

Algún día escribiré más a fondo mis vivencias con Chavela, por lo mientras les dejo un ensayo que se publicó el 3 de mayo en La Jornada Semanal yun video que tomé el día de su homenaje, el 21 de abril de 2009, en el Teatro de la Ciudad de México.

De lo naïf al zetgeist
Octavio Avendaño Trujillo

Para los niños palestinos

A Chavela Vargas la escuché por primera vez, en vivo, en el desfile del orgullo gay en Madrid de ese año. Cantaba “Vámonos”, aquélla canción mítica de José Alfredo Jiménez –muy acorde a la temática de aquél día: “Vámonos, donde nadie nos juzgue, donde nadie nos diga qué hacer.” Fue cuando comprendí que nuestras obsesiones, sueños y esfuerzos culminan en una experiencia naïf : espontánea, donde no hay normas y, en este caso, colores vivos; formas ingenuas y deformación de la perspectiva.
Sólo tuve la oportunidad de saludarla con un beso. Pude concertar una audiencia con Chavela. La cita fue en una importante residencia donde, tiempo atrás, estuvo el foco de la modernidad española: Federico García Lorca, Salvador Dalí, Luis Buñuel y el científico Severo Ochoa, todos residentes.
Llegué a las once de la mañana.
– Señorita, vengo a ver a la señora Vargas– la recepcionista era de una belleza andaluza impresionante.
Me pasó un teléfono para comunicarme a la habitación:
– Sí, Chavela. Ola. Mira. Claro. Muy bien. Gracias. Perfecto.
Después de una ahora salí a fumar un cigarrillo al patio. Vi pasar a un hombre con apariencia de turco con aires de español. Era él, Joe Durán, corresponsal de cnn Internacional. Pudo hablar personalmente con Chavela gracias a que asistió a una fiesta que brindó la residencia cuatro días antes y concertó la entrevista con ella. Sin embargo, al final ella le dijo había se había acordado para el miércoles.
Alrededor de las siete de la tarde llegué al departamento de Joe. Estaba mirando la invasión a Líbano por parte del gobierno israelita. No tendría yo más de cinco minutos cuando su celular sonó.
En ese momento me miró y con cara de pena me hizo notar la noticia:
– Lo sabía, Octavio, me mandan a Líbano. Voy a hacer mis maletas, pero antes llamo a unos amigos para estar todos juntos antes de que me vaya.
Empecé a deambular por su departamento lleno de fetiches asiáticos y orientales, hasta que me topé con su biblioteca. Ahí encontré El baile de los ardientes o Poderoso Cabriconde (1974), del dramaturgo español Francisco Nieva.
Sin darnos cuenta, ya eran las diez de la noche y en la casa de Joe se habían reunido sus amigos: Bogano, un contemporáneo mío que es escenógrafo; Pilar, que quince días antes había inaugurado su galería de arte contemporáneo, y otros dos amigos dedicados a la televisión.
Primero fuimos a dar a Lola, un bar de paredes color chocolate de techo azul cielo. Los sillones rojos con mesitas de madera. Donde se percibe al mundo que nos rodea compuesto de vibraciones a través de todos los rincones físicos y psíquicos de nuestro cuerpo. Para después terminar en El Chicote, un local lleno del mundo del cine y la moda, ganador del mtv Recommends Campari al mejor bar de Europa.
Ahí me presentaron con Roger Salas, crítico de danza que trabaja en el periódico El País.
Sin embargo, el telón de la mañana comenzó a ascender. Y nos encontramos con las primeras víctimas de la guerra: 175 muertos, de los cuales cincuenta eran civiles líbaneses. El aeropuerto internacional de Beirut destruido. Joe dentro de tres horas se marcharía a Irak para cubrir la guerra para cnn . Fue cuando entendí que la historia individual siempre está conectada con la historia colectiva y da paso a la muerte del autor. Al final de cuentas la singularidad de lo vivido se modifica perpetuamente con la relación de sujeto-realidad. Una relación en que la identidad de ambos se constituye a partir de la diferencia.
Después de esa noche di un salto mortal a una sociedad sin red que celebra la amnesia en un estado zetgeist. A una sociedad de un no-lugar, xenofóbica e hipócrita. Mi estancia en España es como estar dentro del Homeless Vehicle, de Krzysztof Wodiczko. Dentro de lo indigente, lo emigrante: elementos que se han convertido en el icono de la cultura y el arte contemporáneo. Por eso, cuando puedo, me detengo y observo a pesar de estar en un viaje hiperbólico, pero a la vez bulímico, de la realidad ¿Por qué no apostar a lo onírico que es una realidad más exacta que cualquiera de nuestras experiencias racionales?
Al terminar esta carta me quedaré a vigilar al mundo con mis pulsiones y mi estado de ánimo para observar todo minuciosamente y después –en esta búsqueda de los detalles–, atraparlos en mi diario/ordenador, como los hikikomori. Al fin y al cabo, después del 11 de septiembre de 2001 ya no creo en la mo, post y trans modernidad ¿De qué me sirve?

Andrés Henestrosa

2009-03-24T21:27:00.000-07:00

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Leonora Carrington

2009-02-12T20:50:00.000-08:00

Hoy mi realidad se convirtió en un halo de luz que descubrió otra realidad. El ave de la literatura mexicana, ella, Elena. El omnipresente cronista surgido de lo kitsch y revelado como narrador urbano, Carlos. Y su homónimo, aquél de la región más transparente: Fuentes. Sentimientos de cariño y de respeto, todos ellos reunidos para introducirse al mundo de Leonora Carrington.
He tenido la fortuna de aprender de cada uno de ellos. Cuando tenía 21 años tomaba té negro y fumaba con Leonora Carrington en su frío comedor, de ahí surgió una plática muy informal, que después conjunté con una entrevista que le hice a Jodorowsky. Y emprendimos un viaje.
Les comparto la foto de hoy y un par de pinturas de Leonora, debajo de las imágenes está la entrevista: Dos surrealistas en México, que publiqué en La Jornada.

Dos surrealistas en México

Octavio Avendaño Trujillo

platica con Leonora Carrington y Alejandro Jodorowsky

(Entrevista publicada en La Jornada Semanal)

OAT: Alejandro, en la colonia Cuauhtémoc te llamaban "El ruso" por tu apellido. ¿Qué anhelas de aquel México de los años cincuenta?

AJ: Anhelo, sobre todo, el entusiasmo que yo tenía para batallar contra tanto censor, sindicato ladrón, licenciado abusivo, periodistas ignorantes, artistas celosos. No me fue fácil. Me tuve que imponer. Escaparme por una ventana del teatro porque me querían linchar. Coleccionar cada día los insultos que me otorgaban los pasquines, soportar que me clausuraran algunas obras, ser tratado de degenerado porque monté comedias del premio Nobel Samuel Beckett y de Ionesco, Arrabal, Strindberg, etcétera. Echo de menos la embriaguez de la pelea no hipócrita: insultos abiertos, guaruras que me encierran, burlas acerca de mis películas: Fando y Lis es bautizada "Fango y Chis" (Bueno, también se burlaban de Salvador Novo, llamándolo por su homosexualidad Nalgador Sobo). Fue una época deliciosa. El público era entusiasta, noble, agradecido, y no se fijaba en las críticas. Por eso triunfó El diario de un loco, Las sillas, Zaratustra, H3O y tantas otras.

Alejandro Jodorowsky pasa a "formar parte de la cultura artística mexicana"; cuando llega a México ya había conocido a André Bretón en París y se desempeña como ayudante de Marceau: "Creo el Teatro de Vanguardia. Escándalos. Peleas. Gran actividad artística con pintores y escritores y actores... Pongo en escena Penélope de Leonora Carrington. Asisto al cumpleaños de Buñuel."

OAT: En tu reciente libro El Maestro y las Magas refleja una Leonora Carrington maga. ¿Qué aprendiste de ella y qué te enseñó?

AJ: De ella aprendí la libertad poética, el sentido del Tarot y la magia. Aprendí a admirar al espíritu de una mujer genial. No tengo la menor idea de lo que le pude enseñar. Con toda probabilidad, nada. Yo era un joven artista y ella una mujer consagrada y madura. Quizás le comuniqué un entusiasmo por el teatro.

OAT: ¿Sigue teniendo contacto con Carrington?

AJ: En el mundo exterior, no. En mi espíritu nunca he dejado de estar en contacto con ella. Fue un ser que llevo en mí mismo como un benéfico tatuaje.

OAT: ¿Practicas aún aquel Tarot que te enseñó Leonora Carrington?

AJ: No. Leonora Carrington jugaba con el Tarot pero no conocía su esencia. Usaba un Tarot hippie, el de White, especie de compendio angloamericano de un mal gusto prerrafaelita. Supongo que le gustaba por sus barrocos símbolos... Eso sí, Leonora me enseñó que lo que veía en esas cartas era el secreto: es decir, ellas actuaban como espejos. Más tarde, cuando trabajé con el Tarot de Marsella, el único auténtico Tarot, me di cuenta de la profundidad infinita de tal sagrado instrumento. Profundidad que nunca ha tenido el surrealismo.

OAT: ¿Sigues enamorado, por decirlo de alguna forma de Carrington?

AJ: Nunca estuve enamorado de ella. Nuestras relaciones no fueron ni románticas ni sexuales. Leonora, aparte de ser una bella mujer, era un maestro espiritual. La admiré como nunca había admirado a un artista. Regresé a México sólo porque ella estaba ahí.

OAT: ¿Por qué le devolviste el cuadro que te había regalado?

AJ: No sabía que se supiera que yo le había devuelto el cuadro a Leonora. Era una magnífica obra de gran tamaño. Debe de haber tenido un muy alto precio. Como es natural entre artistas. A causa de una diferencia de parecer respecto a Penélope —no nos vimos durante el montaje de la obra—, fue un detalle absurdo del que no tengo ya el recuerdo, nos peleamos. Para demostrarle que yo no era un individuo vulgar, interesado en explotarla guardando un cuadro valioso, se lo fui a dejar a su casa; abrió la puerta, deslicé el cuadro sin mostrarme y me fui. Nunca más la volví a ver. Orgullo estúpido.

OAT: ¿Cómo defines a Leonora Carrington?

AJ: La más genial de las artistas surrealistas.

Leonora Carrington se integra al movimiento surrealista en 1936 con Max Ernst y André Breton. Llega a México en 1942 por el hostigamiento nazi, y es el periodista mexicano Renato Leduc quien la trae desde España al país. Ya en México se reúne con los surrealistas europeos exiliados: Benjamín Péret, Luis Buñuel, Wolfgana Paalen, Alice Zahon y su gran amiga, Remedios Varo.

En su casa, comenzamos a platicar: "Me gustaría deshacerme de las ilusiones. A mí lo que me fascina es tratar de acercarme a lo real, pero no sabemos nada. Y hoy vivo entre el aburrimiento y la vergüenza de pertenecer a un género animal como el ser humano. Por eso me gustaría ser un elefante, pero salvaje, no dejarme de nadie; aunque la tortura continúa, dentro de la poca libertad que logré", reclama Leonora.

"El animal humano es un animal desgraciado y feroz, como los horrores cometidos el siete de junio en Londres y por los cometidos por alemanes. Además de que cualquier discriminación es estúpida y peligrosa. Uno puede tenerle antipatía a un individuo, pero no poner una masa y discriminarla.

"Todo acabó con Max Ernst porque Hitler persiguió a los artistas surrealis-tas y por eso era necesario huir. Fue cuando Picasso me presenta a Renato Leduc y es en Madrid, por casualidad, que lo encuentro y es cuando me voy con él, primero a Nueva York y después aquí, México, donde me encuentro con mi mejor amiga de la vida, Remedios Varo, que era muy alegre, siempre tenía sentido del humor. Por cierto, su obra tiene que quedarse aquí, en México, porque aquí pintó y vivió mucho tiempo.

"Cuando llegué a México me recibieron muy bien, y llegué agradecida por-que era enemiga del grupo surrealista ale-mán. Mi primera casa la tuve en Mixcoac, era muy chiquita, pero la gente era amable. Recuerdo que paseaba mucho por el centro y La Merced. Ahora voy al supermercado ¡Imagínese!… ¡Qué excitante!

"No me gusta hablar de mi pintura o de la pintura en general porque es algo muy abstracto, muy subjetivo. No hay nada qué explicar. A mí me gusta leer novelas policíacas y me interesa mucho la física cuántica, del mundo subatómico y soy sumamente ignorante. Yo veía la televisión hasta que quitaron Discovery Channel, era el único que yo veía, por los animales. Mi corazón está con mis hijos y en México, he vivido aquí por más de sesenta años, de México me gusta mucho su comida y La Llorona. Ahora hago la lucha de vivir conmigo misma, que no es muy fácil."

OAT: ¿Y Alejandro Jodorowsky?

LC: Yo tenía una gran amistad con él cuando llegó aquí. Me acaba de llegar un libro de él (El Maestro y las Magas), pero aún no lo he leído.

María Ruido: Transgresiones visuales

2009-02-07T20:08:00.000-08:00

En el norte de Europa occidental los artistas han encontrado en el videoregistro documental un soporte estético muy interesante. Consiste, primero, en cuestionar hasta qué punto la obra se transporta al territorio de la cinematografía y, segundo, hacer del testimo y lo documental una pieza de arte. Cada vez esta tendencia se va difundiendo a lo largo del mundo, es el caso de la artista española María Ruido. Su obra para mi es muy interesante a pesar de que sus contextualizaciones específicas. La estética política que enfrenta al espectador con su entorno y el poder de los ensayos visuales permiten una amplia gama de lecturas. Sin duda, su exposición en el Museo Carrillo Gil es más que pertinente para el circuito de arte en México.

David LaChapelle en México III de III

2009-02-02T10:49:00.000-08:00

Muy prontó saldrá publicada la entrevista que tuve con David LaChapelle...

David LaChapelle en México II de III

2009-01-29T20:22:00.000-08:00

Hago una amplia recomendación para que visiten Delirios de la razón, título de la primera exposición de David Lachapelle en México, a quien se le considera el Fellini de la fotografía contemporánea; y quien gozara de la compañía de Andy Warhol. En la exposición encontraremos fotografías y videos que ha realizado este afamado fotógrafo, a partir del 4 de febrero en el Antiguo Colegio de San Ildefonso. En la siguiente entrega la entrevista exclusiva con David LaChapelle, por lo tanto les dejo unas fotos que tomé hoy.

I am a recommendation to visit Delusions of reason, as the first exhibition of David LaChapelle in Mexico, who was regarded as the Fellini of contemporary photography, and who enjoys the company of Andy Warhol. In the exhibition will find photographs and videos he has made this famous photographer, from February 4 at the Old College of San Ildefonso. In the next exclusive interview with David LaChapelle, so they let some pictures I took today.

David LaChapelle en México

2009-01-29T11:44:00.000-08:00

No creo que sea un artista trasgresor, sino un pequeño niño tímido que recuerda a mamá y se entrega a la nostalgia del tiempo vivido, permitiéndole proyectar en fotografías la coraza que cualquiera que se diga humano, la necesite. Su estilo tridimensional, sin duda, desafió los paradigmas clásicos de la fotografía y, si analizamos el por qué de este recurso, se debe a que la tercera dimensión es el espacio entre la realidad y la ficción, es un escape “no total”, necesario para el mundo en el que vivimos. Esta técnica es muy cercana a lo popular y, paradójicamente, a la elite: ambos sueñan con el status quo, cada sector a su manera. La tercera dimensión, metafóricamente, es la esperanza del ser humano y LaChapelle la utiliza simplemente para entablar ese diálogo platónico. ¿Es a caso, su transición entre el fotógrafo de las estrellas a “fotógrafo artista” un hito en el que moldeó su estilo colorido y desnudo una fórmula para unirnos con Dios? O ¿Simplemente son delirios de la razón?

En la próxima entrega una entrevista exclusiva con David LaChapelle y un seguimiento de su exposición en México.

I do not think is a transgressive artist, but a shy little boy who reminds himself to mother and the longing of the time spent, allowing you to project pictures in the armor that anyone who says humans need it. Its three-dimensional style undoubtedly challenge the paradigms of classical and photography, looking at why this appeal is because the third dimension is the space between reality and fiction, is an escape "not complete" necessary for the world in which we live. This technique is very close to the popular and, paradoxically, the elite, both dream of the status quo, each in its own way. The third dimension, metaphorically, is the hope of man and LaChapelle used simply to engage in dialogue platonic. Is it a case, the transition from photographer to the stars "artist photographer" a milestone in the colorful style that shaped her naked and a formula for uniting with God? Or are simply delusions of reason?
The next installment in an exclusive interview with David LaChapelle and monitor their exposure in Mexico.

Ximena Cuevas

2009-01-13T17:30:00.000-08:00

Ximena Cuevas explora la poética irónica de las imágenes mediáticas a través de de narrativas de apropiación. Provocando al espectador a través del juego de lo racional y apariencia; esta propuesta lúdica casi siempre es en el contexto de las representaciones de la identidad nacional, el género y los mass media. Consolidándose como la viodeartista más interesante de México. Su trabajo se ha presentado en diferentes ciudades como Berlín, Bilbao y New York entre otras.

Ximena Cuevas explores the poetic irony of images through the media narrative of ownership. Causing the viewer through the game of the rational and appearance, this game is almost always in the context of representations of national identity, gender and mass media. Video artist consolidating the most interesting part of Mexico. His work has appeared in various cities such as Berlin, Bilbao and New York among

Videoartistas

2009-01-02T23:30:00.000-08:00

Pipilotti Rist (Suiza, 1962) es una de las video artistas más reconocidas en el circuito del arte contemporáneo. Su popularidad entre los jóvenes se debe a que participó, en la década de los años noventa con la banda Les Reines Prochaines. Como artista ha explorado la poética del género y el cuerpo. Su trabajo más popular es Pickelporno, la cámara con un objetivo ojo de pez transgrede la intimidad para colorearla. Su trabajo más reciente fue cambiar de sexo al MOMA de Nueva York (Diciembre 2008) con una instalación y un video de 16 minutos en el que la fragmentación de la forma y su calidad cuasi narrativa es el placer, la política y la biología; cuestionando a un Occidente misógino. En la próxima entrega mostraré el trabajo de Ximena Cuevas, la video artista más reconocida en México.
P.D. Si quieres saber cuál será la nueva frecuencia radiofónica de Los Colores del Arte, no dejes de seguir este blog.

Pipilotti Rist (Switzerland, 1962) is one of the most renowned video artist in the contemporary art circuit. His popularity among young people is that participated in the decade of the nineties with the band Les Reines Prochaines. As an artist has explored the poetics of gender and body. His work is more popular Pickelporno the camera with a fish eye violates privacy coloring. His most recent work was to change the sex of MOMA New York (December 2008) with a video installation and a 16 minutes in which the fragmentation of the quasi-narrative and its quality is the pleasure, politics and biology; questioning a misogynist West. In the next issue will show the work of Ximena Cuevas, the video artist best known in Mexico. P.D. If you want to know what the new radio frequency Colors of Art, be sure to follow this blog.

Los Colores del Arte

2008-12-29T11:57:00.000-08:00

Los Colores del Arte termina una etapa en la radio mexicana; es por eso que este martes 30 de diciembre de 2008 he preparado un programa muy especial, con lo mejor de Los Colores del Arte: escucharémos las entrevistas con José Luis Cuevas, Felipe Ehrenberg, Antonio O´Connell, Edith Medina, Stelarc y Miguel Calderón; así como Erik Castillo y Víctor Muñoz. El martes 30 de diciembre a las 4:00 pm por la 660 A.M. o www.imer.com.mx, dando clic en Radio Ciudadana. Sin embargo, recuerda que aquí no termina Los Colores del Arte, por este blog te diré a dónde nos mudaremos ¡Hasta luego!

¡Viva el mole de Guajolote!

2008-12-23T08:52:00.000-08:00

La única vanguardia estética mexicana del siglo XX fue el estridentismo, cuyo antecedente es el futurismo italiano. A fines de diciembre de 1921 Manuel Maples Arce publicó su manifiesto bajo en nombre de Actual N°1 Hoja de Vanguardia: "La verdad estética es tan sólo un estado de emoción incoercible [...] donde las cosas no tienen valor intrínseco posible, y su equivalencia poética florece en sus relaciones y coordinaciones". Proponiendo "una síntesis quintaesencial y depuradora de todas las tendencias florecidas [...]". Manuel Maples Arce fue el líder de este movimiento y encabezó la propuesta literaria estridentista; en cambio fue Germán Cueto quien distinguiera el arte estridentista.

Escuha este martes 23 de diciembre Los Colores del Arte por la 660 AM a las 16:00 horas. O por Internet: www.imer.com.mx dando clic del lado superior izquierdo donde dice Radio Ciudadana. Una conversación con Roberto Andrade y Margarita Sordo acerca del estridentismo.

Generación T

2008-12-15T23:34:00.000-08:00

Después de que el arte acción se consolidó en México y las instituciones culturales lo acogieron como una de las manifestaciones del arte contemporáneo, los artistas de formación comenzaron a brindar talleres, como una continuidad necesaria para que el arte acción no se debilitara, así fue como surgió la llamada generación T, que Josefina Alcázar utiliza para definir a un contexto temporal y artístico que desde finales de los años noventa, pero sobre todo en los primeros años del dos mil, se fortaleció una intensa actividad de talleres de performance impartidos por artistas consolidados como Lorena Wolffer, Maris Bustamante, Víctor Muñoz, Mónica Mayer, Pancho López, entre otros. A los artistas egresados de estos talleres se les conoce como la Generación T y está conformada por Thereza López, Edith Medina, Eduardo Flores, Ricardo Velazko, entre otros. La mayoría de estos talleres se impartieron en el Ex Teresa, el Museo Universitario del Chopo, el Museo Carrillo Gil, el Centro Nacional de la Artes, el Faro Oriente, el Claustro de Sor Juana, por mencionar algunos.

Transgresiones a la cotidianidad

2008-12-08T11:44:00.000-08:00

Una de las tradiciones que han explorado los artistas mexicanos, es la del artista recolector, desde luego con referentes duchmpianos, como el trabajo de Gabriel Orozco, Francis Alÿs, Melquíades Herrera y Alejandro Rincón. Si bien estos artistas hacen de la calle su taller, la connotación de la pieza es distinta. En el caso de Rincón es definitivamente una trasgresión a la cotidianidad y la apropiación del contexto urbano, cuando se apropia de los puestos tubulares del tianguis, existiendo un diálogo filosófico entre Foucault y Deleuze en el que las hetereotopías foucaultnianas se aposentan en las cartografías deluzianas para resignificar al objeto como escultura, instalación o arte-objeto. No te pierdas el martes 8 de diciembre Los Colores del Arte por la 660 AM.

Entrevista exclusiva con Stelarc

2008-11-30T08:41:00.000-08:00

Una de las premisas teóricas que se comienzan a cuestionar es la deshumanización del arte contemporáneo y la necesidad de delinear las fronteras entre tecnología, ciencia y arte. Es por esto que he entrevistado al artista australiano Stelarc, primer artista cyborg del mundo, quien ha trabajado en esta última década con tecnología. La acción más popular de este artista es la implantación de una tercera oreja (hecha de tejidos y material genético) en su brazo izquierdo la cual es manipulada por Internet y dentro de algunos meses podremos escuchar lo que la tercera oreja escucha.
¿Es arte el trabajo de Stelarc? ¿Es una realidad el apoderamiento de la tecnología al arte? ¿Se está deshumanizando el arte? Las respuestas y la entrevista con Stelarc el martes 2 de diciembre a las 16:00 horas, tiempo de México, a través de www.imer.com.mx (dar clic en el lado superior izquierdo donde dice Radio Ciudadana)

Piensa en mi

2008-11-19T17:15:00.000-08:00

The work of Octavio Avendaño Trujillo emerges a reflection of contemporary art through the author's death and ownership of objects as well as aesthetic possibilities, in Piensa en mi, produced a list in which they are involved in a brochure that promotes the exposures Julio Galan entitled Thinking of you. In a playful tone, Avendaño Trujillo cancels his portrait of Julio Galan and change the title of the booklet as a critique of power that have acomulado artists and the opportunity they have to call any object as a work of art and reflects a reality in contemporary art.

Rita Shulenburg

El mago de la arquitectura visual

2008-11-10T21:56:00.000-08:00

Pedro Friedeberg es el mago de la arquitectura visual-fantástica, en su introspección estética plantea utopías que nos permiten regresar a lo primitivo en una suerte de cábala artística. Los signos más recurrentes en su obra son monogramas; ángeles y demonios, palacios y una maravilla de bestiario fantástico. Su legado es la posibilidad de moldear lo absurdo como posibilidad de felicidad. (Octavio Avendaño Trujillo® 2008©).

Pedro Friedeberg

En los Colores del Arte

martes 11 a las 16:00 horas

660 AM

La poética del espacio

2008-11-09T21:32:00.000-08:00

Tercerunquinto es un colectivo regiomontano que ha causado ruido al rededor del mundo, en México es poco conocido su trabajo que reflexiona a partir de dos arquitecturas: la espacial y la funcional. A través de instalaciones y esculturas públicas, Tercerunquinto está perfilando un discurso estético afianzado en la funcionalidad. Este martes 11 de noviembre, no te pierdas la charla que entablaré con este colectivo, en punto de las 16:00 horas por la 660 A.M. O www.imer.com.mx, donde dice Radio Ciudadana.

I Am What I Am, Ikon Gallery, 2008

Instalación, New Langton Arts, 2008

Iluminación pública, Bienal de La Habana, 2006

Gracias a la comunidad universitaria

2008-11-06T15:50:00.000-08:00

Los Colores del Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, UNAM

El arte y la guerra

2008-10-31T13:51:00.000-07:00

¿El arte surgió con la guerra? ¿El fotoperiodismo debe ingresar a los museos? El martes 4 de noviembre a las 16:00 hrs platicaré con el fotógrafo catalán Enric Martí, premio World Press Photo, Ortega y Gasset; así como el Prix Bayeaux de foto. Así también con Joe Duran cámara corresponsal de CNN International, quien ha cubierto guerras en medio oriente.

Los Colores del Arte todos los martes a las 16:00 hrs por la 660 AM o www.imer.com.mx, clic del lado izquierdo superior donde dice Radio Ciudadana.

Los Colores del Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas

2008-10-28T19:43:00.000-07:00

Hacia el nuevo camino

2008-10-27T19:44:00.000-07:00

El arte contemporáneo explora cada vez más problemas científicos, tecnológicos y espaciales, sin dejar de un lado la esfera social. Sin embargo, las reflexiones estéticas en estos ámbitos son escazas, mas no inexistentes, en Latinoamérica. Por eso en Colores del Arte, el martes 28 de noviembre en punto de las 16:00 hrs, tiempo de México por la 660 AM o www.imer.com.mx, Radio Ciudadana, iniciamos una mesa de reflexión con motivo del XIII Muestra Internacional de Performance en el Ex Teresa Arte Actual que inicia el 13 de noviembre.

Nuestros invitados son: Edith Medina, curadora de Accidentes Controlados; Mónica Ruiz, performancera; al igual que Brama Santos.

Para discutir de la relación de espacio urbano nos acompañará Marcela Armas y Omar Barquet.

Sin dejar atrás el humor y cinísmo de Yoshua Okón.

Dejo aquí imágenes y vídeo del trabajo de estos artístas con los que platicaré mañana.

Raquel Tibol

2008-10-11T19:30:00.000-07:00

Octavio Avendaño Trujillo platica con

Raquel Tibol

Este martes 14 de octubre Raquel Tibol será entrevistada en el programa Los Colores del Arte que se transmite todos los martes a las 16:00 horas por la 660 A.M, Grupo IMER (Si estás en otra parte del mundo a través de www.imer.com.mx dando clic en la parte superior izquierda donde dice Radio Ciudadana). En tanto comparto con ustedes la entrevista que le realicé hace cuatro años.

Especial para Diario Monitor, publicada el 15 de enero de 2004

"Yo le canté a Frida Kahlo Se equivocó la paloma”, es uno de los recuerdos que tiene la crítica de arte Raquel Tibol de origen argentino, pero marcada por México. Declarada como una mujer de izquierda independiente, que se ha ganado su trabajo al "chas chas", es de las últimas mujeres que convivió con Diego Rivera, David Alfaros Siqueiros, Frida Kahlo y, hoy por hoy, sigue codeándose con el mundo intelectual mexicano, o más bien, ellos siguen condeándose con Raquel Tibol.

OAT: ¿Qué recuerdos tiene de Basavilbaso?
RT: Basavilbaso era un pueblo muy especial porque tenía muy pocos habitantes, cuando yo nací sólo tenía 5 mil habitantes, hoy más de 100 mil. Era un pueblo típicamente ferrocarrilero. Un recuerdo muy gracioso de mi pueblo es que nos llevaban a la estación a meternos dentro de esta nube de vapor que las locomotoras echaban para curarnos los catarros y gripe.
Otro recuerdo es El Cine Astral, desde los siete años empecé a vender boletos en el cine de mi papá y también recuerdo la tienda, también de mi padre, de las que venden todo tipo de cosas y con mesas de juego; venían los ferrocarrileros a jugar al truco, un juego popular de cartas en argentina. En el pueblo se llegaba hasta cuarto de primaria y si uno quería seguir estudiando tendría que irse a otra ciudad. Todos mis hermanos mayores ya estaban en Buenos Aires con mi mamá, yo era la menor de seis hijos, cuando llegué a la capital tenía 12 años y mi madre había muerto cuando yo apenas tenía diez años.
Muchos años después volví a Basavilbaso a dar una plática en la biblioteca Lucieville, fundada por mi madre, sin embargo tengo más recuerdos de Buenos Aires.

OAT: Después su niñez, de estos recuerdos ¿Cómo se inicia en el periodismo?
RT: Yo no estudié periodismo, yo me hice sobre la marcha. La jefa de redacción del periódico El Mundo convocó a un concurso para las alumnas que salíamos del bachillerato, del Liceo 2, consistía en escribir un ensayo sobre la importancia de la mujer, y me saqué el premio. Empecé a ejercer el periodismo a partir de 1952 en Santiago de Chile, periodismo radial y en la revista Zig-Zag, la misma en la que anuncié a través de una foto mía y de Alejandro Jodorowsky nuestra salida de Chile en 1953.

OAT: Salida precedida por su encuentro con Diego Rivera ¿no es así?
RT: Yo lo había ido a entrevistar para la prensa de Buenos Aires, cuando él llegó (Diego Rivera) a Santiago de Chile para el Congreso Continental de la Cultura, presidido por Pablo Neruda, para prepararse ante la oleada del macartismo en la región. El embajador de Bolivia en Chile le hizo llegar una invitación de Paz Estensoro, en esa entonces presidente de Bolivia, a Diego para que fuera a conocer unos murales de carácter obrerista de Alandia Pantoja; Diego se entusiasmó y me dijo acompáñeme. Ya en Bolivia, sin ser recibido por Paz Estensoro, me pide que me vaya con él a México para organizar el Congreso Nacional. Yo no fui delegada, pero Margarita Aguirre, la secretaria de Pablo Neruda, trabajaba en la misma estación de radio que yo y también era escritora, y me contaba todos los intríngulis de cómo se había preparado el congreso en Santiago; de modo que Rivera vio que tenía eso y me dijo véngase conmigo y preparamos el congreso.
Vine a México, visitamos el Taller de Gráfica, a los escritores, músicos, las revistas. Muchas veces iba sola con el chofer, que más bien, le prestaba servicios a Frida y aunque tambien a Diego y un pariente de Frida en un Ford azul. Andaba de la seca a la meca. Redactamos elementos para dejar papeles en las casas o instituciones que iba a visitar, la última visita fue acompañando a Diego para ir con un funcionario fundamental en el gobierno de Abelardo Rodríguez que era una persona muy cercana a Cárdenas, Narciso Bassols. Bassols, que era una gente de izquierda pero muy realista en el plano político, además de que México estaba muy atacado por el marcatismo más que otros países latinoamericanos, le dijo: “Dieguito no se haga ilusiones, no se va a poder hacer el Congreso”, y en efecto, no se hizo y yo me quedé.

OAT: ¿Ya en Argentina sabía algo de México?
RT: Sí sabía algo de México, porque teníamos un grupo de adolescentes intelectualitos, cada quien tenía su vocación. En ese grupo había un muchacho adolescente que trabajaba en el correo vendiendo estampillas y, a la vez, estudiaba pintura con un colaborador que trabajó con Siqueiros en el único mural que pintó en Argentina, por lo que (el maestro) le hablaba al muchacho acerca de Siqueiros. Él nos traía locos con Siqueiros, de modo que desde la adolescencia yo tenía algo así como que Siqueiros era una especie de Picasso mexicano. Me metí a la biblioteca del Museo de Bellas Artes, era la única biblioteca donde se encontraban libros de arte, eran muy poca bibliografía sobre arte moderno y contemporáneo de México. Cuando me enfrenté con Diego, algo sabía, poquito, del arte mexicano.

OAT: ¿Cómo la recibieron en México?
RT: Llegamos a México y fueron a recibirlo, lo que era su casa chica desde 1946, Emma Hurtado con quien se casaría meses más tarde después de la muerte de Frida, Ruth Rivera, su hija; una pareja de mujeres lesbianas, Elena Vázquez Gómez, colaboradora de Bassols cuando estaba en la Liga de las Naciones y Teresa Proenza que venía del Partido Comunista Mexicano. Entonces ese grupo hizo una pequeña reunión y del aeropuerto fui a vivir a la casa azul, con Frida Kahlo.

OAT: ¿Qué recuerda de Frida, cómo fue su relación con ella?
RT: Yo conocí a un Frida a una etapa previa que le amputaran la pierna, es decir a una Frida con una tremenda angustia, estaba acostada, casi no se levantaba. Ella tenía que calentarse el pie derecho, porque era donde tenía la gangrena para que no avanzara más. Yo nunca había puesto una inyección, pero me acordé cuando mis hermanos estudiaban medicina, lo de la naranja y que practicaban para poner inyecciones. Y me dice Frida: “¿Sabes poner inyecciones?” Y le dije que tal vez podría. Le inyectaba una droga muy fuerte y Frida tenía unas costras porque se lastimaba mucho cuando no tenía quien le inyectara. Lo que me llamó la atención de este clima tan particular es que era una mujer que transmitía energía humana positiva. Y le dije: “Frida, aprovechemos el tiempo y me dictas tu biografía”. Antes de que se operara en el 54, publiqué en el suplemento México en la cultura, fue la entrevista más larga que dio en toda su vida. Tenía una singularidad idiomática, sin tener prejuicios de palabras feas, bonitas, palabritas o palabrotas.
Se dice, Frida lesbiana, todas las películas tienen que poner la referencia. En los escritos hay una mención, una carta que le escribe en 1932 o 1933 a un noble inglés que era ayudante de Diego Rivera en los murales de San Francisco: Clifford Wight, le escribe una carta y le dice: “Georgia O´Keefe es una célebre pintora norteamericana bisexual y fue esposa del fotógrafo Stillings”. Después Georgia O´Keefe se fue a vivir a Nuevo México. Frida le escribe a Clifford Wight: “Georgia O´Keefe estuvo en el hospital se va de vacaciones a las Bermudas, no me va a poder hacer el amor”. Hay otro texto de carácter sexual directo que es un encontronazo de tipo amatorio entre Frida, bisexual, y Carlos Pellicer, homosexual. Ella le escribe una carta donde le agradece que la haya dejado llegar al sol –según los chinos, el miembro masculino lo llaman sol–, es decir, lo masturbó. Son las únicas dos cuestiones directas que hablan de sexo. A Judith Ferreto, enfermera costarricense de Frida le regaló un dibujo, el único dibujo casi pornográfico que le conozco a Frida. Otro dato de las cuestiones lésbicas de Frida lo viví. El máximo coleccionista de Frida, el ingeniero Morillo Safa, que llegó a coleccionar 40 obras de Frida que le encargaba, tenía una hermana que había tenido un tremendo accidente y le habían trepanado el cráneo; había quedado fronteriza: neurótica y lésbica. Frida le dio entrada en un tiempo y luego le cerró la puerta, esta mujer la acosaba y un día le dijo si no me haces caso me enveneno, me mato; Frida se rió, entonces bajó a la cocina a buscar un vaso de agua, tomo el veneno, alcanzo a subir y murió a los pies de la cama de Frida.
El ingeniero era una persona muy prestigiada, estábamos en el estudio, yo estaba redactando en el tapanco, en el escritorio que está todavía y Diego estaba pintando abajo y de pronto le llaman por teléfono, le digo: “Maestro lo llaman de la casa de Coyoacán” y Diego de pronto se echa unas carcajadas que por poco rompen el espejo del estudio. Le acababan de avisar que había muerto la señorita Morillo Sada. Se arreglaron, se sacó el cadáver, no salió en los periódicos.
Yo me salí de la casa de Coyoacán porque hubo un intento de Frida de entablar relación de ese orden, y yo no sabía como reaccionar y le dije ¡bye, bye! Fue en noviembre del 53 cuando me salí de la casa de la familia Rivera Kahlo.

OAT: Frida ha sido un fantasma en su vida, le dejo una tarea ¿no?
RT: Tarea sí me dejó, le ha dado al clavo. He hecho mucho trabajo en torno a Diego y a Frida. Se han dicho muchas cosas amarillentas, tremendismo entorno a la personalidad de Frida. El primer libro, porque hay un opusculito que hizo Teresa del Conde publicado en 1975 a petición del Congreso Internacional de la Mujer, Teresa no había conocido a Frida, en fin hizo su pequeño opúsculo. Pero el primer libro lo publiqué en 1977. Frida Kahlo, crónica, testimonios y aproximaciones. Fue el primer libro de Frida que aparece en Europa. En 83 hice el segundo libro Frida Kahlo una vida abierta, versión en inglés, hace dos o tres años se publicó en Italia. He escrito para Japón, Inglaterra, Estados Unidos, en sueco, ruso, francés, he colaborado en diferentes exposiciones de Kahlo.

OAT: ¿La izquierda?
RT: Yo conocí a Arnoldo Martínez Verdugo, porque fue ayudante de Miguel Covarrubias en el mural que hizo en el Hotel del Prado, cuando entra como secretario del Partido Comunista el trae nuevos aires. Lo conocí cuando fui durante cinco años secretaria de redacción de una de las revistas de oposición más de oposición que hubo en México que se llamó Política que la dirigía Manuel Marcue, de pronto ya había salido de Política o yo estaba en eso, Arnoldo le llamó la atención mi manera de redactar, porque el también colaboraba a veces en Política, y hubo una relación afectuosa intelectualmente e ideológicamente porque yo nunca he sido miembro de partido. Fue esta relación dentro de la izquierda, siempre me he considerado una gente de izquierda independiente; tal vez por temperamento, no atenerme a una disciplina, mantener la crítica, no aspirar a puestos dentro de organismos, etcétera. Al principio me pedían alguna colaboración para el periódico del partido comunista La voz de México. Cuando Arnoldo crea su propio periódico, que se llama Oposición, yo le escribí muchísimos artículos de política internacional. Crea la revista Memoria, entonces yo le hacía para cada número lo que era la editorial gráfica, le hacía una selección de fotografías y hacía una página de introducción, de modo que fueron números y números de Memoria. Seguimos teniendo buena amistad.

OAT: ¿Qué usted quiso ser cantante y actriz, cómo fue?
Yo estudié canto con una de las mejores de Buenos Aires cuando tenía unos 17 o 18 años, yo daba 3 octavas sin estudiar canto y eso es tener una voz natural muy impostada. Cuando hay un hogar donde falta la madre como que todo está medio desbalagado y cuando el padre vive en una población y los hijos en otra, el problema de los estudios, los seis hermanos hicimos nuestros estudios trabajando. Entonces era muy difícil trabajar, estudiar y a la vez estudiar extra pero me metí también un tiempo al conservatorio de música y estudiaba teatro en Argentina. Cuando uno anda entre la adolescencia y los primeros añitos de juventud que anda buscando caminos, bueno, así también preparé mi examen porque yo quería estudiar física matemática, pero no me presenté al examen, andaba en la búsqueda, tenía facilidad para muchas cosas y no sabía donde pararme, al fin de cuentas me paro donde quiero.

OAT: ¿Le gustan los tangos?
RT: Sí, ¡cómo no!, los cantaba muy bien, pero también cantaba La Bruja antes que la cantara Eugenia León y me gustaba mucho cantar corridos. Con Frida empecé, a ella le gustaba que le cantaran, entonces yo le cantaba lo que sabía, mucho antes de que Joan Manuel Serrat cantara Se equivocó la paloma, yo se la canté a Frida ella conoció esa canción porque yo se la canté.

OAT: ¿Cómo afrontó la pérdida de su amigo el muralista Arnol Belkin?
RT: Con Arnol fue así: como a mi siempre me gustó mucho la danza, la primera entrevista que publiqué fue con Luis Buñuel y la segunda con el coreógrafo Xavier Francis, era un norteamericano mulato que había creado un grupo que se llama el Teatro de la Danza, era la avanzada de la danza en México cuando yo empecé a moverme en el medio intelectual mexicano. Arnol era íntimo amigo Xavier Francis y le hacía escenografías a los bailes de Xavier, Arnol estaba casado con una bailarina con Esperanza Gómez, madre de sus dos hijas. Desde el 53 nos hicimos no amigos, nos hicimos hermanos. Cuando Arnol se fue a vivir un tiempo a Estados Unidos me mandó una cantidad de cartas cuando hizo una antología de sus textos, la mitad de su antología eran cartas que me mandó a mí. A él le molestó mucho la negativa de mi parte para hacerle el texto para la antología, porque yo le había escrito muchísima cosas: noticias, catálogos, etcétera, el hecho de que yo me negara hubo un distanciamiento. Pero cuando sintió que se le escapaba la vida, le dijo a su pareja de entonces, porque él cambiaba mucho de paraje; le dijo que me llamara para que lo fuera a visitar, llegué y ya casi no podía hablar Arnold y le tomé la mano y estuvimos una hora con las manos agarradas y sin hablarnos.

OAT: ¿Las críticas hacia usted? En una entrevista llama al dibujante Nahúm B. Zenil como un homosexual mañoso, que pinta y piensa de esa forma ¿Qué pasó ahí?
RT: No, bueno, fue así: Nahum Zenil se cree que es heredero estético de Frida, yo no lo creo así, él si es una de las columnas del arte gay en México, digamos, maneja obviedades, Frida no se la pasaba todo el día pintando vaginas, clítoris u ovarios. Nahúm es obvio, usaba el asunto homosexual con alegorías, muy bellas. Quien echó las campanas fui yo. Después cuando se casó demasiado mucho en el falismo, con repetición de técnica, dibujo coloreado, siempre igual. Si usted pone dos cuadros de Frida, no se parecen técnicamente, compositivamente, esa es una de sus virtudes: la variedad. Yo aveces le señalé de un obvio sentido gay y se puso fúrico y empezó a hacer algunas caricaturas, algunas se las publicó Braulio Peralta, cuando hacía la revista X, eran feroces, estoy acostumbrada a que me hagan feroces caricaturas. No me he enojado con Nahúm, él se ha enojado conmigo. Al principio éramos muy buenos amigos, yo tengo uno de los muy buenos dibujos pintados de la serie de los Monólogos. Yo no tengo problemas con Nahúm, él se los ha creado conmigo.

OAT: ¿Cómo percibe la comunidad intelectual en México?
RT: No creo que estén despalagados. Por ejemplo, Monsivaís y Pacheco eran como hermanos mellizos desde el punto vista intelectual, alguno fuera gay y el otro no. Monsivaís muy cercano de Florescano. Todos se mueven entorno a revistas y editoriales se agrupan intereses intelectuales.

OAT: ¿La nueva oleada cultural?
Los ponk´s, Dj´s, los dark, los que navegan en Internet, el Chopo, son los jóvenes con las nuevas maneras de comunicación. No me muevo tanto por las exposiciones por limitaciones familiares, inclusive físicas, he estado al tanto de lo que pasa en el entorno cultural. Lo que divide a la comunidad intelectual son las famosas becas del Fondo Nacional, por la pelea de que si me dan la beca a mi o a ti, la auto censura. Yo nunca he pedido una beca, he vivido de mi trabajo, siempre he vivido al chas chas de mi trabajo. He hecho trabajos para Bellas Artes, pero como free lance. La casa de Alfonso Reyes yo la convertí en museo. Cuando fue el centenario de Zapata yo la monté y completé, rescaté por ejemplo que Zapata le decretó pena de muerte al Doctor ATL, Zapata era espía de Carranza en las tropas del ejército del sur, se las pita el doctor ATL. Otra cosa que no me dejaron poner, es la carta que le dedica Zapata a Carranza. No hay un documento del sub Marcos y los zapatistas actuales que tenga la contundencia de esa carta. No me la dejaron poner. Es la crítica del sector campesino, consiente, de izquierda al sector burgués que se está trepando.

¿Qué anhela del pasado y qué disfruta del presente?
Del pasado gran parte de la memoria de ese pasado está en mis trabajos, he pasado paso a paso, de modo que con el pasado estoy en buenos términos. Le debo cosas, a partir de Diego me abrieron puertas. Tengo una gran deuda con esas personas que me abrieron las puertas. Y para el presente criticar lo que es criticable.

¿Tiene alguna obra en puerta?
Creo en las saladas

¿Cómo es un día cotidiano en la vida de Raquel Tibol?
Es un secreto de familia.

¿A qué hora se levanta?
Siete y media, me acuesto 12, 12 y media. Siempre duermo poco.

¿Manías?
Sumar números, a ver si da el 18, me gustan los múltiplos de 7. El 18 siempre he tenido cariño por esa fecha. Mi hijo nació en el 58. Me gustan los números capicúa.

Navíos

2008-10-04T10:35:00.000-07:00

Una de las realidades estéticas del arte contemporáneo son los diferentes navíos que utilizan los artistas para apuntalar su correlación con el arte. Como el caso de Jorge Satorre, artista conceptual mexicano que utiliza las referencias históricas para trasladarlas a un terreno de experiencia personal. Sus fuentes pueden ser el Landa art, el post animal, la microhistoria y recursos de corte absurdo. Y como tendencia global no podría faltar la referencia del etnoscape con el trabajo del chileno Leonardo Hip-Herrera que se apropia de objetos para intervenirlos con pintura, retomando elementos indígenas y culturales propios de la región. Este martes Jorge Satorre, Leonardo Hip-Herrera, Agustín González, Luis Hurtado y Emilio Espinosa en Los Colores del Arte, el martes a las 16:00 hrs por la 660 AM, Radio Ciudadana o http://www.imer.com.mx/

Leonardo Hip-Herrera

Jorge Satorre

My life

2008-09-10T20:13:00.000-07:00

Francisco Nieva

2008-07-17T16:23:00.000-07:00

La vanguardia como
fatalidad o destino

Octavio Avendaño Trujillo
entrevista con Francisco Nieva

El sol español broncea Miraflores de la Sierra , a 49 kilómetros de Madrid. En el pueblo me espera José Pedreira, asistente de Francisco Nieva, para llevarme a la casa del dramaturgo español y miembro de la Real Academia de la Lengua Española. Ya una vez en la casa, que se encuentra en la parte más alta de la montaña, el autor de La carroza de plomo candente me recibe con entusiasmo y me recuerda: "Yo fui muy amigo de Octavio Paz." El dramaturgo de ochenta y cuatro años montó la escenografía para El rey se muere , de Ionesco (1964) y Marat-Sade , de Peter Weissen en 1968. En 1992 recibió el premio Príncipe de Asturias y el Premio Nacional de Literatura.

Fotos: www.eldigitalcastillalamancha.es

–¿Cómo transcurrió su infancia manchega?

–Fue una infancia muy feliz, era hijo de unos burgueses liberales, incluso de izquierda; gente intelectual. Me vi muy informado de lo que era el arte español de aquel momento, porque mis padres siempre estaban al tanto de esas cosas y me las transmitían, no en plan didáctico, sino simplemente como trato de padres e hijos. Me acuerdo que mi padre, cuando yo tenía unos cinco o seis años, me sentaba en sus rodillas y me leía las Greguerías de Ramón Gómez de la Serna que fue, como sabes, un gran defensor de los ismos, del cubismo, del surrealismo; un gran adelantado de las vanguardias en España. Y eso parece que me lo infundieron en la sangre. Mi padre intervino en el gobierno de la República como gobernador de Toledo durante un tiempo y, cuando llegó la posguerra, me vi propiciado a marcharme de España para buscar mejores perspectivas para mis bienes artísticos.

–Milena Milani fue muy importante en su desarrollo artístico, ¿cómo fue?

–Era amiga de (Alberto) Moravia y la conocí en Madrid. Fue mi providencia porque estuvo visitándonos en mi casa a Carlos Edmundo Ory, un poeta muy apreciado, y a mí. Y dijo: “estos chicos qué hacen aquí, se están desarrollando en la España de Franco donde no se van a poder lucir para nada”, y se lo dijo a Elías Piterbarg, que era un psiquiatra argentino que, como muchos psiquiatras argentinos, era bastante rico, pues nos acordó una beca a mi amigo y a mí para ir a París. Para mí fue una suerte, porque me recomendó con mucha gente importante como José Corti, quien me tomó un poco como su hijo, porque a su hijo lo habían matado en un campo de concentración. Fue muy tierno conmigo. Él se dio cuenta, a través de mis dibujos, que yo necesitaba afecto, calor, y necesitaba alguien que me escuchara.

–Usted se encuentra en Italia cuando el neorrealismo está en su momento cúspide.

–El neorrealismo en mi tiempo era una gran novedad, pero también estaba atravesado en algún momento por el surrealismo. Había un gran momento de libertad expresiva. El neorrealismo era una protesta de tipo social pero entrañaba mucha modernidad en el modo de enfocar las cosas. Yo practiqué más el relato fantástico, que era muy crítico. Tomé ese camino porque también me inducían las tendencias de mi tiempo, como Inoesco o Beckett. Yo tenía treinta años cuando asistí al estreno de La cantante calva de Ionesco y más tarde Esperando a Godot. Todo eso debió influir en mi dramaturgia.

–Usted mantuvo una relación muy estrecha con Ionesco.

–Llegué a conocerlo personalmente y traducir su obra al castellano. Hubo una gran simpatía, y eso que no tanto entre Arrabal y Ionesco, que se conocieron mejor. Pero tuve la ocasión de tratarlo y encontrar que era casi un santo en algún aspecto; era una persona extraordinaria. No es que me dejara influir, es que coincidía con él en el modo determinado de leer el teatro. Y me acuerdo que cuando Ionesco estuvo en mi estudio le estuve enseñado mis famosos teatritos de cartón y él había jugado más o menos con los mismos y también le habían gustado los cómics como a mi, como nos gustan a todos. También coincidíamos en el gusto por las películas de misterio, de policías. Todo eso está en el fondo de un gran dramaturgo como Ionesco. Muchas cosas que pertenecen a la vida corriente y de todo mundo. De ahí viene también la ramificación de lo absurdo como crítica social.

–Sin embargo también tiene influencia del teatro de Goldoni.

–Tuve ocasión de vivir siete años seguidos en Venecia, Italia. El teatro de Goldoni lo viví de cerca. Aquello fue verdaderamente una aventura intelectual, donde me di cuenta que Italia podría ser mi segunda patria porque hay belleza por todas partes, la gente es muy sensible, siempre tienen en la boca el bello y verdaderamente Italia es muy cautivadora. El teatro del siglo XVIII me influyó bastante pero, claro, es una influencia que después reciclado todo eso se puede tildar de nuevo u original. Yo tengo una gran influencia del mundo italiano. Inclusive el renacimiento tardío español depende del italiano.

–¿Cómo fue su experiencia con Felsenstein, en Alemania?

–Seguíamos en guerra cuando llegué a Berlín. Había muchos edificios ruinosos, había cantidad de palacios vaciados por dentro y muchas veces escuchabas de lejos caer los edificios en ruinas y era una cosa muy medrosa. En general ese Berlín comunista era muy medroso. Yo estaba trabajando con la ópera cómica con Felsenstein, que era uno de los grandes directores de escena; era austríaco, judío. Me presenté a él y se estableció una simpatía entre nosotros dos; vio mis dibujos, todo lo que había hecho para la escena y me lo alabó, pero al cabo de cuatro o cinco días me llamó a Venecia diciéndome que quería que me encargara del ballet Cinderella de Prokófiev y entonces pasé casi un año, nueve meses, en Berlín y aprendiendo muchísimo. Pude conocer a directores, escenógrafos, como el checo Svoboda. Allí me relacioné con gente que ya había conocido en Francia como Jean Vilar, el director del Teatro Nacional Popular. El trabajo en el extranjero, tanto en Berlín como en Palermo y Sicilia me dieron mucha experiencia. Rechacé una carrera de director de registral de ópera porque hay que moverse demasiado, había que viajar demasiado y a mí me gustaba quedarme en casa a escribir o dibujar. Últimamente, fue una Carmen en el Teatro Massimo de Palermo. Esa condena de hacer otra vez Carmen ya se acabó. Me dedico a escribir y hacer teatro en mi país. Trunqué la carrera de un director cosmopolita, digamos, internacional, pero me fue mejor porque necesito esta tranquilidad para escribir mejor.

–Su teatro se caracteriza por la crítica social, una de sus obras más feroces es Pelo de tormenta.

–Unos de mis grandes éxitos ha sido Pelo de tormenta, tiene casi la forma de una ópera, pero en vez de cantada es hablada y, claro, es el drama de la España sojuzgada por los Borbones del siglo XVIII; naturalmente, hay una crítica y burla hacia la España negra.

–¿Orgía y revolución?

–El sexo es muy revolucionario y muy rebelde. Sin duda alguna he tocado esa parte de la sociedad, del ser humano. Además, en un ambiente restrictivo, dictatorial. Todo eso era un escándalo. Claro que tendía a la liberación de la mujer, de los homosexuales, transexuales y, naturalmente, me puse de parte de todo eso. Mi teatro desde el principio fue muy revolucionario. En el fondo no tanto, pero en España, después de acabada la dictadura, se pudieron estrenar mis cosas que antes estaban prohibidas.

–Ya que estamos en esto del franquismo, ¿cómo percibe a España actualmente?

–Queda una estela del franquismo y eso desaparecerá progresivamente, pero la derecha española sigue dando guerra porque en los últimos tiempos ha perdido. Por América siento un afecto especial, porque he recibido una idea muy romántica de América; también es cosa de mi tiempo y ahora no creo que no haya antiamericanismo por parte de España, sino antiestadunidismo. Y claro, América para mí ha tenido una resonancia legendaria, ya sea por los conquistadores, por lo que sea. Todo eso tiene un halo romántico que me seduce. Lo triste para mí es que no he visitado México. Mi amigo Octavio Paz me invitó muchas veces a ir, pero estaba tan apasionado con mi trabajo que lo demoré y ahora que Octavio ha muerto pues no sé, me encontraría muy solo ahí, pero me gustaría ir.

–¿En qué condiciones conoció a Octavio Paz?

–Era un chico que hacía conquista con las francesas como no te podrías imaginar, así. Era un don Juan. Nos conocimos porque una amiga mía se convirtió en su amante y entonces, claro, tuvimos un contacto muy íntimo porque era el amante de esta amiga mía, quien por cierto me alquiló su casa en Venecia, que pertenecía a un pintor muy famoso, su tío, y en esa casa gozamos muchísimo, tanto Octavio como yo. Lo que pasaba con Octavio es que era diplomático y viajaba mucho. No he conocido a una persona tan culta y tan graciosa, con un ángel muy especial, como Octavio. Fuimos muy amigos. Incluso me ocupé, tras su muerte, de una conferencia, rememorándolo con tanto cariño en el círculo de lectores; se notaba que le tenía yo un gran afecto. Me parece que Octavio me adivinaba de lejos. Yo decía: ¿me habrá leído realmente con atención? Pues muchísima. No sé si era eso o era un gran instinto. Vivimos aquel momento de Garra Street en Londres, estos chicos de las flores, toda esa gente que comenzaba a aparecer. Él guardaba las formas por ser diplomático, pero lo vivíamos.

–¿Cómo influyó la vanguardia española en su trabajo?

–La vanguardia española ha sido muy diversa y muy profusa, ahí tenemos García Lorca, a Buñuel. Esa vanguardia española me ha influido mucho, de eso también hablaba con Octavio Paz. A mí me iniciaron en la vanguardia en París relacionado con Octavio Paz, Roberto Matta y tantos más. No lo hice de manera deliberada, no dije “voy a ser vanguardista”, lo que yo escribía quería transmitir varias cosas a la vez, la parte social, la parte dañina de la sociedad, criticarla, burlarme, jugar con ello. Son nuevas leyes, por ejemplo un cuadro cubista está faltando a las leyes comunes de la perspectiva, pero encuentra otra perspectiva, otro sistema para expresarse. En fin, se es vanguardista por destino o por fatalidad.

–¿Qué opinión tiene de la Movida española?

–Estuvo muy bien, luego se desinfló. Fue algo muy gracioso. Ahí se reveló Pedro Almodóvar, quien me daba sus escritos para corregir, yo le decía que escribía muy bien. Le daba confianza. Estuvimos a punto de colaborar en Átame, luego no nos entendimos del todo, pero guardamos amistad entre nosotros.

–¿Qué opinión le merecen el performance y el teatro alternativo?

–En las decadencias, si recordamos la decadencia de Roma, por ejemplo, el teatro que se hacía era un teatro muy frívolo. Posiblemente estemos viviendo una decadencia también, porque el teatro ha tomado ese aire circense de número excepcional y ha perdido valor literario.

–¿Qué le ha conmovido y qué ha sufrido, maestro?

–La belleza es lo que más me ha conmovido. Ha habido también una influencia de la guerra. Yo tenía como diez años cuando se produjo la guerra y ese choque fue para mi determinante, sobre todo en mis ideas políticas. Cuando terminó la guerra quise afiliarme al Partido Comunista en Francia y finalmente desistí, porque una amiga que había trabajado con Stalisnavsky me dijo cuánto habían sufrido con los comisarios de la cultura y con las exigencias y represiones del comunismo, cosa que me echó para atrás. Pero no dejé de ser marxista. Siempre he votado a la izquierda en España y ahora esta resurrección de la derecha agresiva me tiene un poco confundido, sin duda alguna.

–Actualmente, ¿en qué está trabajando?

–Estoy haciendo algo que, en el fondo, se trata de un tormento porque me estoy releyendo de nuevo. Se van a publicar mis obras completas en Espasa Calpe. Y estoy haciendo una revisión de todo lo que he escrito, y como he escrito tanto, a veces me apesadumbra tanto leer. Tenía que haber escrito menos, no tengo más que releerme.

–¿Francisco Nieva?

–Los artistas nos hacemos a nosotros mismos y también podemos falsificarnos, hay que tener en cuenta eso. Soy lo que he querido, no sé cuáles son mis méritos auténticos, eso lo dirán los demás. A mí me queda por hacer poco, he hecho lo que he podido, y ahí está.

Entrevista con Amparo Dávila

2008-02-16T09:32:00.000-08:00

Entrevista con Amparo Dávila
Por: Octavio Avendaño Trujillo

(Entrevista publicada en Confabulario el 16 de febrero de 2008, El Universal)

Foto: Hugo Guzmán Hernádez

La importancia de la narradora y poeta zacatecana Amparo Dávila (1928) se resume en dos aspectos: fue una de las primeras escritoras en dejar atrás el nacionalismo mexicano impuesto por los muralistas, proponiendo una prosa cosmopolita y austera en libros como Árboles petrificados (Premio Xavier Villaurrutia, 1977), y por otra parte, es de las pocas figuras de las letras mexicanas que incursionaron, desde una perspectiva particular, en el género fantástico. El terror que Amparo Dávila incorpora a su narrativa procede de la realidad; nos enfrenta a nuestros terrores internos, nosotros mismos nos delatamos ante nuestra ignorancia de lo que llamamos realidad. Su obra para nada es gótica ni fantástica; la propia autora declara que es realista, pero su realidad proviene de una infancia llena de terrores, de fantasmas, de muertos y de soledad.

Pertenece a la generación de medio siglo y no tiene empacho en aceptarlo; sin embargo, es una autora de culto con tan sólo cuatro libros de cuento y tres de poesía. Nunca perteneció a mafias, pero a lo largo de su vida tuvo amistades que la dejaron marcada: Julio Cortázar, Alejandra Pizarnik, Guadalupe Dueñas, Inés Arredondo, Alfonso Reyes, Luis Mario Schneider y Pedro Coronel, su marido. Ahora, como ella dice: “Se me han ido todos, no me queda más que recordar muertos”.

A las seis de la tarde llegamos a su casa, un remolino de viento nos recibe. Avanzamos precedidos por Guadalupe una trabajadora de la casa. El vestíbulo comienza a llenarse de gatos que nos merodean e intentan indagar nuestras intenciones; a lo lejos, proveniente de la cocina, Amparo Dávila se aproxima, y enseguida nos comenta que no había podido recibirnos porque estaba revisando Con lo ojos abiertos, su nuevo libro que será editado por el Fondo de Cultura Económica, además de que un año antes tuvo un accidente que no le permite caminar bien; sin embargo a sus 79 años se encuentra lúcida y alegre; aunque muy pensativa. Esta primera visita la tuvimos cinco días antes de Navidad. En una segunda ocasión, ya sin que los gatos cuidaran a su dueña, se muestra más alegre, le acaban de decir, minutos antes de nuestra llegada, que será homenajeada en Bellas Artes.

OAT: Antes de llegar a su casa pasamos por el panteón San Francisco, es curioso porque desde niña estuvo muy cerca a los muertos ¿no es así?

AD: No había cementerios en algunas rancherías cercanas a Pinos (Zacatecas) y a Pinos iban a enterrar a los muertos. Yo los veía pasar, tendría cuatro años, desde la ventana de la biblioteca de mi padre veía pasar la muerte en caravana. Pasaban a veces en una carreta o sobre el lomo de una mula.

OAT: Como la muerte de sus hermanos, Leoncio y Luis Ángel.

AD: Fue una experiencia muy dolorosa. A mi primer hermano no lo conocí, porque todavía yo no nacía, se llamaba Leoncio. Nací yo y luego nació otro hermanito, Luis Ángel. Murió cunado éramos pequeños. Él tendría cuatro años y yo cinco. Fue una de las experiencias más dolorosas de mi vida, porque conocí la soledad, y para una niña de esa edad es tremenda. Como éramos dos: él se fue y me quede completamente sola. Mi padre vivía entregado a sus negocios y mi madre desolada por la perdida de su hijo, vivía entregada a su dolor. Conocí el terror porque vivía en Pinos y las noches eran muy frías; me sentía muy sola, con mucho miedo; entonces mi refugio eran los perros y los gatos -y desde ahí lo han sido-, sí, exactamente, siempre lo han sido, siempre han sido compañeros inseparables de mi vida.

OAT: De hecho, los primeros seres que le dieron calor eran los gato — se acomodaban en su cuna.

AD: Exactamente ¿En dónde leyó eso?... Por eso es que hay tanta cercanía con los gatos. He convivido con ellos siempre; han estado muy cerca de mí. Y los perros también.

OAT: Alfonso Reyes, que conocía sus miedos, le recomendó que visitara al psiquiatra Pascual del Ronca. ¿Aún tiene esos miedos?

AD: Pascual del Roncal era un ser extraordinario, español refugiado, pero desdichadamente era un hombre entregado a su profesión, a sus pacientes; se olvidaba de sí mismo. Él se descuidó una úlcera y murió, desdichadamente para mí y otros pacientes. Él me decía: "Te voy a sacar adelante de todos tus terrores, de todas tus angustias, de tus miedos a menos de que me muera" y así fue: se murió. Logré superar la mayoría de mis miedos a través del doctor Del Roncal. Vivo con algún miedo de vez en cuando, pero ya no es el terror a la oscuridad.

OAT: Usted tenía 26 años cuando en 1954 llegó al Distrito Federal ¿Cómo llegó, quién la recibió?

AD: Viajé con mi madre, porque se habían divorciado mis padres. Llegamos en carro. Yo decidí venirme a México cuando tuve la conciencia de dedicarme a la literatura. Ya tenía muchos amigos en México que me alentaban a seguir adelante; entre esos amigos estaba Alfonso Reyes a quien había conocido en San Luis Potosí. Él había ido a unos cursos de invierno y nos lo habían presentado a los jóvenes que empezábamos a escribir; entonces él me dijo que cuando viniera a México lo buscara a él y a Manuelita, su esposa. También conocí a Agustín Yáñez a María del Carmen Millán. Llegué con muchos amigos, con gente que me recibió muy bien, así que no me fue difícil llegar y moverme aquí en México.

OAT: Sin embargo, en provincia publicó poesía y en la ciudad cuentos ¿Tuvo la ciudad algo que ver con que usted dejara de publicar poesía?

AD: No, nada tiene que ver. El cuento me apasionó. Encontré tanto camino en el cuento… Vacié la caja de Pandora que se abre llena de misterios y cosas. El cuento es inagotable; puede uno morirse y no se agota, y la poesía me apasiona mucho, inclusive tengo un libro de poesía que no he publicado.

OAT: ¿Que elementos los unían a usted y a Julio Cortázar?

AD: Nos unía la literatura, la pasión por los cuentos, la pasión por los gatos, la pasión por el jazz. Varias pasiones nos unían. Estaba sorprendido por la cercanía que me encontraba con Edgar Allan Poe, y le dije: "Te equivocas, no he podido leer a Edgar Allan Poe porque me enfermo de colitis cuando lo intento”. Y él me dijo: "¿Pero como es posible si tienes tanto de Edgar Allan Poe?" y me regaló la traducción que hizo durante su luna de miel con Aurora Bernárdez de los cuentos de Edgar Allan Poe.

OAT: Hablando de semejanzas, ¿qué opina de que Aura de Carlos Fuentes es un pastiche de “La Cena” de Alfonso Reyes?

AD: Hay algunas otras personas que dicen lo es de Los papeles de Aspern de Henry James. Yo pienso que tal vez sean influencias que no asimiló muy bien Carlos, porque la literatura es tan enorme y vasta que puede haber afinidades, influencias. Se queda uno impresionado con una obra y de pronto uno escribe algo que cree que es suyo y se da cuenta que es un remedo de lo que leyó.

OAT: Usted publicó en 1959 Tiempo destrozado, y siete años después obtuvo la beca del ya desparecido Centro Mexicano de Escritores.

AD: En esa época, cuando tuve la beca, murió mi padre. Para mi fue un golpe espantoso. No me imaginaba que moriría y de pronto llegó el cáncer y se lo llevó. Entré en una depresión tremenda y me fui a San Luis a enterrarlo. Se me olvidó que tenía la beca y me tuvieron que hablar diciéndome que tenía que regresar para asistir a las juntas y demás cosas. Llegué toda enlutada, como se usaba en provincia, con un velo negro sobre la cara y, ¡bueno!, pegaron de gritos. Me dijeron: “Te levantas el velo porque nos espantas”. Yo no daba una, porque estaba profundamente deprimida y, entonces, José Agustín y Salvador Elizondo me decían: “Mira, te fumas un cigarrito de mota y verás como se te acaba la depresión, haznos caso, ándale fúmate uno”. No lograron convencerme. Fui saliendo de la depresión poco a poco.

OAT: ¿Por qué hace 30 años que no publica ningún libro?

AD: Porque yo no escribo constantemente. Yo vivo mucho, intensamente; no dejo pasar la vida, sino que la gozo; pienso, medito y hasta que realmente tengo necesidad de escribir, escribo, pero no escribo compulsivamente como muchos escritores, sino que voy rumiando, meditando mis preocupaciones.

OAT: ¿Cuál es su opinión del género del cuento?

AD: El cuento es difícil. A todos los escritores les ha seducido. Cortázar decía que: “Si de todos los cuentos que he escrito uno o dos son cuentos redondos, me doy por satisfecho”. Lograr un cuento es bastante complicado. La literatura ha sido una larga y terca pasión amorosa en la cual he sido una amante inconstante, pero no infiel. Inconstante porque dejo de escribir mucho tiempo por circunstancias muy especiales, pero infiel no porque sigo en eso, así como una larga y terca pasión amorosa. Es apasionante.

OAT: ¿Cree que los tres ejes de su narrativa son el amor, la locura y la muerte?

AD: Son temas fundamentales que siempre me han perturbado. El amor que es tan misterioso, que nunca sabemos cuándo llega ni cuando se va, además se nos va de las manos cuando menos lo pensamos. La locura porque siento yo que es un hilito tan fino que en cualquier momento se pueda romper. La muerte es una inquietud, una desesperación. Por eso son mis temas fundamentales.

OAT: Algunos críticos encasillan su obra en el género gótico y otros en la fantástica…

AD: Lo que yo escribo es acerca de la realidad que para mí no es una realidad común y corriente. Yo creo que cada quien vive su propia realidad, por ejemplo. Yo la realidad la vivo con dos caras: la cara cotidiana que es la que constantemente está sucediendo, lo que tiene un sentido, una lógica en la realidad; y la otra cara, la cara oscura de la realidad, donde no hay lógica, no hay un porqué.

OAT: Cristina Rivera Garza declaró que La cresta de Lión (2002) es un diálogo intertextual con su obra ¿Le gustó el libro?

AD: No me gustó. Me invitaron de la editorial para que lo presentara, dije que me sentía muy alagada por haber sido tomada como personaje, por un lado; pero por otro no porque no me gusta ni el desarrollo ni el personaje que yo era en ese libro. No podía presentarlo, porque para presentar un libro uno tiene que creer en éste y encontrar virtudes, aciertos, cualidades que yo no encontré, y por eso me negué a presentarlo.

OAT: Alrededor de su figura se han hecho mitos, entre ellos su edad… Aquí entre nos, maestra, Emmanuel Carballo dice que nació en el 23, usted en el 28.

AD: Bueno, apague la grabadora (risas). Yo creo que nací en el 28. Emmanuel se basa en que una vez en una antología que publicaron en San Luis pusieron, por equivocación, el 23 y entonces Emmanuel lo dio por hecho, pero es igual..

OAT: ¿Cuál ha sido su tiempo destrozado?

AD: El tiempo me perturba muchísimo en el sentido de que un minuto que pasa no vuelve. Uno de mis sueños sería como destrozar el tiempo, que ya dejara de atormentarnos, que ya no siga corriendo. Esto es mí tiempo destrozado.

Entrevista con Enriqueta Ochoa

2008-02-03T21:03:00.000-08:00

Enriqueta Ochoa con Octavio Avendaño

(Publicada en La Jornada Semanal Domingo 28 de enero de 2007 Num: 621)

Enriqueta Ochoa (Torreón 1928) es una poetisa mística que ha enriquecido la poesía mexicana por la particularidad temática de sus poemas, alejada de la bohemia y enclaustrada en la prudencia. A los diecinueve años escribió su primer libro, Las urgencias de un Dios, publicado en 1950. Uno de sus poemas más reconocidos es Retorno de Electra (1976)fue el fruto de un trabajo interno y un luto perpetuo. Ataviada por su enfermedad y sus setenta y ocho años de edad, decide salir por un momento de su prudencia y hurgar en la memoria.

¿Cuáles son las urgencias de su Dios?
–Cada religión inventa a su Dios y cada religión explota a su Dios. Eso me da mucha tristeza porque yo siempre me estoy recomendándome a mi Dios; mi dios no coincide con los miedos ni las promesas. Debe de haber un respeto a Dios, pero lo inventan a su manera. A mí me da miedo, porque no sé si estoy equivocada. La naturaleza, la entrega absoluta del hombre hacia la creación de todo lo que hay sobre la tierra y fuera de la tierra; ésas son las urgencias. Por ejemplo, ahorita que murió mi mejor amigo que he tenido durante sesenta y cuatro años, ya no puedo dormir en las noches. Pero ahora que él murió me pregunto, bueno, necesitamos saber de dimensiones físicas, espirituales, y psicológicamente, todo lo relativo a Dios. No sabemos a dónde vamos. Yo sí tengo miedo. ¿Después de esto? ¿Dónde despertaré? Esas son mis urgencias.

–Usted se enfrentó a la censura por escribir ese libro, ¿cuénteme como fue?
–Eran de tipo religioso; había un grupo de mujeres como las de la vela perpetua que escucharon cuando los sacerdotes pedían que no compraran mi libro. Claro que toda la gente corrió a comprarlo para saber por qué no. Se me acabaron en uno dos por tres todos mis libros, no quedó ninguno para mí, y la consigna venía de lo alto de Iglesia. Ellos se preguntaban cómo era posible que una niña de diecinueve años viniera a decir esto.

–¿Cuál es su forma especial de escribir, de inspirarse?
–A mí me dictan. Me dice mi hija: "Ay mamá, no vuelvas a decir eso, porque la gente va a decir estás loca." Le digo: "Hija, necesito un ambiente especial, un paisaje bello, una música hermosa, concentración muy profunda para que yo pueda escribir algo. Yo siento un dictado." Por eso defiendo mis cosas, porque no vienen de mí, vienen de muy lejos. Durante toda mi vida necesitaba estar sentada en flor de loto para poder escribir, lo que dio por resultado que ahora no pueda caminar. Se me lastimaron mucho mis rodillas, de repente un día me caí.

–Rosario Castellanos alguna vez dijo que usted era una niña boba. ¿Cómo fue su relación con la escritora chiapaneca?
–Era egoísta a morir. Ella no soportaba que existiera otra voz. Mire, Lolita, [Dolores Castro] es un ser muy elevado, ella la cuidaba, la quería y soportaba a Rosario Castellanos. Sin embargo, se quedaba uno a solas con Rosario y no hacía más que hablar mal de Lolita Castro y disminuirla lo más que se podía sólo porque era otra mujer que escribía. Rosario era mala. Toda la gente la conoció como la mujer más inteligente, intelectual, muy buena, y es la gran mentira. Es la gran mentira. Ni a su hijo lo amó, no fue capaz de dejar, ni siquiera, su vanidad por vivir más cerca de su hijo. Fue una mujer detestable. Ella quería la inmortalidad, quería para ella todo lo mejor de la tierra, pero sobre todo, ser el único lugar, el más alto posible. Pero le llegó un accidente y se ahogó.

–¿Accidente que puede ser interpretado como divino?
–¿Verdad? Porque fíjese que cuando mandan a la Tierra a un poeta se vuelve un ser escogido. Un ser que viene a sufrir horriblemente para responder a lo más alto. Rosario se creció, se sintió que tenía que ser Octavio Paz. Disminuyo a mucha gente, lo más que pudo. Yo no puedo hablar bien de alguien que fue malo.

–¿Enriqueta Ochoa es la virgen terrestre?
–Son muchachas que se quedaron a esperar al novio toda la vida. Hay una plaza que le llaman Plaza de las Armas donde todos los domingos había una banda que tocaba una música muy romántica y empezaban a circular las mujeres y hombres para conocerse. Pero no había hombres. Y yo observaba eso y me daba muchísima tristeza, y decía: "Voy a viajar y, en algún viaje, conoceré a quien será mi esposo." No lo conocí. Pero quien fue mi esposo era francés y lo conocí en la casa de mi maestra de inglés. Se llamaba François Toussaint y me dio una hija muy hermosa.

–El Fondo de Cultura Económica está recopilando su obra.
–Yo me encontré a mí misma mucho, ahorita me están haciendo mis obras completas en el Fondo de Cultura Económica. ¿Usted cree que Rosario Castellanos hubiera permitido que una niña boba del norte, como yo, se le publicara en el Fondo de Cultura? Nunca. Entonces me mantuve a la sombra y me dejó descansar un poco, pero el Fondo ya sabía dónde estaba el peligro y ahorita ya me están haciendo mis obras completas. Si yo no he permanecido en la sombra, me hubiese hecho pedazos Rosario, de por sí desde que me conoció se puso como lince, lista. Ella sabía quién podía y quién no podía. Yo no digo que soy mejor o no que ella, pero me hubiese hecho pedazos.

–¿Cómo fue su amistad con Gabriela Mistral y Jaime Sabines?
–Gabriela Mistral era una mujer muy sencilla, sensible y muy conocedora del esoterismo. Tenía un puesto diplomático en Rapallo, Italia y le llevé un libro, así la conocí. Jaime Sabines era un señorón, era mucho más poeta que Octavio Paz. A Jaime Sabines sí le correspondía el Premio Nobel.

–Usted practica el esoterismo, ¿cuál es la visión que le da?
–Soy esotérica. No puedo dormir en las noches por la angustia que siento por las preguntas esotéricas, como es la de las dimensiones, a dónde vamos, cómo tenemos que prepararnos para ese otro viaje que hay que hacer. Mi padre era un buen hombre y él era esotérico. Gabriela Mistral también era esotérica, y pues de eso platicábamos todo el tiempo. Por ejemplo, Pita Amor era una gran poeta, sin embargo ella tomó todos los poemas de San Juan la Cruz para cantarle al demonio, como esa carta a San Juan, ¿qué tenía que meterse con San Juan? Intentaba entender a Pita Amor pero no podía. En esos grandes fiestones –me contaban porque yo vivía en Torreón– de pronto entraba Pita Amor con un abrigo de pieles y cuando ya estaba ante todos los demás, para llamar la atención se quitaba ante todos el abrigo de piel y estaba totalmente desnuda ¿Qué tenía que ver eso con la poesía? Entonces sí la atacamos muy feo, y digo la atacamos quienes entramos en la ruptura. Ella supo que andaban en Nueva York Lolita Castro y Rosario Castellanos; pues fue a buscarlas para matarlas porque se le pusieron en contra. Ha sido muy feo el camino de las mujeres, si yo no hubiera guardado la discreción que me recomendó mi maestro no estuviéramos aquí platicando.

–¿Por qué Retorno de Electra fue un milagro?
–Me siento muy contenta de haberlo escrito porque lo escribí cuando todo era terrible. Cuando yo escribía mis poemas los hacía bolita y los iba quemar. Pero como me conocía muy bien, un día decidí sólo hacerlos bolita y ponerlos en una bola de estambre en donde le tejía a mi hija sus suéteres. Ahí permanecieron. De ahí surgió el Retorno de Electra, hasta que un día en que me encontraba muy mal económicamente, los saqué y los pasé en limpio. Le gustaron mucho a Emmanuel Carballo y a Flores Tapia, quien le preguntó a Emmanuel Carballo por qué no había publicado esos poemas. En ese momento le extendió un cheque y le dijo que los quería para tal fecha. De ahí salió el Retorno de Electra. Fue un milagro.

–¿Qué ha callado?
–Mi poesía es casi mi vida, ahí sale todo. Pocas cosas me ofendían. Para mí, haber nacido, haber tenido un padre como el que tuve... Él fue mi fuerza; esta hija vino para ser poeta, le decía a todo mundo. Mi mamá se enojaba porque decía que eran cosas de Satanás. Todo lo que escribía se lo enseñaba a mi papá, él fue un gran apoyo. Cuando mi papá se murió le dijo a mi mamá tenemos dos hijas sin casar, cuídalas mucho de los militares y franceses. Se nos olvidó y yo me casé con un francés y mi hermana con un militar.
Cuando murió mi padre me volví un poco hermética, escondía mi dolor, mi desamparo. También, cuando mi hermana se suicidó con cianuro, por amor. Eso era lo que más me dolía. Yo odiaba a aquel militar. Creo que es una de las cosas que no he dicho en mi poesía, por enojo. Pero el destino se cumple. Llega uno a aprender. Ya me tengo que ir, ya estoy muy enferma. Le tengo miedo a la muerte porque no sé en qué dimensión voy a parar. Pero todos nos tenemos que ir. Pero tengo más miedo de ya no poder escribir por tanto dolor que he visto.

–¿Qué hace ahora?
–Voy a pintar y a escribir un libro en prosa poética sobre los grandes amores de mi vida. Fui muy enamoradiza. Me apasiona mucho la pintura, pero sólo he hecho dos cuadros. El campo, la naturaleza, el buen comer.

Virgen de media noche

2007-11-25T02:39:00.000-08:00

Hoy estuvimos en casa de Gustavo López, el compositor juticheco que escribió la letra del El Caracol, interpretada por Susana Harp. Pero el verdadero motivo de la visita fue para ver a Soid Pastrana, grabador de las mismas latitudes de López.
Fui testigo, no por primera vez, de un proceso creativo. Por una parte López proponía a través de doce grabados la sensualidad de la sexualidad. Los personajes principales son el cuerpo femenino y la siempre omnipresente tortuga como símbolo fálico. Por otro lado, Soid Pastrana dibujaba a acuarela un enorme ave que aterrizaba en la cabeza de un hombre, al parecer de Gustavo López.
Inhalábamos arte através de nuestras fosas nasales que bailaban al ritmo de chilenas y zapateados oaxaqueños. Las cervezas Tecate eran mal vistas por un wisky J & B. Los cigarros se esfumaban con historias de María Luisa Puga, Andrés Henestrosa, Fadanelli...
La San Rafael me preparó una recepción para recordar a dónde voy, espero seguir el camino del caracol

Kevork Mourad

2007-08-25T17:30:00.000-07:00

El trabajo de Mourad es el único que me ha permitido ver la música

Kevork Mourad es un artista visual dedicado a realizar animación espontánea. A pesar de que el arte contemporáneo se distingue por la integración de las nuevas tecnologías a la pieza o a la propia estética del acto artístico, Mourad sólo trabaja con pintura acrílica y papel. La tecnología más avanzada que utiliza para la creación de sus animaciones es un simple atomizador.
Las imágenes trazadas se proyectan en una pantalla, donde se propone una nueva forma narrativa polisémica. No es cine, animación o simples dibujos. Siempre a ritmo de la música Mourad propone historias, incluso más de una en una sola pieza.
Son tan subjetivos sus trazos que logra una gama de sentimientos, desde la alegría, la melancolía y el llanto, siempre en dirección de la reflexión con ayuda del discurso sonoro.
Sin duda, una animación ecléctica.
En esta ocasión Kevork estaba acompañado por Tambuco, sin embargo ha participado con diferentes músicos como su compatriota Djivan Gasparyan, el mismo que participó en la realización de la banda sonora de La última tentación de Cristo y El cuervo.

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